Ormai il successo dell’HD-2D attraverso titoli come la saga di Octopath Traveler e Triangle Strategy, è consolidato. Square Enix torna però con una nuova idea, per cambiare ancora una volta il modo in cui ci approcciamo a questo stile grafico. The Adventures of Elliot The Millennium Tales vuole infatti portarci su un nuovo livello di sviluppo creativo. Il titolo abbandona il tradizionale combattimento a turni per abbracciare la formula Action RPG, senza rinunciare all’estetica che ha reso celebre lo studio. Non per mera velleità artistica o voglia di variare, ma con un preciso progetto di sviluppo per il futuro. A questo aggiunge una storia e un gameplay che pescano direttamente dal passato del vasto e storico genere GDR, rivisitandolo come di consueto e rendendolo più accessibile e moderno. Vi unisce inoltre un leggero tocco di combattimento strategico, per dare maggiore profondità al gameplay. Tanti elementi differenti che fanno crescere la curiosità verso questa nuova opera videoludica, che segna ancora una volta il viaggio di Square Enix. Una direzione ambiziosa che non punta semplicemente a replicare una formula vincente, ma a dimostrare come l’HD-2D possa evolvere e adattarsi a nuove forme di gameplay.

The Adventures of Elliot The Millennium Tales: un nuovo viaggio per Team Asano

Prima di parlare del valore del videogioco, però, è doveroso raccontare cosa c’è dietro la sua creazione. Il Team Asano, responsabile dello sviluppo insieme a Claytechworks, infatti, ha deciso di raccontarsi con un lungo video, in cui si parla della filosofia che ha spinto la costruzione del gioco. Già dai primi secondi, è ben chiaro come The Adventures of Elliot The Millennium Tales non sia semplicemente un nuovo titolo con grafica HD-2D. Neanche un mero tentativo di sfruttare l’entusiasmo che ancora permane nel settore per questa forma grafica. Dietro c’è molto di più. Come i creatori esprimono bene, dopo aver ripreso in mano il concetto di JRPG con Octopath Traveler e aver affrontato, quasi naturalmente, quello strategico con Triangle Strategy, per loro era giunto il momento di abbattere nuove barriere. The Adventures of Elliot The Millennium Tales non è soltanto la vecchia grafica in un nuovo ambiente ma il tentativo di dimostrare come l’HD-2D possa essere una forma artistica, adatta a ogni genere videoludico. La scelta dell’Action RPG, quindi, è funzionale ad aprire nuove frontiere di azione e racconto videoludico, continuando a percorrere quel ponte tra passato e futuro che, ancora oggi, emoziona e affascina. Si tratta di una doverosa premessa per comprendere appieno il nuovo titolo di casa Square Enix.

Speranza, memoria e cambiamento

La storia di The Adventures of Elliot The Millennium Tales muove i primi passi nel Regno di Huther, ultimo rifugio dell’umanità in un continente dominato da tribù bestiali e mostri. Gli esseri umani sono confinati all’interno di una roccaforte, protetta dall’Egida utilizzata dalla Principessa Heuria. Nonostante l’isolamento, alcuni coraggiosi avventurieri escono dalle mura per compiere missioni, risolvere problemi o semplicemente ripulire la zona dai mostri, per evitare che aumentino eccessivamente di numero. Il nostro eroe, Elliot, è proprio uno di questi. Anzi, è il migliore. Tanto che un giorno riceve un incarico direttamente dal re: esplorare delle antiche e pericolose rovine. All’interno viene ritrovata una misteriosa reliquia chiamata la Porta del Tempo che permette di viaggiare attraverso le epoche. Elliot è costretto a intraprendere un viaggio unico e pericoloso, per evitare che il passato venga stravolto e che il futuro venga cambiato. Il nostro avventuriero dovrà infatti muoversi attraverso quattro epoche diverse, durante le quali incontrerà anche la piccola fata Faie, senza memoria e che ricoprirà un ruolo fondamentale per l’impresa attraverso i secoli. Il tempo diviene quindi non soltanto uno sfondo narrativo ma il vero motore dell’avventura.

Come giocatori osserviamo la nascita (l’Era del Germoglio), l’ascesa (l’Era della Magia), la decadenza (l’Era della Ricostruzione) e la rinascita (l’Era dell’Egida) di civiltà separate da secoli di distanza. Durante questo viaggio, Elliot entra in contatto con vari personaggi che vivono nelle diverse epoche e, attraverso il dialogo con loro, scopre la vera storia della civiltà umana. In alcuni casi, l’influenzerà anche direttamente. È chiaro quindi come dietro la struttura fantasy si nasconde una riflessione più ampia sul rapporto tra passato e futuro. Il motto ufficiale del gioco, “La speranza è sempre là”, ripetuto più volte e motore filosofico dello sviluppo narrativo, sembra permeare l’intera avventura. Sullo sfondo, inoltre, emerge un conflitto ideologico tra chi vuole preservare il presente e chi desidera cambiare il futuro attraverso nuove forme di conoscenza e potere. Una tematica che conferisce maggiore profondità alla storia rispetto a quanto suggerisca la sua premessa iniziale. Perché la storia fatica a decollare all’inizio, apparendo leggermente piatta e semplicistica.  Poi, però dispiega le proprie ali, una volta che la Porta del Tempo viene aperta e attraversata, conducendoci a un intreccio più articolato. In ogni caso, la storia è nelle nostre mani e siamo noi gli artefici di ciò che sarà la conclusione di questa affascinante avventura.

The Adventures of Elliot The Millennium Tales: un action-RPG fluido e dinamico

A differenza delle opere precedenti del Team Asano, il cuore del gameplay è rappresentato da combattimenti in tempo reale. Tutto ruota intorno ad attacchi che devono tener conto della gestione delle distanze, del tempismo e dell’utilizzo di differenti categorie di armi. In The Adventures of Elliot The Millennium Tales possiamo utilizzare una spada, una lancia, un arco, un martello, un boomerang, bombe e catene. Ognuna di queste possiede, oltre ad un attacco leggero e uno pesante che va caricato, caratteristiche e funzioni specifiche che modificano profondamente l’approccio agli scontri. Equipaggiabili due alla volta e facilmente interscambiabili attraverso un menù rapido, alcune saranno anche fondamentali per accedere ad aree specifiche. Non esistono diverse versioni delle armi da poter acquistare ma ognuna di esse, può essere potenziata attraverso lo sfruttamento della Magicite, probabilmente una delle componenti più interessanti dell’intera esperienza. Raccogliendo frammenti in giro per il mondo e dai mostri, possiamo creare queste magiche gemme che forniscono nuovi poteri e abilità alle nostre armi, rendendole più potenti. Non si tratta soltanto di semplici bonus statistici, ma di effetti capaci di alterare strategie, tempistiche e possibilità offensive. Il sistema punta così a essere immediato da apprendere, ma sufficientemente profondo da premiare la sperimentazione, soprattutto grazie alle numerose opzioni offerte dalla personalizzazione.

Esplorare e combattere per cambiare il destino

The Adventures of Elliot The Millennium Tales si presenta però come un titolo non soltanto incentrato sul combattimento. Anche l’esplorazione occupa un ruolo altrettanto importante. D’altronde Elliot è un avventuriero ed è coerente con il suo background, dare al giocatore la possibilità di muoversi per le varie mappe di gioco, con una buona libertà. Durante il viaggio, infatti, troveremo numerose grotte e resti di strutture da esplorare. Questa fase è molto affascinante e ci permette di acquisire Tul, la moneta di gioco, frammenti di Magicite e anche gemme già formate. Non tutti gli ambienti, però, saranno immediatamente accessibili. Per alcune zone, avremo bisogno di abilità e armi specifiche, da ottenere nel corso del gioco. Così da tornare in aree già visitate per scoprire nuovi percorsi, tesori nascosti e segreti prima irraggiungibili, incentivando la curiosità del giocatore. A questo si aggiunge il contributo della fata Faie, le cui magie permettono di superare ostacoli ambientali, risolvere enigmi e persino essere controllata da un secondo giocatore nella modalità cooperativa locale. Una modalità poco sviluppata, purtroppo. Ma nel caso di morte, è proprio grazie a lei che possiamo tornare in vita. Pagando il giusto contributo in Tul.

I poteri di Faie vengono sbloccati in particolari templi. Qui, dopo aver superato delle prove di abilità, abbiamo accesso a un nuovo potere, come generare fiamme o effettuare degli scatti. Strutture simili a quelle che ci permettono di raccogliere frammenti di cuori. Una volta ottenuti quattro frammenti, la nostra barra della vita viene allungata. Le prove sono diverse, come sconfiggere un determinato numero di avversari o superare un percorso ad ostacoli. Variazioni interessanti per spezzare la ripetitività dell’esplorazione. Il tutto, però, viene valorizzato ancora una volta dalla grafica, che si mostra come sempre semplice ma curata in ogni dettaglio. L’estetica HD-2D compie qui un ulteriore passo in avanti. L’illuminazione dinamica, gli effetti particellari e la profondità degli scenari non hanno soltanto una funzione estetica, ma contribuiscono direttamente alla leggibilità dell’azione. La maggiore verticalità delle ambientazioni e l’ampiezza delle mappe mostrano chiaramente come la tecnologia sia stata adattata alle esigenze di un gameplay più rapido e dinamico rispetto ai precedenti lavori dello studio. Non sempre però il punto di vista fisso facilità gli scontri. Gli elementi verticali, infatti, in alcune occasioni limitano la nostra visuale, rendendo impossibile vedere l’azione di movimento o combattimento.

In conclusione, il confronto con Octopath Traveler è inevitabile ma forse anche limitante. È innegabile come Square Enix, Team Asano e Claytechworks, abbiano voluto dare una svolta al percorso già fatto. Come è successo in precedenza, gli sviluppatori hanno abbracciato il passato in pieno. The Adventures of Elliot The Millennium Tales ha ricevuto un grande contributo culturale, narrativo e di gameplay, da grandi titoli della storia videoludica. Mentre si gioca, ci si ritrova a pensare a titoli importanti come Legend of Zelda e Mana, ma anche Alundra e Chrono Trigger. Allo stesso tempo, si comprende anche il senso di una tale operazione: prendere il passato per rimaneggiarlo e adattarlo al presente. Il gioco risulta infatti fluido, veloce, rapido e con una grande libertà di azione. Certamente ci sono alcuni piccoli difetti, ma al netto di questo, la nuova opera si presenta come ben strutturata e pensata, riuscendo allo stesso tempo a staccarsi dai precedenti lavori visti in questi anni, con una propria identità ben definita. Per tutti questi motivi, è sicuramente ingiusto considerare The Adventures of Elliot The Millennium Tales il successore spirituale di Octopath Traveler. Siamo sicuramente di fronte al tentativo ben riuscito di inaugurare una nuova fase nella filosofia creativa di Team Asano. E non vediamo l’ora di scoprire quali saranno i prossimi passi.

The Adventures of Elliot The Millennium Tales rappresenta un passaggio importante non soltanto per Team Asano, ma per l’intera idea di HD-2D sviluppata da Square Enix negli ultimi anni. Pur partendo da una base che richiama inevitabilmente grandi classici del passato, come avevamo già visto nella demo resa disponibile qualche tempo fa, il titolo riesce a costruire una propria identità grazie a una combinazione efficace di esplorazione, combattimento e una struttura narrativa fondata sul viaggio attraverso le epoche. La storia impiega un po’ prima di mostrare tutto il proprio potenziale, ma quando il viaggio nel tempo entra nel vivo, riesce a offrire temi più profondi del previsto, legati alla memoria, alla speranza e al rapporto tra cambiamento e conservazione. Sul fronte del gameplay, il sistema di combattimento risulta immediato ma ricco di possibilità grazie alla varietà delle armi e all’ottimo sistema Magicite, che incentiva la sperimentazione e la personalizzazione. Anche l’esplorazione contribuisce a mantenere vivo l’interesse del giocatore, grazie a una progressione che premia la curiosità e il ritorno in aree già visitate. L’eccellente realizzazione artistica dimostra inoltre come l’HD-2D possa adattarsi con successo a un action-RPG senza perdere il proprio fascino. Pur con qualche limite nella cooperativa locale e alcuni problemi di leggibilità dovuti alla visuale fissa, The Adventures of Elliot The Millennium Tales riesce nel difficile compito di innovare senza tradire le proprie radici, aprendo nuove prospettive per il futuro delle produzioni di Square Enix e Team Asano.

Il baseball è uno sport fatto di ritmo, attesa e improvvise esplosioni di azione. Ogni anno San Diego Studio cerca di riportare tutto questo, in maniera veritiera, all’interno di un videogioco. Non significa però riprodurre soltanto il campo da gioco, le squadre e i movimenti. Bisogna restituire anche la tensione che precede ogni lancio e la strategia nascosta dietro ogni scelta. Questo è quello che ci aspettiamo all’interno di MLB The Show 26. Il nuovo capitolo amplia alcune delle modalità più amate della serie, introduce meccaniche di gioco aggiornate e si lega ancora di più al baseball reale, con contenuti dedicati al World Baseball Classic. Come ogni anno, non ci aspettiamo una rivoluzione totale ma piuttosto un’evoluzione mirata, alla ricerca di un’esperienza più fluida e accessibile.

MLB The Show 26: uno sguardo al baseball globale

Negli anni MLB The Show si è affermata come la simulazione sportiva di baseball più importante. Di solito, però, eravamo soliti vedere arrivare la versione annuale più avanti, durante lo spring training. San Diego Studio, però, ha voluto cavalcare l’entusiasmo scaturito dal World Baseball Classic, un torneo di baseball a inviti a livello globale, che proprio in questi giorni sta vedendo le sue battute finali. In occasione di questo torneo globale, MLB The Show 26 esce anticipatamente, omaggiandolo con diverse novità nelle modalità e carte speciali dedicate. Dal punto di vista tecnico, il titolo mantiene la solidità dei capitoli precedenti. Gli stadi vengono riprodotti come sempre con grande cura, godendo anche dell’introduzione di nuove ambientazioni, come il Tokyo Dome. I modelli dei giocatori restano uno dei punti di forza della serie, dimostrando ancora una volta una grande attenzione ai dettagli, alle animazioni, ai movimenti sul campo. Il tutto contribuisce a creare un’esperienza che restituisce bene la fisicità e il ritmo del baseball. Nulla di nuovo o particolarmente innovativo rispetto al passato, però. Inoltre gli aspetti meno curati del passato, sono ancora lì, non risolti. Alcuni elementi visivi, come il pubblico o le strutture meno centrali allo spettacolo sportivo, mostrano ampi margini di miglioramento.

Il cuore di MLB The Show 26 resta sempre il gameplay. Anche quest’anno gli sviluppatori hanno lavorato per rendere ogni lancio, ogni battuta e ogni azione difensiva più leggibili e coinvolgenti. Le innovazioni e le nuove meccaniche introdotte contribuiscono a rinnovare la struttura di gioco senza snaturarla. Ne è un esempio perfetto la Big Zone Hitting, una revisione del sistema di battuta che rende più chiara la gestione della zona di impatto. Se è più semplice colpire, allora bisogna dare qualche arma in più ai lanciatori. Per questo sono stati introdotti i Bare Down Pitches, per una gestione più tattica dei lanci. A questi si aggiunge anche il sistema di Smart Sim pensato per chi non ha il tempo di giocare ogni singolo inning. Con questo possiamo simulare alcune partite, mantenendo comunque la coerenza con le prestazioni del nostro giocatore. In pratica il gioco “congela” il rendimento mostrato nelle partite disputate e lo applica alle simulazioni, evitando risultati completamente casuali. Una soluzione intelligente per rendere l’esperienza più flessibile. Tutti questi elementi rendono il gameplay, ancora una volta, il vero punto di forza di MLB The Show 26. Un insieme che quest’anno offre maggiore accessibilità ai nuovi giocatori senza sacrificare la profondità e il livello di sfida per i veterani.

Tra gestione e storia, un’esperienza ancora più completa

In MLB The Show 26 non poteva certamente mancare la modalità Road to the Show, il cuore narrativo del gioco da diversi anni. Permette di creare il proprio giocatore e accompagnarlo lungo l’intera carriera, dall’inizio come giovane promessa fino all’ingresso nella Hall of Fame. Ovviamente ogni anno vengono introdotti nuovi capitoli e strutture narrative. La grande novità di quest’anno è il percorso Road to Cooperstown, che espande la fase iniziale della carriera. Il giocatore può scegliere se entrare subito nel mondo professionistico dopo il liceo oppure passare dal college, con oltre una decina di nuovi programmi universitari disponibili. Abbiamo apprezzato molto la progressione più graduale di questa sezione, che dà maggiore respiro alla narrazione. Le partite universitarie e le competizioni collegate, infatti, creano un contesto più immersivo. L’obiettivo finale resta però sempre lo stesso: diventare una leggenda del baseball e conquistare un posto tra i grandi. Il sistema Smart Sim si integra perfettamente con questa modalità, consentendo di saltare alcune partite senza compromettere la crescita del giocatore.

Per chi cerca invece un approccio più strategico al gioco, la modalità Diamond Dynasty è perfetta. Qui si punta sulla collezione e sulla costruzione della squadra, attraverso la raccolta di carte dedicate agli atleti reali, così da costruire il proprio team ideale. Rispetto al passato, MLB The Show 26 introduce un nuovo livello di rarità, chiamato Red Diamond. Sono presenti anche diversi contenuti dedicati al World Baseball Classic, così da catturare l’interesse di coloro che hanno seguito il torneo internazionale e il baseball globale. Abbiamo notato un miglioramento nel sistema di progressione. L’aggiornamento del sistema PXP, infatti, consente di far crescere i giocatori attraverso l’esperienza accumulata in partita. A questo si aggiungono i Parallel Mods, che permettono di personalizzare ulteriormente le abilità delle carte. Le campagne Mini-Seasons sono state rielaborate per rendere la progressione più dinamica, introducendo nuove sfide e ricompense. Nonostante le diverse novità, permane il problema tipico di questa modalità. Il sistema risulta ancora fortemente incentrato sul grinding, favorito da alcune nuove limitazioni, come il limite massimo di carte possedibili per ogni giocatore. Chissà se verrà mai risolto questo eterno dilemma.

A completare la gamma delle modalità presenti in MLB The Show 26, non potevano di certo mancare le modalità Franchise e Storylines, due esperienze molto diverse ma entrambe fondamentali per l’identità della serie. La prima permette di gestire una squadra nel lungo periodo, prendendo decisioni strategiche su mercato, costruire il roster e gestire lo sviluppo dei giocatori. Nel nuovo capitolo troviamo un nuovo Trade HUB che centralizza le trattative e migliora la logica degli scambi tra squadre. La gestione delle formazioni e la progressione dei giocatori ci ha dato inoltre l’impressione di rappresentare meglio le dinamiche reali. Per la modalità Storylines, invece, San Diego Studio sembra aver voluto giocare maggiormente in difesa. Prosegue la Negro Leagues con la quarta stagione, che vede nuovi campioni, nuovi stadi e nuove uniformi. I giocatori potranno quindi scoprire altre leggende e figure fondamentali del baseball, con la stessa struttura documentaristica che alterna missioni di gioco a sequenze narrative. Seppur rimane sempre altissimo il valore storico e divulgativo di questa modalità, il formato rimane per lo più simile a quello visto in precedenza, senza nessuna reale innovazione.

Dopo l’annuncio del nuovo giocatore in copertina, MLB The Show 26 torna ancora una volta come il miglior videogioco dedicato al baseball al momento sul mercato. Stavolta però San Diego Studio sceglie una strada prudente ma efficace: miglioramenti mirati, nuove meccaniche di gameplay e un forte legame con il baseball reale. Le innovazioni più interessanti riguardano il gameplay, con sistemi come Big Zone Hitting e Smart Sim che rendono l’esperienza più accessibile e dinamica. Le modalità principali continuano ad offrire grandi possibilità, con miglioramenti sporadici ad hoc. Road to the Show appare più narrativa, con una crescita graduale mentre Diamond Dynasty permette ora una gestione più strategica, anche se legata di nuovo fortemente al grinding. Purtroppo alcuni elementi grafici, come gli spettatori, appaiono ancora poco sviluppati e curati e in alcuni settori non ci sono grandi novità. Il World Baseball Classic, terminato da poco, ha dato però modo al gioco di inserire numerosi riferimenti che faranno sicuramente la gioia degli appassionati del baseball internazionale. Considerando tutto, MLB The Show 26 rimane una delle simulazioni sportive più complete e credibili sul mercato. Chi ama il baseball troverà un titolo ricco di contenuti e capace di restituire con grande precisione la complessità di questo sport. Forse però è giunto il momento per San Diego Studio di svecchiare la grafica e osare di più.

Una delle saghe RPG più famose si arricchisce finalmente di un nuovo capitolo. Octopath Traveler 0 arriva su Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Serie X|S e PC. Il primo capitolo ha riscritto le regole narrative e di gameplay del genere, il secondo ha confermato che la formula può reggere il tempo, questo prequel vuole adesso rivoluzionare il proprio sistema di gioco offrendo un’esperienza originale ma anche fedele al passato. Un connubio di elementi difficile da raggiungere. Ma nulla sembra impossibile per Square Enix che promette di regalare un nuovo incredibile viaggio. Un’avventura nuova e tutta da scoprire.

Octopath Traveler 0: tanti percorsi, un unico destino

Impossibile negare come Octopath Traveler abbia segnato un punto di svolta nel genere videoludico del RPG. Fin dalla sua comparsa nel 2018, si è subito imposto come una delle esperienze più originali e riconoscibili dell’ultimo decennio. Con poche operazioni di riscrittura concettuale, ha modificato l’approccio sia alla narrativa che alla grafica dei videogiochi. Celebre la sua estetica a 16 bit, reinterpretata e modernizzata attraverso la tecnica dell’HD-2D. Un misto di pixel art e illuminazione moderna che ha definito l’identità visiva di Square Enix negli anni successivi. Ma l’elemento più distintivo è sempre stato il suo approccio alla narrazione: otto protagonisti, otto percorsi indipendenti, scanditi da storie intime e autoconclusive, più vicine a delle novelle interattive che a un unico racconto corale. Con Octopath Traveler II, qualcosa è cambiato. La saga ha iniziato a sperimentare un maggior grado di interconnessione narrativa, introducendo coppie di personaggi e capitoli condivisi. Tuttavia la struttura rimaneva frammentata, quasi antologica, lasciando ai giocatori il compito di legare idealmente i fili tra i vari percorsi. Ogni capitolo, quindi, ha sempre mantenuto la sua identità narrativa, presentando più un mosaico di esperienze che un vero e proprio affresco unitario. Un elemento portante che rappresenta l’identità del titolo, da cui Square Enix però fa nascere una nuova, grande sfida.

Octopath Traveler 0 si presenta come il prequel dei primi due capitoli, indossando le vesti però di un esperimento audace all’interno della saga, mettendone in discussione i principi fondanti. La storia appare più coesa, costruita attorno a un intreccio unico, pur mantenendo le identità tematiche dei vari protagonisti. Al centro della narrazione, infatti, ci siamo noi. Un personaggio del tutto personalizzabile nell’aspetto, nella classe (una delle otto storiche e iconiche), anche nel cibo preferito, che ci darà bonus particolari. Non più otto strade diverse ma una sola che si dipana verso differenti direzioni. Le varie linee, Wealth, Power, Fame e gli archi successivi, non vivono più in compartimenti stagni, ma come capitoli di un’unica cronaca epica. Una storia più matura e cruda in cui non mancheranno momenti drammatici e colpi di scena inaspettati. Ne è un esempio perfetto il punto di partenza della nostra avventura: la completa distruzione del nostro villaggio, Wishvale, per colpa di un incendio, con un numero enorme di vittime anche tra le persone a noi più care. Da qui parte il viaggio alla ricerca di tre mitici anelli che ci porta non soltanto a incontrare nuovi amici e combattere contro temibili avversari, ma anche interrogarci su grandi temi esistenziali e sociali. La presenza di un filo conduttore più forte offre un respiro narrativo molto più ampio, quasi da grande dramma corale. Il focus rimane sui temi intimi dei singoli personaggi, dalla vendetta alla fede, dall’ambizione al rimorso, e ogni arco conserva un tono specifico. Tuttavia Octopath Traveler 0 cambia il modo in cui queste storie dialogano fra loro: non più percorsi paralleli che raramente si incrociano, ma linee che si sfiorano, si avvicinano e si condizionano, fino a comporre un destino condiviso. Diviene quindi rappresentazione di un ponte ideale tra la filosofia originaria della serie e un’idea più moderna di narrazione unificata, capace di dare al mondo uno spessore mai visto prima.

Una storia costruita su tante identità differenti

Per sostenere il peso di una narrazione così complessa, la saga ha sempre presentato personaggi strutturati, profondi e psicologicamente articolati. Octopath Traveler 0 non è da meno, nonostante la presenza di un unico protagonista. Questo perché il nostro eroe si circonda ed incontra ben presto una moltitudine di personaggi che non hanno niente da invidiare agli eroi del passato. Ognuno di loro porta con sé una narrativa ben definita, che si intreccia gradualmente in una cornice più ampia. Ogni personaggio viene spinto da storie e motivazioni definite e strutturate, rappresentando dei perfetti archetipi mai macchiettistici. Alcune storie sono profonde e drammatiche, altre più leggere ma tutte contribuiscono a formare un mosaico narrativo. La profonda spiritualità del ladro Celsus, le insicurezze e i sensi di colpa di Phenn ma anche il desiderio di esplorazione e libertà di Carinda o la ricerca costante di conoscenza di Alexia sono solamente alcuni degli esempi narrativi che ci capiterà di incontrare. Tutti personaggi che potranno unirsi alle nostre fila, divenendo possibili membri del nostro party, raggiungendo il numero impressionante di 30 NPC reclutabili. Il loro valore è doppio: da un lato offrono una motivazione esplorativa costante, dall’altro arricchiscono il background del cast senza ricorrere a cut-scene invasive, anche se per goderne appieno dovremo prenderci del tempo per leggere ed assistere ad ogni dialogo. Un piccolo sacrificio per completare il puzzle narrativo. Ogni personaggio reclutabile può aggiungersi al gruppo dopo aver completato una piccola missione che compare sulla mappa non appena disponibile. Impossibile quindi non riuscire a trovarli tutti.

Accanto a loro abbiamo anche dei grandi avversari che rappresentano perfettamente le profondità più oscure dell’animo umano. Si parte da Fama, Avarizia e Potere per poi spingerci sempre più a fondo nei lati più terribili delle nostre fragilità. Ed ecco che Herminia diviene il simbolo di un desiderio di oro e beni preziosi che travalica il senso di umanità, Tytos invece è alla ricerca di potere e forza per ergersi sopra i cadaveri dei suoi avversari mentre Auguste desidera soltanto fama e onori e per raggiungerli è disposto a tutto. Anche questi, però, non sono così semplici da interpretare e incasellare. Perché durante la nostra avventura non soltanto approfondiremo i loro vizi e le colpe che hanno e continuano a perpetrare. Scopriremo anche il percorso che li ha condotti fino a quel punto. Una strada non nera ma costellata anche di piccole luci e tante zone grigie. Sarà stupefacente ritrovarsi ad avere qualche remora nel dar loro il colpo di grazia, commossi e impressionati da una backstory complessa, in cui potremmo ritrovarci. Villain epici, non semplici cattivi ma uomini e donne il cui percorso di vita li ha portati nel punto terribile in cui li incontriamo. Che sia frutto di una loro scelta o se siano solo vittime degli eventi, starà a noi deciderlo. Perché possiamo facilmente ritrovare qualche nostro aspetto anche in loro.

La strada, inoltre, ci porterà a incontrare tanti NPC secondari, anche loro con una storia da raccontare. Ogni regione è popolata da personaggi con piccoli conflitti e ruoli sociali che si intrecciano con le vicende dei capitoli principali. Non stiamo parlando di semplici figure ornamentali. Sono artigiani, guardie, mercanti, teatranti, contrabbandieri e abitanti comuni, tutti con routine e background che emergono sia nelle missioni secondarie sia nei momenti spontanei che possiamo vivere esplorando città e villaggi. Alcuni NPC ritornano più volte, assumendo un ruolo rilevante man mano che la trama progredisce e offrendo un senso di continuità che nei precedenti titoli della serie era meno marcato. Questa rete di personaggi minori è funzionale anche alle abilità di interazione tipiche della saga, che in Octopath Traveler 0 vengono ampliate e diversificate. Indagare, persuadere, rubare, reclutare temporaneamente od ottenere informazioni attraverso i vari personaggi giocabili permette di scoprire ulteriori dettagli su ogni NPC, trasformando semplici figure di sfondo in tasselli narrativi significativi. Alcuni offrono missioni opzionali, altri rivelano nuovi risvolti attraverso confessioni, lettere o richieste d’aiuto, mentre altri ancora incarnano temi ricorrenti come la decadenza politica, la lotta per la sopravvivenza o la ricerca di riscatto. La sensazione complessiva è quella di un mondo vivo, attraversato da relazioni credibili e intrecci che si sviluppano naturalmente. In questo contesto, non sono solo “presenze” ma veri veicoli per ampliare la comprensione del mondo, rendendolo un luogo abitato e pulsante.

Spezziamo la difesa e distruggiamo l’avversario

Anche dal punto di vista del gameplay, Octopath Traveler 0 ha voluto innovare senza stravolgere. Con pochi piccoli tocchi, Square Enix riesce a rimanere fedele alla struttura classica della saga ma con qualche novità capace di ridefinire l’esperienza. In questo nuovo capitolo torna l’ormai iconico sistema di combattimento Break & Boost. Ogni avversario è dotato di uno scudo e un relativo punteggio. Colpendolo con le armi o gli elementi a cui è debole, facciamo calare questo numero fino ad infrangere lo scudo. A questo punto, il nemico è stordito e più vulnerabile ai nostri colpi. Ovviamente la tipologia di attacchi per infrangere lo scudo è nascosta fino a quando non viene colpito. Per far calare più velocemente questo valore, stavolta possiamo contare però su un party composto da ben 8 membri. Un’introduzione scontata visto la gran mole di personaggi da aggiungere al nostro gruppo, ma ben accetta. Durante i combattimenti ci sono due linee di attacco. La prima è quella che effettivamente combatte mentre la seconda fornisce supporto sulla base delle abilità equipaggiate. In ogni momento possiamo comunque scambiare, durante il suo turno, il singolo personaggio con la sua controparte nelle retrovie. I diversi personaggi sono appartenenti a una delle 8 classi storiche della saga e possono utilizzare una combinazione variabile di due armi. Il sistema di scontro, quindi, risulta essere ancora più tattico rispetto al passato e allo stesso tempo più fluido. Una combinazione che ha un ruolo fondamentale specialmente contro boss che richiedono attenzione ai pattern e alle finestre di vulnerabilità. Tutto questo rende più dinamico e al tempo stesso più strategico ogni combattimento.

Anche l’esplorazione beneficia di un passo in avanti: mappe più dense, attività secondarie che si intrecciano con le motivazioni dei protagonisti, percorsi opzionali che nascondono tesori. L’impressione generale è quella di un gameplay familiare ma che sfrutta meglio le potenzialità dell’HD-2D. Le aree sono sempre divise in mini mappe, tutte da esplorare con facilità, grazie anche al messaggio che compare a schermo quando stiamo per entrare e che ci avvisa del livello di sfida della mappa. Oltre alle città principali, sono presenti anche dei mini dungeon da affrontare per completare missioni specifiche. Zone che permettono di ammirare la varietà di ambienti presenti anche in Octopath Traveler 0. Tetri boschi, candide zone innevate, aree montuose ed aride e molto altro ancora. In molte di queste, inoltre, è possibile affrontare bestie mitiche per la conquista di grandi tesori. Il dover passare in continuazione per queste aree, però, può divenire ripetitivo ma per questo possiamo sfruttare in sistema di teletrasporto che ci sposta immediatamente in una delle città già visitate. Una scorciatoia da utilizzare, però, con parsimonia.

Il nostro villaggio, come dicevamo, è stato distrutto e oltre a compiere il nostro destino e recuperare gli anelli mistici, siamo chiamati anche a farlo rinascere e popolarlo di nuovo. Per fare questo, però, dobbiamo recuperare materiali utili a costruire nuove case e strutture. Legno, stoffa, roccia che si possono trovare proprio lungo i percorsi di ogni mappa. Una città bellissima ma deserta, non ha però nessuna utilità. Per questo alcuni degli NPC sparsi per le diverse città, possono essere invitati a trasferirsi nella nuova Wishvale. Anche il nostro villaggio può salire di livello, completando missioni specifiche presenti nella linea narrativa chiamata Flame. Così possiamo aumentare il numero di case, sbloccare nuove strutture e rintracciare i cittadini sopravvissuti all’incendio e ora sparsi per il mondo. Un nuovo arco della storia che si unisce a quelli già citati e prosegue anche con quelli successivi, accompagnandoci per tutta l’avventura. Questo nuovo tipo di progressione, completamente differente rispetto al passato, è uno degli aspetti più ambiziosi e, allo stesso tempo, più divisivi. Nei capitoli precedenti avevamo 8 strade differenti che in alcuni punti si sovrapponevano per poi separarsi nuovamente. Adesso invece un unico punto di origine con linee narrative parallele che ci permettono di alternare i vari percorsi e capitoli senza un ordine rigido. Questo approccio esalta la varietà del gameplay, perché ogni percorso propone sfide, abilità e nemici costruiti attorno a un tema specifico.

Allo stesso tempo proprio questa libertà introduce il principale punto debole del gioco: il bilanciamento della difficoltà. Le linee narrative sono parallele ma la crescita del nostro personaggio è costante e lineare. Questo tipo di approccio porta inevitabilmente a un leveling eccessivo dei personaggi, rendendo spesso alcuni capitoli molto più accessibili di quanto dovrebbero essere. A cadenza regolare vi è un riallineamento ma in maniera abbastanza costante, il problema si ripresenta, rendendo alcune fasi della storia troppo semplici da affrontare. Nonostante ciò, il piacere di assistere al dipanarsi della trama di questa epica avventura e di sfruttare al massimo le diverse meccaniche di gioco rimane altissimo. Nel complesso, Octopath Traveler 0 si afferma come un’esperienza capace di valorizzare tutto ciò che ha reso unica la serie, aggiungendo una maturità narrativa e un respiro epico mai così presenti. Non è solo un prequel: è un tassello fondamentale nell’evoluzione della saga. Un titolo che la celebra, la ridefinisce e suggerisce con decisione la direzione che la serie potrà prendere in futuro. In definitiva, un viaggio che vale la pena intraprendere.

Lo avevamo già capito con il nostro provato: Octopath Traveler 0 si presenta come un prequel solido e ricco, capace di rispettare i punti di forza della serie pur introducendo sfumature narrative e ludiche che ne ampliano l’identità. La storia racconta in modo efficace le vicende del nuovo e classico protagonista, prescelto dal destino per compiere una missione. Con lui ben 30 nuovi personaggi, ognuno mosso da desideri, conflitti e drammi personali. Stavolta abbiamo un’unica strada che però si divide in più archi narrativi, con i suoi capitoli e terribili avversari. Storie più mature e drammatiche che parlano di perfide ambizioni, lotte di potere e antiche ferite. Il nuovo capitolo mostra una notevole maturità nel tratteggiare personalità memorabili che ci mettono in discussione e ci fanno riflettere. Sul fronte del gameplay, il nuovo capitolo della saga conferma l’equilibrio tra tradizione e innovazione, partendo dal classico Break & Boost ma offrendo stavolta 8 membri nel party. Un sistema di combattimento più tattico e profondo anche se con qualche sbavatura nel bilanciamento della difficoltà, dovuto proprio alla struttura a linee narrative parallele. Il risultato finale è un comunque un RPG raffinato, coinvolgente e rispettoso della sua eredità. Il gioco riesce a conquistare sia i fan storici sia i nuovi giocatori, ponendosi come il primo passo nell’evoluzione della serie.

I primi capitoli della saga hanno ridefinito il concetto di RPG, riportando in auge uno stile visivo che in molti consideravano ormai passato. Allo stesso tempo, Sqaure Enix è riuscita a costruire un modo differente di raccontare e vivere l’avventura. La saga di Octopath Traveler è diventata velocemente un cult, amata da tanti per la prospettiva innovativa ma allo stesso tempo nostalgica sul genere. Octopath Traveler 0 sta ora per arrivare su PC, Nintendo Switch 1 e 2, PlayStation 4 e 5 e Xbox Serie X|S con la promessa di dare una svolta netta al percorso visto fino ad ora. Noi abbiamo avuto l’opportunità di dare un’occhiata ai primi capitoli del gioco e quello che abbiamo provato è stato incredibile.

Octopath Traveler 0: ricominciamo da prima

Octopath Traveler 0, nonostante sia il terzo capitolo, proprio come dice il nome, vuole essere un degno prequel alla saga che ci ha rapito fin ad ora. Nonostante questo, il gioco ridefinisce la struttura narrativa a strade differenti ma interconnesse, che ha fatto la fortuna della saga. In questo nuovo capitolo, infatti, interpretiamo un unico personaggio a cui, come nei più classici RPG anni ’90, possiamo dare un nome ma anche costruirne limitatamente le fattezze fisiche. Il nostro protagonista è uno degli abitanti del tranquillo e pacifico villaggio di Wishvale. Tutta la popolazione sta per festeggiare la Sacra Fiamma ma, la sera della festa, un esercito guidato da un terribile avversario, piomba in città e da tutto alle fiamme. Il nostro eroe, insieme ad alcuni sopravvissuti, riesce a fuggire. Tempo dopo scopre di essere un predestinato, chiamato a salvare il mondo da un terribile minaccia. Il nostro compito sarà recuperare degli anelli divini e porre fine alla minaccia malefica che sta per abbattersi sul mondo intero. Per adempiere al nostro dovere, però, avremo bisogno di aiuto e compagni. Molti compagni, come mai prima d’ora.

Fino a qui, Octopath Traveler 0 sembra volersi accomodare sulla più classica delle strutture narrative dei vecchi RPG. In realtà siamo rimasti colpiti dalla maturità dei toni utilizzati per raccontare questa storia. L’avventura che sia apre di fronte a noi, è più cupa, misteriosa e intrecciata. Dopo il prologo, infatti, veniamo messi di fronte alla prima di tante scelte: andare a recuperare i primi tre anelli, cercando vendetta, seguendo i percorsi di Power, Wealth o Fame, oppure puntare alla ricostruzione del villaggio percorrendo le strade del Flame? Le scelte non sono definitive, ovviamente. Avanzando nel gioco, potremo completarle tutte. Allo stesso tempo danno una misura precisa della maturità narrativa raggiunta da Square Enix. I primi tre percorsi, infatti, ci chiamano a riflettere sui temi della forza come strumento di controllo (Power), della relazione fra corruzione e potere economico (Wealth) e del legame fra arte e sfruttamento (Fame). Il quarto, Flame, vuole invece accompagnarci in un percorso legato alla memoria e alla spiritualità. Questi sono solamente i primi passi in una struttura narrativa molto più matura e complessa. Possiamo solo immaginare cosa ci aspetti dopo i rispettivi primi capitoli di ogni strada, punto dove il nostro provato ha avuto termine. È chiaro però come, se prima eravamo di fronte a otto strade differenti che si incrociavano e condividevano una parte del percorso di vita, per poi dividersi nuovamente, adesso il panorama è completamente differente. Un unico punto di partenza ci porterà a svariate diramazioni, come un albero che allunga i suoi rami nella grandezza del tempo e dello spazio.

Una storia corale tra ricostruzione e avventura

Perché Octopath Traveler 0, nonostante la presenza di un unico protagonista, non rinuncia alla pluralità dei punti di vista. Elemento forse mai così presente come in questo titolo. Mentre cerchiamo di adempiere al nostro sacro compito, infatti, dobbiamo anche ricostruire il nostro villaggio e questo, oltre alle strutture, richiede anche cittadini. Durante i nostri viaggi, o attraverso side quest specifiche, dovremo anche invitare le persone che riteniamo più utili o meritevoli a trasferirsi alla nuova Wishvale. Tra questi, oltre a cittadini comuni in grado di fornire supporto allo sviluppo del villaggio, potremo contare anche su ben 30 personaggi differenti. In questo nostro provato ne abbiamo incontrati solamente alcuni, ma vi assicuriamo che tutti hanno un’identità ben specifica, una back-story affascinante e capacità uniche. L’ispirazione per questa parte più gestionale del sistema di gioco, non può che essere stata Suikoden II. Nel poco che abbiamo visto, si percepisce già una sensazione di comunità, gruppo, appartenenza che pochi titoli sono riusciti ad evocare in passato. La ricerca del tormentato Phenn o l’incontro con lo spirituale Celsus sono momenti profondi, che ci chiamano a riflettere. La presenza di tanti personaggi, inoltre, ha un influsso anche sul gameplay generale. Il numero di membri del party, infatti, sale a 8 componenti che possiamo suddividere in due linee. I 4 di fronte hanno massima libertà di azione mentre la seconda linea funge da supporto. Nella classica struttura Break & Boost possiamo ora spostare i singoli membri fra le due linee, rendendo i combattimenti più strategici.

Il mondo viene ancora suddiviso in aree limitate, in cui possiamo muoverci seguendo percorsi prestabiliti. Ogni area viene suddivisa per il livello dei mostri che possiamo incontrare casualmente. Un elemento che favorisce la strategia di esplorazione, permettendoci di scegliere il livello di sfida che vogliamo affrontare. A spingerci ad esplorare è la presenza di diversi mini dungeon che vengono sbloccati nel momento in cui prendiamo la specifica quest. Vi sono inoltre dei mostri epici che risiedono in alcune mappe e fanno la guardia a tesori preziosi. Non ci è dato sapere il loro livello ma tre indicatori ci suggeriscono il grado di sfida, da moderato a difficile. Durante queste prime fasi di esplorazione, tutte nella parte sud di Wishvale, abbiamo riscontrato una calibrazione del livello di difficoltà non molto ottimale. Prendendosi del tempo per livellare, gli scontri casuali divengono presto facilmente accessibili e quasi ripetitivi. In nostro soccorso, però, arriva il teletrasporto, che ci permette di spostarci rapidamente nelle città che abbiamo già visitato. Anche le missioni principali, che per motivi narrativi sono immediatamente tutte disponibili, sono calibrate tutte sullo stesso livello. Di conseguenza, l’ultima che decidiamo di affrontare risulta essere facilmente superabile.

La forza di Octopath Traveler 0, però, rimane la serie infinita di piccole storie che possiamo ascoltare. La maggior parte degli NPC che incontriamo ha una propria backstory che, per chi ha pazienza e voglia, può leggere, anche per creare collegamenti e interazioni. La narrazione centrale viene comunque portata avanti dalle missioni principali. Durante il loro svolgimento assistiamo spesso, certe volte molto spesso, a inserti narrativi che approfondiscono i temi specifici. Diviene un vero e proprio romanzo epico che, però, può spezzare il ritmo dell’azione. Da un lato speriamo che proseguendo nel gioco, la parte narrativa venga leggermente snellita. Allo stesso tempo, sappiamo che la saga si è da sempre contraddistinta per questo aspetto. Una grande epopea fantasy, ulteriormente enfatizzata dall’aspetto grafico. Rispetto ai capitoli precedenti, in queste prime ore di gioco abbiamo notato una funzione narrativa delle luci, maggiormente volumetriche, e delle texture, più morbide. La palette cromatica risulta più drammatica, in accordo con la storia più articolata e matura. Le stesse cut-scene sono più cinematografiche, con movimenti di camera studiati, precisi e attenti. Siamo rimasti quindi stupiti da questo HD-2D in splendida forma, dal maggiore impatto emotivo nonostante la semplicità delle forme base. Una splendida opera grafica che permette di immergersi completamente in questa storia di redenzione e vendetta.

Dopo il lunghissimo gameplay trailer (che potete vedere qui) mostrato qualche tempo fa, le aspettative erano molto alte. Finalmente Octopath Traveler 0 ci ha mostrato le sue prime ore di gioco, facendoci provare in anteprima il prologo e i capitoli 1 della nuova avventura. Ci è parso subito chiaro come Square Enix abbia voluto consolidare gli elementi che hanno reso celebre la saga, offrendo comunque un’esperienza differente. Dal punto di vista del gameplay, infatti, ora possiamo contare su ben 8 membri del party. I quattro in prima linea combattono attivamente mentre gli altri offrono supporto, con la possibilità di cambiare in qualsiasi momento. Il vero punto di svolta, però, è rappresentato proprio dalla narrazione, l’elemento forse più rappresentativo. Stavolta avremo un unico personaggio da interpretare. Dovremo però scegliere le strade da percorrere e cercare compagni lungo il viaggio. Un totale di ben 30 avventurieri, ognuno con la propria back-story, che potrà unirsi alle nostre file e supportarci in combattimento. Non più 8 strade diverse che si intrecciano ma un grande albero che si ramifica in decine di percorsi differenti, tutti da esplorare. Non abbiamo potuto approfondire la trama generale, ma già da questi primi momenti di gioco abbiamo compreso quanto la storia sia più profonda, matura, a tratti anche drammatica, sottolineata da un HD-2D più narrativo, dalle forme morbide, la direzione più cinematografica e una palette di colori attentamente selezionata. Se queste prime ore sono solamente un primo assaggio, Octopath Traveler 0 potrebbe essere l’anello mancante tra l’ambizione narrativa e la nostalgia RPG.

Far rotolare un mondo è un’immagine estremamente poetica. Se poi viene resa con uno stile semplice e diretto, acquista ancora maggiore forza. Con questi presupposti, Once Upon a Katamari ci regala una sensazione unica di caos controllato, di meraviglia infantile e assurdità cosmica. In questa storia, adatta a un pubblico molto piccolo e non solo, non servono armi, missioni epiche o trame drammatiche. Bastano una palla adesiva, un principe dal cuore piccolo ma tenace e un universo da ricostruire un oggetto alla volta. Partendo dalla formula che ha reso celebre la saga, il tutto viene reinterpretato in un racconto che si muove in epoche diverse, in cui ogni capitolo diventa un frammento di fiaba e follia. Non resta altro che lanciarci dentro quest’esperienza che oscilla tra nostalgia e sorpresa.

Once Upon a Katamari: una fiaba che rotola nel tempo

I vecchi episodi della serie di Katamari ci hanno insegnato che non c’è bisogno di una trama lineare per essere affascinanti. In questo nuovo capitolo, l’universo è ancora governato dal Re del Cosmo, accompagnato dal piccolo Principe. Mentre il primo è tanto maestoso quanto vanitoso e sbadato, il nostro eroe ha l’ingrato compito di rimediare a tutti i suoi disastri. In Once Upon a Katamari, però, il disastro è veramente senza precedenti. Il Re, mentre gioca con un’antica pergamena, disintegra il cielo e sparge le stelle in epoche diverse della storia umana. Ovviamente siamo noi a dover porre rimedio a questo ennesimo disastro. Insieme al nostro Katamari, dobbiamo quindi rotolare per la storia dell’umanità e raccogliere letteralmente tutto il cosmo. Viaggiando attraverso l’Era Glaciale, l’Antico Egitto, il Giappone Feudale e altro ancora, dobbiamo porre rimedio ai problemi causati da nostro padre e riportare ordine nel firmamento. La Storia che incontriamo, però, non si basa sul realismo quanto sulla voglia di stupire e divertire. Così ogni epoca diviene il palcoscenico di meraviglie e assurdità, popolato da oggetti anacronistici, animali impossibili e gag cosmiche. Appare così la vera anima del gioco: una fiaba che nasconde al proprio interno una parodia del progresso, portandoci a riflettere sul caos dell’universo e sulla leggerezza necessaria per affrontarlo.

Da questo punto di vista, il titolo rappresenta perfettamente la saga di cui fa parte. Katamari Damacy è diventata nel tempo il simbolo di un certo tipo di videogioco giapponese: bizzarro, artistico, indifferente (o forse al di sopra) ad ogni regola occidentale di coerenza narrativa. Once Upon a Katamari abbraccia pienamente questo spirito e cerca di trasportarlo nell’epoca moderna. Rende omaggio al passato disseminando al proprio interno riferimenti ai capitoli precedenti con personaggi secondari, canzoni reinterpretate, citazioni del Re che solo i fan riconosceranno. Allo stesso tempo, il nuovo tema e la struttura più simile alla fiaba regalano una sottile vena malinconica e una spinta alla riflessione più marcata. Elementi che non vanno in contrasto con lo spirito della serie ma, anzi, le donano più spessore. Il viaggio del Principe diventa quasi una metafora del giocatore stesso, che raccoglie frammenti del passato, cercando di ricomporre un cielo che non esiste più. La leggerezza dell’assurdo sembra quindi sposarsi con la maturità introspettiva, tenute insieme da una tenerezza dei toni e delle espressioni che permette a tutti di vivere questa esperienza. Once Upon a Katamari, dal punto di vista narrativo, può dirsi completo e coinvolgente, regalando momenti di divertimento ai più piccoli e istanti di riflessione ai giocatori di più lunga data.

L’arte del rotolare tra meccaniche e meraviglia visiva

Ovviamente, dopo la narrazione, uno dei punti più importanti del gioco è sicuramente l’estetica e la grafica. Possiamo definirlo in maniera molto semplice: Once Upon a Katamari è un caleidoscopio. I colori esplodono, le forme si deformano, le prospettive sembrano uscite da un sogno febbrile. Il viaggio nel tempo e nelle epoche viene valorizzato e caratterizzato in maniera specifica. Per questo motivo ogni salto temporale porterà a una palette di colori differente, unica per il periodo a cui siamo approdati. Insieme ai colori, potremo immergerci anche in toni e materie differenti, che rendono ogni livello unico. L’oro sabbioso dell’Antico Egitto, i blu ghiacciati dell’Età Glaciale o i neon deliranti del futuro sono solamente alcuni esempi dei mondi che siamo chiamati ad esplorare. Se dal punto di vista della gamma cromatica non possiamo assolutamente lamentarci, allo stesso tempo le forme molto spigolose degli oggetti e dei personaggi potrebbero essere anacronistiche e allontanare giocatori. Anche se la saga si è sempre identificata con uno stile minimalista, il gioco riesce comunque a sorprendere visivamente creando combinazioni differenti di colore, luci e texture. Il risultato finale è la sensazione di trovarsi all’interno di un quadro animato, un sogno interattivo che celebra l’assurdità del mondo invece di nasconderla.

Al centro di Once Upon a Katamari c’è sempre il suo sistema di gioco, semplice ma non per questo meno stimolante. L’obiettivo è quello di spingere il Katamari, una sfera attraente, e raccogliere oggetti sparsi per lo specifico livello. Man mano che raccogliamo oggetti, questi rimarranno attaccati alla sfera, aumentandone le dimensioni, con tutti i pro e i contro del caso. Se infatti una sfera più grande ci permette di raccogliere elementi dalle dimensioni maggiori, rendono però difficile passare attraverso gli spazi e manovrarla con facilità. Ogni epoca storica è una mini mappa che contiene al proprio interno livelli con diverse missioni, in alcuni casi molto stimolanti, in altri molto ripetitive. Comunicazioni improbabili da parte del Re del Cosmo che appaiono in centro allo schermo e una telecamera non del tutto collaborativa, rendono inoltre alcuni momenti molto snervanti. Da questo punto di vista, il gameplay avrebbe bisogno di essere rivisto. In ogni caso, le ambientazioni sono variegate e ricche di personalità. Contribuiscono a dare un senso di movimento al tutto. Ogni epoca introduce regole specifiche: superfici che si sgretolano nell’Era Glaciale, sabbie mobili nell’Antico Egitto, tempeste nel futuro artificiale. Un livello di difficoltà che aumenta gradualmente, rende l’avanzamento nel gioco stimolante ma non impossibile. Ad aiutare il giocatore vi sono alcuni potenziamenti, come magneti, razzi, timer che bloccano il tempo. Piccoli oggetti che possono modificare la strategia per raggiungere lo specifico obiettivo.

Sicuramente non è un gameplay che pretende realismo, ma riesce comunque a toccare delle corde semplici come il piacere puro del movimento e della crescita. Le missioni sono differenti, come raggiungere una specifica grandezza del Katamari nel tempo dato oppure raccogliere il numero o la tipologia di oggetti richiesti. Se all’inizio appaiono divertenti, alla lunga possono essere però ripetitive. In ogni caso, al completamento, il Re del Cosmo ci assegna un punteggio e la nostra sfera viene spedita nel cielo per diventare un pianeta o un satellite dal nome improbabile. Se invece falliamo, il nostro amato padre non manca di ricordarci che, se il gioco non piacerà ai fan, sarà solo colpa nostra. Lungo i vari livelli, inoltre, abbiamo la possibilità di raccogliere anche i nostri cugini, che per un motivo o per un altro si trovano in viaggio nel tempo anche loro. Una volta raccolti, all’interno della nostra navicella temporale, possiamo cambiare il Principe con loro e vivere l’avventura in panni differenti. Qui possiamo anche modificare il nostro stile o la musica di sottofondo. Una piccola aggiunta per dare un tocco di varietà e personalizzazione a tutta l’avventura, senza troppo successo. In ogni caso, Once Upon a Katamari è un gioco che diverte, rilassa e a tratti commuove per la sua ingenua poesia. Un’esperienza sensoriale, una metafora travestita da giocattolo che, nonostante il tempo trascorso dalla sua ultima comparsa, continua a brillare.

Dopo la nuova storia di Keita Takahashi, (leggete le news sull’arrivo di to a T) possiamo goderci anche Once Upon a Katamari. Un ritorno sorprendentemente coerente per una saga che, più di qualsiasi altra, ha sempre celebrato il disordine. Torto o ragione, sceglie di staccarsi dai canoni di realismo dei videogiochi moderni per un’esperienza più onirica e fedele alla saga. La grafica quindi appare spigolosa ma allo stesso tempo regala un caleidoscopio di colori e combinazioni differenti nelle diverse epoche storiche che siamo chiamati ad esplorare. Infatti stavolta il Re del Cosmo l’ha combinata grossa: giocherellando con un’antica pergamena, ha distrutto il cielo e le stelle. Adesso dobbiamo viaggiare nel tempo e nello spazio per andare a recuperare vari oggetti e ricostruire la Terra e l’universo. Con noi abbiamo sempre il Katamari, una sfera da far rotolare che attrae a sé ciò che incontra. Un gameplay così semplice viene applicato a diverse missioni nelle varie mappe del gioco che divertono nel breve periodo ma rischiano di annoiare alla lunga. Se aggiungiamo anche una visione di gioco non sempre di supporto, sicuramente di cose da sistemare ve ne sono ancora. L’anima della saga, però, c’è tutta e brilla della sua unicità. Dedicato a tutti coloro che cercano qualcosa di diverso anche se non perfetto, per perdersi nella semplicità di una sfera che rotola, riuscendo a ricostruire un intero universo.

Quando si cerca qualcosa che mescoli insieme violenza, ironia dissacrante, colori, battute fuori di testa e un arsenale di armi talmente smisurato da sembrare infinito, la mente va subito alla famosa saga di Borderlands. Innegabile però affermare che il famoso franchise ideato da Gearbox, abbia perso smalto nel corso degli anni. Una saga che ha fatto scuola nel settore dei looter-shooter ma che da qualche tempo ha anche iniziato a mostrare la ruggine. I tanti fan sparsi per il globo aspettavano da tempo un capitolo che potesse riportarli ai fasti del primo e secondo atto, mettendo allo stesso tempo nel dimenticatoio il terzo, tanto atteso quanto criticato. Per questo motivo la casa di produzione ha ascoltato con attenzione i desideri del pubblico, che richiedevano una narrativa più matura, un gameplay rinnovato e, soprattutto, un comparto tecnico che stesse al passo con i tempi. Borderlands 4 arriva su PC, PlayStation 5, Xbox Serie X|S e Nintendo Switch 2 con questa grande responsabilità. Noi non vediamo l’ora di scoprire quale sarà il prossimo viaggio della saga dei Cacciatori della Cripta.

Borderlands 4: c’era una volta un pianeta lontano lontano

Questa volta la trama di Borderlands 4 ci porta lontano dai confini di Pandora. I Cacciatori della Cripta saranno chiamati a prendere parte a un conflitto intergalattico su un mondo totalmente nuovo: Kairos. Il pianeta è rimasto nascosto alla vista dell’universo per molto tempo, sotto la protezione (o la tirannia) del terribile CronoCustode. Questo nuovo villain è una figura dalle molte sfaccettature. Si tratta di un predicatore interstellare che mescola fanatismo religioso e culto delle armi, trascinando dietro di sé orde di seguaci pronti a morire per lui. È un personaggio carismatico, a tratti inquietante, che finalmente restituisce peso alla trama principale. Ovviamente possiede anche terribili poteri da cui dovremo guardarci con attenzione. Come sempre saremo chiamati a interpretare uno dei quattro nuovi personaggi che hanno avuto la sventura di cadere sotto le sue grinfie e che ne sono scappati non senza perdere qualcosa. Una volta liberi, però, possiamo finalmente lanciarci in questo nuovo mondo, ribellandoci al potere e cercando di accaparrarci quanti più tesori possibili. Il tutto all’interno di una campagna che punta molto di più sull’epicità rispetto ai capitoli precedenti, senza perdere l’irriverenza e la comicità che hanno contraddistinto la saga.

Questa nuova narrazione, infatti, inserisce diverse sequenze a forte impatto cinematografico. Le cutscene appaiono più curate e i dialoghi risultano meno dispersivi. Si percepisce forte il desiderio di trovare il giusto equilibrio tra la follia di Borderlands e una tensione drammatica più solida. Obiettivo non sempre raggiunto ma ben visibile ogni volta che procediamo nella trama principale. Alcuni colpi di scena, però, appaiono prevedibili ma funzionano comunque bene e ci accompagnano all’interno della storia. Di supporto abbiamo anche dei grandi ritorni, uno fra tutti Claptrap, il simpatico robot ancora più folle, ma anche nuovi personaggi molto carismatici. Sicuramente un bel passo avanti rispetto al poco soddisfacente terzo capitolo e i successivi spin-off. Avventure che avevano poco a che fare con la direzione artistica originale e solida dei primi due titoli, che sconvolsero e divertirono i videogiocatori dell’epoca. Un mix di narrazione e comicità che in Borderlands 3 si era perso, colpa anche di villain poco incisivi, battute forzate e una narrazione che oscillava tra il grottesco e l’inconsistente. Con Borderlands 4, Gearbox sembra aver decisamente corretto il tiro. Qui dentro vediamo affrontare le tematiche del potere, della fede e della manipolazione di massa, anche se non sempre centrate. In ogni caso, nonostante qualche passo falso in termini di ritmo, il gioco riesce ad essere di nuovo coinvolgente e strutturato. Anche se non perfetta, la trama sembra dare una direzione chiara al futuro della saga.

È ora di tornare in azione

Uno dei pilastri, e forse il vero cuore pulsante di ogni titolo della saga, è sempre stato il suo gameplay. In questo, Borderlands 4 non fa eccezione. Ci troviamo nuovamente di fronte alla solita formula base: spara, distruggi, saccheggia, accumula armi e tesori e ricomincia. Da questo punto di vista, quindi nessuna novità però il tutto è stato ricalibrato in maniera oculata. Gearbox ha introdotto una serie di modifiche per rendere l’esperienza più fresca e appagante. Uno fra tutti il sistema di loot. Adesso appare più bilanciato, permettendoci di trovare meno “spazzatura” inutile e più armi davvero interessanti. In ogni caso, perderemo ancora diverso tempo a selezionare le armi migliori da tenere e quelle invece da vendere, per non parlare di quelle che saremo costretti ad abbandonare a causa di poco spazio nello zaino. Oltre a questo, anche le abilità di classe sono state riviste. Adesso abbiamo maggiore varietà per creare delle build molto più differenziate, così da effetturare una vera specializzazione. Una costruzione che fa la differenza sia durante i co-op in locale, con lo schermo diviso, che nel multiplayer online fino a 4 giocatori. In questo modo possiamo creare gruppi di distruzione ben bilanciati, pronti a saccheggiare tutto Kairos. Insomma, il gameplay resta solido, caotico e divertente, con il giusto mix di vecchio e nuovo.

Tra le vere sorprese presenti in Borderlands 4, c’è sicuramente il suo mondo di gioco. La decisione di ambientare questa nuova avventura in un differente pianeta, rappresentata sicuramente un segno di netta rottura con il passato. Una delle critiche avanzate ai capitoli precedenti, è stata la massiccia presenza di ambienti desertici che, alla lunga, risultavano monotoni. Su Kairos ci troviamo di fronte a un mondo completamente differente: vasti prati pianeggianti, floride colline ondulate e fitte foreste aliene. Non mancano inoltre ambienti più industrializzati e futuristici, come basi sotto il controllo del CronoCustode o metropoli cyberpunk ricche di luci al neon. È evidente la varietà stilistica, valorizzata anche da un buon level design che favorisce l’esplorazione verticale. A disposizione abbiamo un rampino che possiamo utilizzare non soltanto per raggiungere luoghi elevati ma anche per raccogliere oggetti da poter lanciare verso gli avversari. Gli spostamenti sono più veloci grazie ai nuovi mezzi di trasporto, del tutto personalizzabili e alla possibilità di teletrasportarsi da una base della resistenza a un’altra. Le diverse missioni secondarie presenti sul terreno, però, a volte risultano ripetitive e poco stimolanti. Il mondo appare comunque vivo: ci sono alcuni NPC che reagiscono agli eventi, fazioni che combattono tra loro anche senza l’intervento del giocatore, ambienti che cambiano in base alla progressione narrativa. Non siamo ancora ai livelli di un open world dinamico come altri titoli moderni, ma Borderlands 4 compie un passo deciso in quella direzione.

Cacciatori di Cripte, cultisti e pazzi psicopatici

Ovviamente non poteva mancare una sezione dedicata ai nuovi eroi di questa grande avventura. Quattro nuovi Cacciatori della Cripta fanno il loro ingresso in Borderlands 4, mantenendo un forte legame con il passato ma con psicologie e background differenti. La nuova Sirena si chiama Vex ed è caratterizzata da un’infanzia difficile, soprattutto nel tentativo di ottenere i suoi poteri. Una ragazza cinica e sarcastica che nasconde attentamente il suo lato più sensibile. Amon è il ragazzone del gruppo. È l’unico sopravvissuto all’apertura di una Cripta durante la quale un terribile mostro ha divorato tutti i membri del culto di cui faceva parte. La sua unica missione è distruggere quante più bestie possibili. A seguire troviamo Rafa, l’eco-soldato cresciuto in microgravità. Il risultato è che non può fare altro che vivere all’interno della sua eco-tuta. Il suo passato lo ha reso una macchina per uccidere, oltre che totalmente fuori di testa. Per concludere abbiamo Harlowe, un’ex scienziata spinta dal desiderio di comprendere come funziona ogni genere di marchingegno. Il suo intelletto è la sua vera arma, che utilizza con piacere per trovare sempre nuovi modi tecnologici di distruggere. Ognuno di questi personaggi ha un background narrativo più articolato e profondo, che viene valorizzato anche da alcune missioni personali che ne approfondiscono motivazioni e conflitti. Il tutto viene accompagnato dai commenti specifici che ognuno di loro esprime durante il gameplay, rendendoli ancora più vivi.

Accanto a loro vedremo sfilare nuovi personaggi secondari, pronti a fornirci supporto o ad ostacolarci a seconda della tipologia di incontro. Non mancheranno inoltre graditi ritorni che, inseriti in ruoli chiave, mantengono forte il legame con il passato, strizzando l’occhio ai videogiocatori di lunga data. In ogni caso, Borderlands 4 riesce a proporre personaggi interessanti, con un design definito e accattivante. Tutti sono arricchiti con mosse e caratteristiche uniche che li contraddistinguono sul campo di battaglia. Di avversari ce ne sono a bizzeffe e tenteranno in tutti i modi di distruggerci nel modo più truculento possibile. Innanzitutto, nuovo mondo significa nuove creature. Alcune ispirate fortemente al passato, altre invece totalmente nuove per raccontare dal punto di vista faunistico Kairos. Non mancano le classiche orde di pazzi psicopatici, rinnovati per l’occasione con nuove armi e modi per uccidere. Infine sono presenti le varie fazioni inedite che rispecchiano il culto che gira intorno al CronoCustode. Armati con attrezzatura hi-tech, non sono semplicemente carne da cannone ma hanno stili di combattimento più vari e organizzati, rendendo gli scontri meno prevedibili. Certamente si nota un passo avanti deciso nella caratterizzazione, anche se rimane ancora fortemente legata all’azione piuttosto che alla profondità psicologica. Le missioni principali alternano sparatorie frenetiche a momenti di esplorazione, con boss fight particolarmente curate. Diversi mostri non sono più soltanto giganteschi sacchi di punti vita, ma hanno pattern più complessi, attacchi unici e fasi che costringono il giocatore a cambiare approccio. Alcune battaglie sono memorabili, degne di rientrare nella top ten della saga.

Al livello di grafica, Borderlands 4 rimane fedele al suo iconico cel-shading, portandolo però a un livello superiore. Possiamo infatti ammirare texture più dettagliate, valorizzate da un’illuminazione dinamica che crea atmosfere suggestive. Gli effetti particellari, inoltre, durante le sparatorie rendono ogni scontro un tibruto alla saga: esplosioni di caos e colori, come tutti quanti ci aspettiamo da un degno erede della saga looter-shooter più folle. A chiudere il pacchetto, abbiamo una colonna sonora decisamente rock. Brani duri che enfatizzano i momenti più concitanti, favorendo l’immedesimazione, facendoci perdere dentro questo nuovo mondo. In conclusione, dal punto di vista artistico, Borderlands 4 resta unico. Nessun’altra saga ha saputo mantenere un’identità così riconoscibile, tra ironia, stile visivo e atmosfera folle. Nonostante questo, il titolo non rivoluziona davvero il genere. Lasciamo a voi stabilire se sia un bene o un male. Quel che è certo è che innova quanto basta senza segnare una vera rivoluzione. Un capitolo che dimostra una crescita rispetto al terzo, sistemando alcune criticità ma lasciandone altre aperte. È un passo avanti, forse non un salto epocale, ma abbastanza per riportare entusiasmo tra i fan (che sembrano aver gradito il ritorno) e aprire la porta a una nuova epoca nel mondo di Borderlands.

Dopo anni di attesa, Borderlands 4 è finalmente realtà. Ci si domanda però se il titolo possa risollevare la saga dopo le ultime uscite poco soddisfacenti per i molti fan. Gearbox dimostra di aver ascoltato le lamentele e di aver cercato di sopperire ai diversi problemi sorti in passato. Innanzitutto una trama più articolata, strutturalmente complessa e profonda. Elemento che si riscontra anche nei nuovi cacciatori, più psicologicamente approfonditi. Il risultato non è sicuramente impeccabile ma dimostra di saper rispettare comunque l’ironia e la follia che hanno caratterizzato la serie, il tutto condito con una buona dose di azione e violenza. L’unione tra vecchio e nuovo si rispecchia anche nel cambio di location: Kairos è un pianeta totalmente diverso da Pandora, immerso nel verde ma che garantisce anche una buona varietà di ambienti, con basi militari e città futuristiche. Anche gli avversari possono contare su questa formula. I nostri amati psicopatici ritornano con un look rinnovato e a questi si unisce una fauna nuova. Dovremo poi fare attenzione al CronoCustode, un tiranno a capo di una setta a metà tra il religioso e il militare. Questa nuova avventura riesce a soddisfare anche in multiplayer, grazie a una gestione dei talenti più oculata che permette una maggiore personalizzazione e quindi la formazione di team più completi. L’iconica grafica cel-shading permane ma viene raffinata e migliorata, per una maggiore sensazione di realismo. Purtroppo le missioni secondari rimangono ancora ripetitive in alcuni casi. Borderlands 4 non è certamente perfetto ma segna un deciso cambio di passo nella storia della folle saga shooter. Non ci resta che attendere le future uscite per scoprire se Gearbox riuscirà a mantenere la rotta!

Per chi vuole fare un salto nel mondo dell’intrattenimento anni ’80, Space Adventure Cobra The Awakening è il gioco che fa per lui. Uscito per PC, PlayStation 5, Nintendo Switch, Xbox Serie X|S, questo videogioco è il primo adattamento dell’epoca moderna della saga di Cobra. Sviluppato da Magic Pockets e pubblicato da Microids, ci permette di godere di un platform unito con sequenze animate tratte direttamente dall’anime originale. Space Adventure Cobra The Awakening vuole affermarsi come un nostalgico viaggio audiovisivo che mescola estetica retrò, umorismo scanzonato e tutto il carisma che ha reso celebre il pirata galattico. Sarà sufficiente per fare breccia nel cuore dei videogiocatori?

Space Adventure Cobra The Awakening: vecchio anime nuovo game

La saga di Cobra ha delle origini che risalgono a più di cinquant’anni fa. Come spesso accade, tutto nasce da un manga, nello specifico quello ideato da Buichi Terasawa, che presto diviene un anime. La serie animata diviene subito un cult negli anni ’80, grazie alla capacità di mescolare un’opera spaziale (che in qualche modo ricorda Capitan Harlock) a un umorismo irriverente e leggero. Al centro di tutto c’è il nostro Cobra, un avventuriero galattico dotato di abilità sovrumane, uno sguardo da duro e un lato ironico irresistibile. Un pirata buono che, insieme ai suoi compagni che tornano anche nel gioco, ruba agli altri criminali interstellari. La sua attività non viene vista di buon occhio dalla Gilda dei Pirati che cerca continuamente di catturarlo.  Dopo un colpo fallito, però, Cobra decide di cambiare vita. Si cancella la memoria e cambia aspetto, riuscendo a stare lontano dai riflettori per ben 5 anni. Qualcosa però sta per cambiare e presto il nostro eroe dovrà tornare in azione. Space Adventure Cobra The Awakening prende questi antefatti e decide di trasportare digitalmente i primi dodici episodi della serie, l’arco narrativo conosciuto come The Ultimate Weapon.

Entriamo nel vivo dell’azione quando, grazie all’utilizzo di una macchina per i sogni e all’arrivo di una vecchia conoscenza, il nostro eroe galattico riacquista parte dei suoi ricordi e ricomincia a fare ciò che gli riesce meglio. Certamente è più debole ma durante questo viaggio avrà l’occasione di recuperare memoria e capacità. Il tutto viene raccontato e giocato dividendo l’avventura in capitoli e facendo aprire e chiudere ciascuno di essi con delle sequenze molto lunghe tratte proprio dall’anime. Forse sarebbe stato il caso di curare meglio questi inserti, magari facendo un piccolo restyling, ma per gli amanti del vintage si tratta certamente di un piacevole elemento che rafforza la fedeltà all’opera originale. In ogni caso traspare fortemente l’irriverenza e il carisma di Cobra, con dialoghi spiritosi e taglienti che rivelano il suo essere impavido e un po’ sopra le righe. Il risultato è una capsula del tempo che oggi viene aperta dopo mezzo secolo, pronta a farci vivere un’avventura di altri tempi. La scelta infine di trattare solo una porzione dell’opera completa, che si compone di 31 episodi, ci fa ben sperare in un prossimo sequel.

Cobra in azione tra Psy-Gun e sigari esplosivi

Space Adventure Cobra The Awakening è un platform 2D che risente molto del genere metroidvania senza però poter essere categorizzato come tale. Un po’ come avevamo già visto in Shinobi Art of Vengeance (qui trovi la nostra recensione). Il gioco infatti viene suddiviso in capitoli e sottocapitoli, che a loro volta vengono sezionati in quadri a scorrimento. La storia che siamo chiamati a vivere si compone di molti ambienti differenti, come treni futuristici, metropoli spaziali, basi sotterranee, templi dimenticati e molto altro ancora. Ognuno di questi, così come i personaggi che li popolano, sono realizzati con estrema cura per riprodurre l’estetica vintage originale ma con un tocco di modernità. Grande importanza viene data agli sfondi che hanno una profondità studiata e attenta in cui si possono muovere avversari e di conseguenza attaccarci. In ogni mondo non mancano poi sezioni segrete da poter esplorare solo quando si è tornati in possesso di vecchie abilità dimenticate. Potremo così raggiungere altri frammenti e diventare ancora più forti. Come detto, le sezioni non sono interconnesse, permettendoci di visitarle a nostro piacimento molto velocemente. Si sente però la mancanza di una mappa che possa aiutare ad orientarci all’interno di questo vasto mondo.

Tutto il sistema di combattimento ruota principalmente intorno alla nostra Psy-Gun. Cobra non ha l’arto sinistro ma al suo posto può contare su questa arma impiantata direttamente all’avambraccio. Un piccolo cannone dalle molteplici funzioni. Si tratta di un’arma iconica della saga anime che ci permette di sparare singoli colpi oppure un colpo caricato che distrugge pareti fragili. La funzione più utile e divertente, però, è sicuramente il Colpo Guidato. Un proiettile speciale che, quando lanciato, ferma il tempo e ci richiede di disegnare la traiettoria, anche curva, che dovrà compiere. Una funzione fondamentale per colpire obiettivi difficili da raggiungere in linea retta ma anche per distruggere nemici multipli. A questo si aggiungono i colpi della nostra Colt Python 77, principalmente per distruggere scudi, e gli attacchi corpo a corpo, superflui se non per infrangere barriere energetiche. Infine possiamo contare su un rampino per raggiungere le zone più difficili e il nostro iconico sigaro che all’occorrenza può divenire multifunzione. Possiamo infatti lanciarlo come una granata o usarlo per respirare sott’acqua. Tutte abilità che verranno conosciute nel primo capitolo ma poi dimenticate e recuperate man mano che riacquistiamo la memoria.

Gli elementi di attacco rendono il gameplay molto variegato e dinamico. Peccato che la disposizione dei comandi non sia così intuitiva e che sia necessario giocare un bel po’ per prendere praticità con tutte le funzioni. Non il massimo per un videogioco che, in alcune sezioni, richiede di eseguire sequenze di comandi precise. Se a questo si aggiunge una progressione un po’ lenta in alcune sezioni del gioco, ci rendiamo conto che forse si sarebbe dovuto prestare maggiore attenzione a questo aspetto decisamente importante. Dall’altra parte abbiamo un insieme di nemici molto variegato. Le boss fight, in particolare, richiedono attacchi dinamici, una buona dose di riflessi e un uso strategico delle armi. Affascinante anche la possibilità di esplorare la nave “Turtle” come gallery multimediale, che enfatizza la vena nostalgica del gioco. Infine Space Adventure Cobra The Awakening include una modalità cooperativa per due giocatori. Un buon incentivo alla rigiocabilità, che ci dona inoltre la possibilità di condividere questa avventura di un tempo passato, ma che possiede tutte le caratteristiche per affascinare il pubblico moderno.

Space Adventure Cobra The Awakening è un adattamento che celebra il passato e lo ripesca con stile, offrendo un’esperienza fresca pur restando profondamente radicata nel suo DNA anni ’80. Tutto ruota intorno a Cobra, un pirata buono, che torna in attività ma deve recuperare prima la memoria. Potrà comunque contare sulla sua Psy-Gun, un fucile impiantato nel braccio e dalle molte funzioni, insieme a tanti altri gadget ed armi. La scelta di riprodurre fedelmente i primi dodici episodi, mantenendo il tono pulp e la grafica retrò delle clip anime, crea un ponte con vecchi fan e nuovi giocatori. Il gameplay è dinamico e appagante anche se i comandi risultano poco intuitivi e alcuni punti del gioco troppo lenti. Vi sono comunque ottimi elementi di rigiocabilità, come ad esempio la modalità co-op o la ricerca di segreti. In sintesi, Space Adventure Cobra The Awakening è un’esperienza avventurosa e stilisticamente evocativa che brilla soprattutto per passione e atmosfera. Se cercate una celebrazione nostalgica, giocabile e ricca di carattere, questo titolo merita l’attenzione. Non eccelle in perfezione tecnica ma conquista con il cuore.

Da tempo il mercato videoludico ci ha abituato a grandi ritorni dal passato. Reboot, remake e ritorni di prodotti iconici che hanno fatto la storia del settore, con risultati altalenanti. Questo nuovo reboot, però, non sembra avere nulla da invidiare alla sua controparte storica, portandoci nuovamente in un Giappone mistico e violento. Shinobi Art of Vengeance prende infatti l’omonima saga che ha rappresentato una delle avventure più amate dai videogiocatori e la trasforma, con una veste grafica rinnovata ma tenendo intatta la sua natura originale. Qui dentro troviamo ambientazioni urbane, atmosfere notturne, combattimenti rapidi e letali: tutti gli elementi per preannunciare un grande successo. La promessa è chiara: riportare i giocatori nell’ombra del ninja.

Shinobi Art of Vengeance: la strada del guerriero

SEGA lancia la serie Shinobi nel 1987, diventando immediatamente un simbolo per quello che era il genere dei videogiochi d’azione a scorrimento laterale. Il suo carismatico e silenzioso protagonista, Joe Musashi, entra nel cuore di tanti videogiocatori grazie alla velocità di azione e alla sua abilità nel padroneggiare katana e shuriken. Per questi motivi, diversi furono poi i seguiti, cambiando forma ma mantenendo intatto lo stile. Partendo dal classico stile arcade delle origini è approdato poi alle console casalinghe, mantenendo sempre al centro il fascino delle ombre e il dualismo fra onore e vendetta. Grande valore venne dato alle sue atmosfere cupe e alle colonne sonore ipnotiche che, insieme al gameplay sfidante e stimolante, hanno contribuito al costruire l’idea del ninja che abbiamo tutti noi oggi. Era inevitabile quindi, che SEGA pensasse di rilanciare nuovamente il brand. L’idea è semplice: costruire un nuovo capitolo che possa valorizzare l’identità forte del passato, rielaborando i punti cardine della saga, contestualizzandoli in un mondo narrativo più ampio e complesso. L’ombra del ninja rimane protagonista ma viene inserita in un contesto che unisce la tradizione culturale alla modernità.

In Shinobi Art of Vengeance vestiamo nuovamente i panni del nostro ninja preferito, impegnato a fronteggiare una minaccia senza eguali. Lord Ruse, a capo dell’organizzazione paramilitare ENE Corp., è intenzionato a governare il mondo. È anche però consapevole che solo un gruppo può ostacolare i suoi piani di dominio: gli Oboro, il nostro clan. Per questo motivo rade al suo il nostro dojo, il villaggio che lo ospita e trasforma in pietra tutti gli abitanti, comprese le persone a noi più care. A Joe non rimane altro che partire per fermare Lord Ruse. Un viaggio che lo porterà a combattere in villaggi tradizionali giapponesi, basi nemiche sommerse, deserti, laboratori, metropoli futuristiche e molto altro ancora. Un lungo percorso durante il quale dovremo raccogliere più poteri e tecniche possibili, così da divenire sufficientemente forti da sconfiggere Ruse. Perché il comandante non è solo un militare ma nasconde un potere terribile che gli permette di avere ai suoi ordini mostri tradizionali della cultura nipponica, terribili soldati addestrati e creature geneticamente modificate. All’interno di questa trama si percepisce forte il confine labile che scorre tra vendetta e giustizia. Rispetto ai capitoli storici, la narrazione assume un peso maggiore, con cutscene curate e dialoghi che approfondiscono il carattere dei protagonisti. Forse però avrebbe necessitato di un maggiore approfondimento, per arricchirlo ancora di più.

Scegli un ninjutsu e salva il mondo

Tutta l’avventura di Shinobi Art of Vengeance è suddivisa in zone da completare lungo una mappa più vasta. Strutturato come un platform a scorrimento orizzontale, la verticalità assume comunque un ruolo fondamentale, così da permetterci di sfruttare le capacità e l’agilità di Joe al massimo. Ogni ambientazione viene poi suddivisa in sezioni più piccole, senza però raggiungere la frammentazione che siamo abituati a vedere nei classici metroidvania. Non mancano inoltre aree segrete dove raggiungere tesori nascosti, poteri e capacità aggiuntive o scontrarci con mostri più potenti. Ci muoviamo tra quartieri degradati di metropoli futuristiche, antichi templi nascosti nelle montagne e basi segrete sotterranee, ciascuna con un design che invoglia l’esplorazione. Non si tratta di semplici scenari di passaggio. Le ambientazioni diventano parte integrante del gameplay, con trappole, passaggi segreti e sezioni che richiedono riflessi e pianificazione. Arrivati a un certo livello di potenza, diventa quasi più divertente e stimolante superare le sfide segrete. Qui possiamo utilizzare al meglio la nostra velocità e riflessi, piuttosto che procedere negli scontri che la narrazione ci offre. Questo perché il livello di difficoltà non è ben calibrato. Se infatti ci prendiamo del tempo per sbloccare con pazienza tutti i power up, alcuni scontri risulteranno troppo facili e la progressione diventerà molto semplificata.

Nonostante questo, gli avversari che si pareranno di fronte al nostro cammino sono divertenti da affrontare e variegati. Ruse, dopotutto, è il folle comandante di un’organizzazione paramilitare ma anche un cattivone dotato di poteri soprannaturali. Questo vuol dire che troveremo militari addestrati in grado di spararci dalla lunga distanza o soldati armati di pistole e bombe a mano. Accanto a loro ci saranno però mostri della tradizione folkloristica giapponese. Esseri come demoni colossali con spade e mazze, arcieri mostruosi che faranno piovere fulmini dal cielo, spiriti acquatici e molto altro ancora. I boss meritano una menzione speciale: ognuno di essi non solo rappresenta una sfida tecnica, ma è anche un simbolo della narrativa del gioco. Combattere contro un rivale che conosce le stesse tecniche del protagonista o affrontare colossi meccanici legati alla corporazione nemica significa vivere un duello che unisce spettacolarità e significato. Oltre a richiedere una buona dose di strategia per comprenderne i pattern di combattimento. Ad aiutarci nel completare la nostra vendetta o cercare giustizia, avremo fin da subito dei checkpoint. Qui il gioco verrà salvato ma li potremo utilizzare anche come teletrasporto per muoverci velocemente all’interno delle ampie mappe. Non mancheranno poi i negozi dove poter acquistare nuove mosse, abiti e power up generali.

Il cuore di Shinobi Art of Vengeance rimane comunque il suo sistema di combattimento. Il gameplay riprende i cardini storici della saga e li reinterpreta con un approccio moderno. Oltre a combattere con la katana e lanciare shuriken, potremo fare affidamento su molte tecniche ninja. Innanzitutto possiamo utilizzare mosse Ninbi che ci permetteranno di scattare, arrampicarci, distruggere pareti danneggiate e molto altro ancora. Sconfiggendo gli avversari, inoltre, caricheremo le nostre tecniche Ninpo. Si tratta di diverse mosse speciali associabili a quattro tasti differenti, con le quali soffiare fuoco o lanciare uno shuriken gigante, ad esempio. La vera potenza viene però scaturita raccogliendo sfere per il caricamento dei Ninjutsu, tecniche devastanti che avranno effetto su tutta la schermata e che evocano spiriti giapponesi. Vedere due dragoni infuocati scatenarsi o uno spirito dell’acqua venire in nostro aiuto per curarci, sono esperienze che fanno percepire fisicamente la potenza del nostro caro Joe Musashi. Una potenza che ci permetterà di finire il nostro avversario con un solo colpo se riusciremo a riempire la barra specifica. Solo allora potremo trafiggerlo crudelmente con la nostra spada. Un insieme di possibilità che ci permette di sbizzarrirci con combo e strategie di attacco. In questo senso, Shinobi Art of Vengeance riesce a combinare l’immediatezza arcade delle origini con una stratificazione moderna, offrendo un gameplay che non si esaurisce dopo poche ore ma che stimola la costante ricerca di perfezione.

Shinobi Art of Vengeance è molto più di un semplice ritorno: è la dimostrazione che una saga nata quasi quarant’anni fa può ancora avere voce nel panorama videoludico moderno. Il titolo riesce a bilanciare in modo sorprendente la fedeltà alle sue radici con una serie di innovazioni che ne rinfrescano la formula senza snaturarla. L’atmosfera cupa e suggestiva, il combat-system frenetico ma tecnico e la varietà dei livelli sono un mix armonioso. Restituiscono al giocatore la sensazione di vestire i panni di un ninja letale, pronto a muoversi nell’ombra e affrontare sfide sempre più ardue. Inoltre è già disponibile un DLC celebrativo (qui trovate tutte le info). La trama, pur non raggiungendo livelli cinematografici, offre un intreccio interessante, con colpi di scena e personaggi memorabili che danno spessore al viaggio del protagonista. Sul piano tecnico il gioco si comporta bene, anche se il livello di difficoltà, in certi momenti, appare poco equilibrato. Sono dettagli che non rovinano l’esperienza complessiva, ma che testimoniano come ci sia ancora margine di miglioramento. In definitiva, Shinobi Art of Vengeance è un titolo che sa conquistare i fan storici, riportandoli indietro nel tempo. Riesce però ad affascinare anche i nuovi giocatori, offrendo loro un assaggio della magia che rese grande il nome di Shinobi. Non è perfetto, ma rappresenta un passo importante per la rinascita del franchise.

Dopo anni di assenza dai riflettori videoludici, il mondo di Hunter X Hunter torna a far parlare di sé, pronto a stupire e soddisfare i tanti fan sparsi per il globo. Hunter X Hunter Nen X Impact vuole rendere omaggio al divertente e carismatico mondo ideato da Yoshihiro Togashi all’interno del classico genere dei picchiaduro. Sviluppato da Bushiroad e ambientato nel mondo del manga, il gioco vuole mettere al centro il sistema di poteri che ha caratterizzato la storia originale. Non una semplice passarella di volti noti, ma un sistema di combattimento più strategico basato proprio sul Nen. Hunter X Hunter Nen X Impact tenta così di ritagliarsi un posto tra i migliori fighting game su licenza anime. Riuscirà davvero a coniugare fedeltà e giocabilità?

Hunter X Hunter Nen X Impact: un mondo da riscoprire

Hunter X Hunter, il manga da cui è tratto il videogioco, venne pubblicato per la prima volta sulle pagine di Weekly Shōnen Jump. Fin dalle sue battute iniziali, la storia riuscì immediatamente a colpire i lettori grazie a una narrazione che voleva distaccarsi dalle storie considerate classiche del periodo, pur mantenendo una certa coerenza stilistica. Le premesse erano piuttosto semplici: Gon, un giovane alla ricerca del padre, decide di diventare Hunter ma per farlo deve prima sostenere un esame. Inizia così ad incontrare amici che lo accompagneranno in questo viaggio e avversari che tenteranno di ostacolarlo in tutti i modi. Sotto l’apparente struttura semplice e scontata, però, Hunter X Hunter riesce ad inserire numerosi sottotesti, mutamenti tonali e riflessioni esistenziali. Togashi affronta tematiche complesse e articolate come le relazioni umane, il prezzo del potere e il confine labile tra bene e male. A rendere il tutto ancora più affascinante è il sistema del Nen: una forma di energia interiore che, a differenza dei poteri “magici” di altri manga, funziona con una logica quasi scientifica e richiede strategie, regole, condizioni e un’intuizione costante per essere padroneggiata. È stato proprio questo elemento a rendere unico e originale il viaggio di Gon e dei compagni, oltre a rappresentare il principale ostacolo a ogni trasposizione videoludica di Hunter X Hunter.

Forse proprio per questo motivo non sono molti di videogiochi rilasciati sul mercato e ancora meno quelli che hanno veramente soddisfatto i fan del manga. Nei primi anni Duemila sono usciti diversi titoli per console come Game Boy Color, PlayStation e PlayStation 2, ma la maggior parte erano giochi di ruolo o avventure interattive, spesso con dialoghi statici e combattimenti elementari, rivolti quasi esclusivamente al pubblico giapponese. Quasi tutti si sono limitati a trasporre digitalmente un’opera nata su carta e poi adattata per l’anime, senza coglierne la profondità. Ciò che forse mancava era proprio una profonda conoscenza dei pilastri narrativi e della loro evoluzione. Trasformandosi in copie sbiadite e superficiali di una storia molto più complessa e profonda. Il grande assente, inoltre, è sempre stato un titolo picchiaduro, capace di rendere la tensione tattica degli scontri e la varietà degli stili di Nen in tempo reale. Un fatto sorprendente, considerando che, solitamente, è quello che viene privilegiato da questo tipo di trasposizioni videoludiche. Infine, le comparsate minori di Gon ed altri personaggi in altri titoli, come ad esempio Jump Force, non hanno fatto altro che aumentare la frustrazione dei fan, in attesa di un titolo che valorizzasse l’universo narrativo e non lo trattasse semplicemente come brand. Oggi finalmente arriva Hunter X Hunter Nen X Impact che sceglie consapevolmente la strada del combattimento tecnico, desideroso di mostrare che è possibile combinare scontri competitivi e fedeltà al materiale originale.

Tecnico, fedele e soddisfacente

Un picchiaduro non poteva fare altro che basare la sua esperienza di gioco sul sistema di combattimento. Hunter X Hunter Nen x Impact cerca di coniugare l’approccio semplice e diretto del genere con le meccaniche di scontro più complesse del manga. Ogni personaggio è costruito attorno al proprio stile di Nen, con meccaniche e strategie coerenti con la loro rappresentazione originale nel manga. Non soltanto la rappresentazione degli attacchi dei diversi personaggi ma una vera costruzione del combattente, e del conseguente scontro, basata sulle caratteristiche specifiche. Gon, ad esempio, spicca per il suo approccio emotivo alla battaglia, con attacchi diretti e una pressione continua sull’avversario. Completamente all’opposto, Hisoka combatte basandosi su inganni e trappole, sfruttando al meglio la sua gomma da masticare. Questi sono solamente due esempi, ma rappresentano perfettamente il fighting system profondo, dove ogni scelta, dalla comprensione delle abilità speciali all’uso delle tecniche di potenziamento, ha un impatto significativo sull’esito della sfida. L’uso del Nen, quindi, non diventa un mero orpello decorativo, un rimando estetico a un mondo più ampio ma un vero e proprio elemento deciso per il raggiungimento della vittoria. Questa fedeltà al materiale originale, unita a un bilanciamento generalmente riuscito, rende Hunter X Hunter Nen x Impact una delle esperienze di combattimento più autentiche e tecniche tra i giochi anime-based. Il tutto viene realizzato perfettamente con una grafica cel shading che, dandoci comunque la sensazione di un ambiente tridimensionale, rispetta perfettamente i disegni originali del manga e dell’anime.

Intorno a questi concetti fondamentali, viene poi costruita una struttura variegata, con diverse possibilità. In Hunter X Hunter Nen X Impact potremo ovviamente contare su una modalità Free Battle in cui scontrarci contro alcuni dei personaggi principali della storia. Al momento sono disponibili 16 combattenti (scopriteli tutti qui), tra cui ovviamente Gon, Leorio, Killua, Kurapika ma anche tanti antagonisti come Hisoka, Meruem, Feitan e molti altri. Accanto a questa, vi è anche la modalità Story, dove ripercorrere tutti gli eventi e gli scontri principali del manga. Ogni scontro è corredato da alcune cut-scene statiche che ci trasportano dentro l’anime. La particolarità è che i singoli combattimenti, a volte vengono spezzati in più parti per raccontare in maniera più approfondita come si sono evoluti all’interno della storia originale. Ogni scontro ci richiederà di eseguire alcune piccole missioni che daranno come premio immagini profilo, carte e molto altro. Altra componente fondamentale è la modalità Single Player, in cui selezionare tre personaggi e affrontare la scalata al successo. Alla base del gioco vi è il tag team system, ma con soli 16 personaggi il roster risulta inizialmente limitato. Speriamo di vederlo implementare in futuro. Ovviamente ogni personaggio è dotato sia di costumi alternativi che di poteri speciali. Nonostante l’approccio al combattimento più semplicistico rispetto alle combinazioni di tasti infinite di altri titoli, Hunter X Hunter Nen X Impact riesce comunque a valorizzare ogni scontro proprio all’utilizzo che viene fatto del potere Nen, in grado di farci scatenare combo molto lunghe in maniera semplice, fornire una difesa solida o effettuare attacchi speciali spettacolari e devastanti.

Fin dai primi scontri, è evidente come le diverse modalità single player siano più una palestra che una vera e propria sfida. Gli scontri sono accessibili ma non per questo meno stimolanti. L’esperienza rimane piacevole anche offline, grazie all’intelligenza artificiale ben calibrata e alla varietà degli stili di combattimento. Il tutto serve a prepararci adeguatamente alla vera colonna portante del gioco: la modalità multiplayer. Strutturata proprio come la classifica degli Hunter del manga, all’interno di questa modalità dovremo guadagnarci i gradi all’interno dell’associazione di cacciatori. È qui dentro che potremo fare sfoggio della nostra abilità nel combattimento e nella velocità a incasellare una serie di colpi dopo l’altra, creando combo lunghe e devastanti. Per raggiungere questo obiettivo, possiamo sfruttare anche i personaggi in panchina. Con la semplice pressione di un tasto è possibile scambiare il principale con uno dei secondari o anche semplicemente farli intervenire per un attacco a sorpresa. Bisogna comunque scegliere il momento adatto per eseguire una di queste manovre altrimenti si rischia di danneggiare entrambi i personaggi. Una possibilità che aggiunge un ulteriore livello di strategia! La modalità multiplayer di Hunter X Hunter Nen X Impact è una sfida complessa, non accessibile a tutti ma forse è proprio questo a renderla così stimolante. Potremo in ogni caso tornare alle modalità offline, scegliere i personaggi che meglio si adattano al nostro stile di gioco e allenarci con quelli, pronti a tentare ancora una volta la scalata alla classifica globale dei cacciatori.

Hunter x Hunter Nen x Impact è un adattamento che sorprende e soddisfa. Ciò che colpisce è l’estrema attenzione riposta nel rispettare e comprendere la più articolata opera omonima. Nel mondo videoludico spesso si incontrano sbiadite operazioni di trasposizione multimediale, ma non è questo il caso. Il titolo riesce a trasportare sullo schermo il sistema di combattimento basato sul Nen, rendendolo fedele e strategico (spiegato molto bene sul sito di Arc System Works). Ogni personaggio rispecchia in modo coerente le dinamiche viste nel manga, e la varietà degli stili offre una profondità tecnica che premia i giocatori più esperti senza però scoraggiare i neofiti. Le modalità single player ed offline ci permettono di prendere confidenza con il sistema articolato ma accessibile di combattimento, certe volte poco sfidante ma sicuramente utile come allenamento. L’integrazione del sistema tag team a tre personaggi, insieme alla possibilità di effettuare combo coordinate e cambi strategici, aggiunge un ulteriore livello di complessità e spettacolarità agli scontri. La modalità multiplayer online è la vera portata principale all’interno del gioco, durante la quale potremo sfidare altri giocatori e scalare la classifica di cacciatori. Un’operazione non semplice. Certamente il roaster iniziale di solo 16 personaggi, considerando che si tratta di una tag battle 3vs3, appare limitato ma speriamo in future integrazioni. L’esperienza complessiva rimane più che positiva. Hunter x Hunter Nen x Impact è un punto di partenza eccellente, capace di soddisfare sia i fan storici che gli appassionati di picchiaduro. Non è un gioco perfetto, ma è un gioco fatto con passione e visione. E per il mondo di Hunter x Hunter, è già un piccolo traguardo storico.

Il mondo dei videogiochi è un ambiente vasto e sconfinato. A volte, in un mare di generi e sottogeneri, emergono alcuni titoli che sfuggono alle classificazioni tradizionali. Dei piccoli esperimenti ludici che divengono dei cult. Patapon è uno di questi. Uscito originariamente su PSP alla fine degli anni 2000, il gioco seppe mescolare con attenzione il genere strategico con quello musicale. Una grafica stilizzata, una musica ossessiva e l’atmosfera tribale, lo fece spiccare immediatamente per originalità. Oggi Patapon 1+2 Replay ci riporta in quel mondo ancestrale, pronto ad incantare una nuova generazione di videogiocatori. Tra tamburi, marce e battaglie ipnotiche, il gioco continua a offrire un’esperienza sorprendente e coinvolgente.

Patapon 1+2 Replay: la lunga strada a ritmo di tamburi

Per comprendere meglio il valore di Patapon 1+2 Replay, è importante conoscere la storia che viene narrata. Nel primo capitolo della saga, i Patapon sono una tribù ormai in declino. I piccoli esseri monocoli e neri hanno perso tutto: le loro terre, la loro forza, perfino la loro fede. L’unica speranza è quella del ritorno della loro divinità, interpretata per l’occasione proprio da noi giocatori. Siamo quindi chiamati a vestire i panni del loro Dio Supremo, un’entità silenziosa ma che guida il suo popolo in maniera chiara attraverso il suono di sacri tamburi. Non appena inizieremo a parlare ritmicamente con loro, i Patapon riacquisteranno subito speranza nel futuro. Quando prendiamo in mano i sacri tamburi, la tribù riscopre il suo antico spirito guerriero e si mette in marcia verso la salvezza. L’obiettivo è chiaro: raggiungere la leggendaria Terra della Ricompensa, un paradiso promesso in cui abbondano cibo e gloria eterna. Attraverso sequenze prestabilite di suoni tribali, dobbiamo far avanzare la tribù attraverso foreste, deserti e antiche rovine, affrontando nemici sempre più temibili. I principali antagonisti che incontreremo lungo la nostra marcia, sono gli Zigoton, una feroce razza di guerrieri, determinati a fermare la marcia dei Patapon per proteggere i propri interessi. Non mancheranno inoltre scontri contro bestie colossali e misteriose divinità della natura, incarnazioni di forze primordiali. Il tutto è raccontato con uno stile fiabesco, fatto di canti tribali e rituali ancestrali, che trascina il giocatore in una dimensione onirica e sospesa, dove il mito si fonde con il ritmo.

Il secondo capitolo del gioco ci spinge verso altre grandi imprese. Raggiunta la Terra della Ricompensa, i Patapon vogliono raggiungere nuove vette gloriose. Per questo motivo decidono di spingersi oltre l’orizzonte. Salgono su una nave e si lanciano in un viaggio via mare alla ricerca di nuove terre. Durante il tragitto, però, una terribile tempesta li fa naufragare, disperdendo l’esercito sulle rive di un continente sconosciuto. La tribù non si abbatte, forte della nostra presenza, la sua divinità suprema. Raccolgono il poco che è rimasto e si mettono in marcia, alla scoperta di questa nuova terra. Ovviamente anche qui non mancano le difficoltà e gli scontri. I principali ostacoli sono rappresentati dai Karmen, la popolazione locale, determinata a fermare l’avanzata dei nostri. Patapon 2 si caratterizza per un tono più epico e misterioso, grazie alla scoperta di un mistico manufatto: l’Uovo della Profezia, un oggetto sacro che secondo le leggende potrebbe svelare il segreto del loro destino. Parallelamente viene introdotto anche il Patapon Eroe, un guerriero predestinato dotato di poteri straordinari, la cui identità può essere modellata dal giocatore. Un elemento fondamentale per superare gli scontri decisamente più ardui che siamo chiamati ad affrontare, di un livello superiore rispetto al primo capitolo. La storia in generale è più strutturata e stratificata, dipanandosi lentamente durante l’avanzata dei piccoli esserini neri. Nonostante il tono resti sempre ironico e leggero, Patapon 2 riesce con semplicità e naturalezza ad affrontare i temi del destino, della fede e della rinascita, trasformando quella che inizialmente sembrava una semplice marcia guerriera, in una riflessione sul potere collettivo e sul ruolo dell’eroe nella società. Una maturità narrativa decisamente apprezzata e di cui si sentiva la mancanza nel capitolo precedente.

Ritmo e strategia in un’evoluzione moderna

Il punto di forza di Patapon 1+2 Replay è sicuramente il suo gameplay. Potremmo definire i due giochi come dei semplici giochi strategici a scorrimento orizzontale, ma sarebbe sicuramente riduttivo. Durante le marce, che saranno caratterizzate da scontri contro i boss, semplici spedizioni di combattimento o viaggi alla ricerca di cibo e materiali, possiamo dare ordini al nostro esercito a ritmo di musica. Dopotutto siamo una divinità che comunica con il ritmo. Per questo motivo dovremo eseguire, a tempo di musica, combinazioni di 4 tasti per ordinare ad esempio ai Patapon di avanzare, attaccare, difendersi, etc. I comandi possono essere impartiti solamente quando la tribù non sta cantando. Questo sistema di input ritmico crea un legame diretto tra il giocatore e i Patapon, rendendo ogni battaglia una danza di comandi da eseguire con precisione. Se però, per qualsiasi motivo, smetteremo di comunicare o sbaglieremo a effettuare la sequenza di comandi, il contatore delle combo verrà azzerato, facendoci perdere la possibilità di raggiungere brevemente la Fever Mode. Si tratta di una sorta di trance bellica, in cui i Patapon diventano più potenti e aggressivi. Una volta terminata la missione, possiamo tornare al nostro accampamento dove creare nuovi guerrieri, equipaggiarli per una nuova missione ma anche recuperare e combinare i materiali raccolti. Questo permette di adattare il proprio stile di gioco, privilegiando forze d’attacco, difesa o velocità, inserendo una sottile ma efficace componente strategica. A tutto questo si aggiunge anche un restyling grafico ben riuscito, (come vi avevamo anticipato) con animazioni più fluide, texture più definite, interfacce completamente ridisegnate e una risoluzione adattata ai display moderni, pur mantenendo lo stile minimalista e tribale originale.

Le differenze sul piano narrativo tra il primo e il secondo capitolo della saga, sono riscontrabili anche dal punto di vista del gameplay. Nella versione rimasterizzata di Patapon 2, la grafica pulita e l’interfaccia migliorata esaltano ancor di più la varietà di scelte disponibili, rendendo l’avventura più chiara e gratificante anche per i nuovi giocatori. Come già detto, una delle novità più interessanti è il Patapon Eroe, una potente unità personalizzabile che diventa il perno centrale di ogni battaglia. Il giocatore può assegnare all’eroe diverse classi, ognuna con abilità uniche, e modificare il suo equipaggiamento per adattarlo a situazioni specifiche. Il suo attacco in Fever Mode, inoltre, è devastante e può ribaltare le sorti anche degli scontri più disperati. Anche il sistema di crescita dei Patapon è stato migliorato, riprendendo fedelmente i contenuti originali ma rendendoli più leggibili e chiari, in una versione più pulita e accessibile. Ora possiamo non soltanto cambiare il loro equipaggiamento, con una gamma di armi e armature più ampia rispetto al passato, ma anche far crescere ogni unità attraverso percorsi specifici, sbloccando nuove forme, abilità e statistiche. In questo modo possiamo personalizzare ulteriormente la nostra armata e sperimentare combinazioni diverse per affrontare boss e livelli particolarmente ostici. A tutto questo si aggiunge anche la possibilità di affrontare missioni secondarie per guadagnare materiali rari.

Nonostante la grande operazione di restyling grafico, quindi, Patapon 1+2 Replay riesce a riportare su PlayStation 5, nintendo Switch e PC tutto il fascino e la bellezza dei due titoli, conservando intatto il livello di sfida e l’originalità che li avevano contraddistinti in passato. Entrambi i giochi richiedono riflessi pronti e una buona dose di memoria muscolare, soprattutto nelle fasi avanzate, dove i pattern ritmici si fanno più serrati e i nemici più aggressivi. L’utilizzo continuo di queste sequenze di tasti, necessari ad affrontare le sfide e proseguire nel viaggio, però, potrebbero risultare ripetitivi per alcuni giocatori. Inoltre bisogna segnalare anche l’assenza di qualche vera novità o contenuto extra. Sarebbe stato bello avere all’interno di questo titolo anche Patapon 3, titolo che forse avrebbe spezzato la possibile sensazione di monotonia dei suoi predecessori. Il terzo capitolo, infatti, aveva tentato di rinnovare la formula introducendo elementi da dungeon crawler e un focus più marcato sul multiplayer. La scelta di includere solo i primi due capitoli lascia l’impressione di un’operazione incompleta. Bisogna però ammettere che i puristi della saga considerano il terzo capitolo quasi un titolo a sé, poco fedele all’anima originale della serie. Comprensibile quindi la scelta di Bandai Namco di concentrarsi solamente sui primi due. Nonostante questo, Patapon 1+2 Replay offre ancora oggi una proposta originale e divertente, un’avventura fuori dagli schemi accessibile a tutti ma non per questo con un livello di sfida troppo basso. Il fascino della saga Patapon continua a pulsare, tamburo dopo tamburo, con una forza sorprendente anche a distanza di anni

Patapon 1+2 Replay rappresenta il ritorno di due titoli unici nel panorama videoludico, capaci di fondere in modo sorprendente ritmo musicale e strategia. Originariamente usciti su PSP, questi giochi trasportano il giocatore in un viaggio epico al fianco dei Patapon, minuscoli guerrieri monoculi guidati dai tamburi sacri della loro divinità, ovvero il giocatore stesso. Il primo capitolo racconta la marcia della tribù verso la mitica Terra della Ricompensa, tra scontri con i rivali Zigoton e battaglie contro mostri colossali, in un mondo stilizzato e fiabesco. Patapon 2 espande la formula introducendo un nuovo continente, il misterioso Uovo della Profezia e l’Eroe Patapon, un’unità personalizzabile capace di cambiare il corso della battaglia. In entrambi i giochi, il cuore dell’esperienza resta il sistema di comandi ritmici, che richiede al giocatore di impartire ordini attraverso sequenze di tamburi, mantenendo il ritmo per ottenere il potenziamento del Fever Mode. La versione rimasterizzata migliora la grafica, con linee più nitide e animazioni fluide, senza intaccare il fascino minimalista originale. Patapon 2 aggiunge una forte componente di personalizzazione, rendendo l’esperienza più ricca e rigiocabile rispetto al primo capitolo. Sebbene manchi Patapon 3, questa raccolta racchiude l’anima più autentica della serie, offrendo un’avventura fuori dagli schemi. Ancora oggi, Patapon 1+2 Replay continua a stupire, trascinando il giocatore in un mondo fatto di ritmo, strategia e meraviglia.