Il cult di Quentin Tarantino torna sul grande schermo in una forma completamente nuova, Kill Bill: The Whole Bloody Affair arriverà infatti nei cinema italiani dal 28 maggio al 3 giugno come evento speciale di una settimana, distribuito da Plaion Pictures e Midnight Factory.

Per la prima volta, il film sarà proposto come un’unica opera da 281 minuti, superando la storica divisione in Volume 1 (2003) e Volume 2 (2004). Una scelta che riporta il progetto alla visione originale di Tarantino, che aveva sempre immaginato Kill Bill come un unico grande racconto.

Le scene inedite

Il montaggio di Kill Bill: The Whole Bloody Affair elimina il cliffhanger finale del primo capitolo e il riassunto iniziale del secondo, introducendo novità significative come il celebre scontro con gli 88 folli presentato per la prima volta interamente a colori e sequenze totalmente inedite che arrivano in Italia in versione originale sottotitolata. Fra queste, 7 minuti e mezzo inediti dell’iconico flashback in stile anime, prodotto dal leggendario studio Production I.G., che esplora il tormentato passato di O-Ren Ishii (Lucy Liu). A coronare questa edizione definitiva, inoltre, la presenza di The Lost Chapter: Yuki’s Revenge, un vero e proprio cortometraggio nato da un’idea di Tarantino rimasta per anni nel cassetto e ora portato alla luce grazie al noto motore grafico Unreal Engine, con la sorella della letale Gogo Yubari in cerca di vendetta.

Riscoprire Kill Bill

Kill Bill: The Whole Bloody Affair non è soltanto una versione estesa, ma la possibilità di riscoprire Kill Bill come un’unica grande opera sulla vendetta, fra le migliori mai girate: uno spettacolo continuo in cui Tarantino fonde cinema di arti marziali, chambara giapponese ed exploitation in un linguaggio personale, visivamente esplosivo e profondamente cinefilo, costruito attraverso rimandi e reinvenzioni della storia del cinema. La visione integrale valorizza così la struttura ritmica e narrativa del film, permettendo di cogliere appieno l’evoluzione della Sposa e restituendo tutta la forza di una saga epica contemporanea.  Un evento davvero unico e irripetibile che consentirà alle nuove generazioni e ai “vecchi” fan di Kill Bill di vivere sul grande schermo tutti insieme e tutto d’un fiato l’affresco di sangue dipinto da Tarantino esattamente come lo aveva sempre desiderato.

Presentato da Netflix con un primo trailer durante il Super Bowl 2026, Le avventure di Cliff Booth è il sequel-spin off di C’era una volta a… Hollywood: un progetto nato da un’idea di Quentin Tarantino e diretto da David Fincher, che riporta al centro della storia lo stuntman interpretato da Brad Pitt.

Il film è un’evoluzione di The Movie Critic, la sceneggiatura che Tarantino aveva inizialmente concepito come suo decimo e ultimo lungometraggio, ambientato nella Los Angeles degli anni ’70. Nel corso dello sviluppo, però, la storia si è progressivamente avvicinata all’universo di C’era una volta a… Hollywood fino a trasformarsi in un nuovo capitolo dedicato proprio a Cliff Booth. A quel punto Tarantino ha scelto di lasciare la direzione del progetto a Fincher, partecipando come co-produttore, mentre Netflix ha acquisito il film.

Cosa aspettarci e quando vederlo

La vicenda è ambientata nel 1977, circa otto anni dopo gli eventi del film del 2019: Cliff non lavora più soltanto come stuntman, ma è diventato un “Hollywood fixer”, un risolutore di problemi per gli studios che popolano la città. Accanto a Brad Pitt, il cast comprende Elizabeth Debicki, Yahya Abdul-Mateen II, Timothy Olyphant, Carla Gugino, Scott Caan e Holt McCallany. Manca, invece, Leonardo DiCaprio, che non tornerà nei panni di Rick Dalton.

Il film probabilmente esplorerà ulteriormente il passato del personaggio, già approfondito nella novelization di C’era una volta a… Hollywood, il libro che racconta un Cliff Booth più oscuro e complesso, plruiomicida ed ex eroe di guerra. Una figura controversa, ispirata a diversi stuntman realmente esistiti, di cui è difficile prevedere il confine tra eroe e minaccia.

Le avventure di Cliff Booth è prodotto e distribuito da Netflix e arriverà nella seconda metà del 2026.

Terzo film di carriera (dopo i sorprendenti e acclamati Lo chiamavano Jeeg Robot e Freaks Out) per il romano Gabriele Mainetti classe 1976, La città proibita ( distribuito da PiperFilm) mescola ispirazioni e intuizioni prettamente orientali con la romanità più verace, in una storia di vendetta assai coreografica e, a suo modo, emotivamente toccante. Il film prende spunto dalla tremenda politica del figlio unico, introdotta in Cina nel 1979 per tenere sotto controllo e pianificare le nascite, e secondo cui ogni famiglia poteva avere massimo un figlio, per non incorrere in pesanti sanzioni. Questa legge, poi abolita definitivamente nel 2013, è il “movente” su cui il regista romano costruisce la (sua) storia di vendetta e lungo cui si sviluppa l’intera parabola narrativa del film.

La politica del figlio unico

Siamo nella Cina del 1979 e Mei (la rivelazione Yaxi Liu) è la secondogenita di una famiglia cinese, dunque costretta a nascondere la sua esistenza – di fatto “contro legge” – tra le pareti di un armadio, a differenza della sorella maggiore Yun, che avrà invece la possibilità di vivere la sua vita alla luce del sole.  Eppure, Mei, bambina e poi ragazza schiva e determinata, continuerà a vivere la vita di fuori nel riflesso dei racconti della sorella, senza però smettere di apprendere ogni dettaglio e segreto del Kung fu, e delle arti marziali, dal padre. Tutti elementi che contribuiranno a rafforzare il suo carattere e a nutrire la sua determinazione, trasformandola in una donna alla necessaria ricerca di vendetta, e – anche – in una temibile guerriera.

Anni dopo, a metà anni novanta, Mei si ritrova dunque a Roma, nel quartiere Esquilino fortemente contaminato dalla popolazione asiatica e cinese in particolare, e dove a contendersi l’egemonia della piazza (Vittorio) sono il ristorante cinese La città proibita di Mr. Wang e lo storico locale da Alfredo (Luca Zingaretti), che prende il nome dall’omonimo proprietario (sparito in circostanze misteriose insieme a una giovane ragazza), e rimasto dunque in gestione al figlio Marcello (Enrico Borello) e alla moglie Lorena (Sabrina Ferilli). In una realtà romana verace e a tratti feroce, fatta di scontri e lotte intestine per il potere di strada, in cui la fa da padrone anche lo storico amico di Alfredo e famiglia Annibale (un iconico Marco Giallini), Mei dovrà muoversi agilmente e astutamente nell’ombra per seguire le tracce della sorella perduta, fuggita a Roma in cerca di una “svolta” per la vita di entrambe. Ma, durante le sue “vacanze romane”, Mei farà anche l’incontro con Marcello, costretto a fare il cuoco nella cucina del locale del padre pur di non far fallire l’attività. Tra i due sarà subito scontro: di etnie, di ideali e perfino di strategie di vita. Eppure, poco alla volta, la (per nulla dolce vita romana – se non nel suo saper poi sempre svelarsi in una bellezza senza rivali)  riuscirà ad avvicinare un po’ la Cina di Mei alla Roma di Marcello.

La vita è bella, nonostante, tutto, e ci sorprende sempre

Trarantiniano per ispirazione e vocazione (Kill Bill è il primo film che viene in mente assistendo ai 134 minuti di vendetta al femminile che sono il cuore pulsante del film), ma poi anche nostalgico e d’atmosfera e con tante altre ispirazioni orientali e non (le atmosfere dense e soffuse di Wong Kar-wai,  il senso forte di vendetta nella vendetta alla Kim Ki Duk), La città proibita è un coinvolgente affresco super-coreografico che mescola ideologie e umori molto diversi tra loro per farli convogliare in un racconto di (pace) potenziale che passa attraverso la lotta (per sé stessi e per i propri fondamentali diritti).  L’opera terza di Mainetti brilla per bellezza visiva, trainata dall’atmosfera sempre soffusa di un rouge et noir incontaminato e da una protagonista agile, magnetica e incredibilmente perfetta in ogni suo sguardo e gesto, e una semplicità narrativa che trova il suo strumento migliore nella commistione tra oriente e occidente, tra l’austero proibizionismo cinese e il criminoso libertinismo romano. “Qui tutto è permesso, e niente è importante, da noi è il contrario…” affermerà a un certo punto Mr. Wang riassumendo in breve lo scontro culturale e ideologico che va in scena nel film, ancor prima di quello umano e fisico.

Aggressivo, muscolare e feroce da un lato, La città proibita vince poi però la sua partita nel suo esser capace di restituire cuore anche a una vicenda così drammatica che parte da condizioni di estrema privazione di libertà (tanto per Mei chiusa tutta la vita in un armadio quanto per la sua controparte romana Marcello, finito per chiudersi in una cucina). Mainetti regala al film dei personaggi combattivi ma fondamentalmente buoni, dove anche il più duro (l’Annibale del magistrale Giallini) alla fine cede alla sua parte più fragile, emotiva, di riconciliazione famigliare. Perché in fin dei conti quest’ultimo film di Gabriele Mainetti è una vibrante storia di tante famiglie, ognuna diversamente immersa nel proprio dolore, come diceva Tolstoj, ma poi capaci (in qualche modo) di trovare l’escamotage verso la via della luce, in  specularità con la difficile parabola di Mei, determinata a guadagnare la vita fuori da quell’armadio. Dunque una vendetta dura e ostinata, ma che poi alla fine ripiega e si risolve su sé stessa, diventando sostanzialmente lotta – e resilienza – per i propri diritti (perfino il diritto naive di Alfredo di vivere una vita diversa da quella oramai scritta per lui). Un film di luci e ombre, che mescola tragico e magico, e che fonde lo yin e lo yang di cui narra nella mutevole bellezza della città eterna in cui si muove.

Alla sua opera terza, La città proibita in uscita il 13 marzo con distribuzione PiperFilm, il romano Gabriele Mainetti mette in piedi un racconto un po’ meno “fantasioso” dei suoi due precedenti per parlare invece di realtà sociali proibitive (la Cina) e realtà multietniche non sempre virtuose (la Roma del quartiere Esquilino). Un film elegante e poliedrico, che mostra molti volti e umori diversi e che fonde il suo animo prettamente visivo e coreografico a una narrazione semplice, ma mai così scontata, che si fa strada tra il senso e di vendetta, e la voglia di pace, l’istinto combattivo e quello di salvaguardia (di sé stessi e della propria prole). Il tutto, coadiuvato da un grande cast dove spiccano la maestosa Mei (la rivelazione Yaxi Liu, una donna esile, ma di agilità e profondità magnetiche), e l’istrionico Annibale di Marco Giallini (in una delle sue performance più profonde e anche dolorose). Un’opera che senza dubbio conferma la mano capace di Gabriele Mainetti e aggiunge un tocco “esotico” alla sua breve ma già ricca e solida filmografia. 

Nella carriera di ogni attore o regista, c’è sempre un progetto dei sogni che, in un modo o nell’altro, non si è mai riuscito a portare a termine. Ebbene, questa volta è il caso di Quentin Tarantino e del desiderio di dirigere un film su Luke Cage. Infatti, il premio Oscar ha rivelato di voler lavorare ad una pellicola sul personaggio Marvel, nel periodo di tempo che andava tra Le Iene e Pulp Fiction. Ciò però non è mai accaduto, lasciando il povero Quentin con l’amaro in bocca. Cosa ne pensate? Vi sarebbe piaciuto vedere un eroe con lo stile tarantiniano?

Fonte: Comicbook

Oggi, 27 marzo 1863, nasceva Quentin Tarantino, l’uomo che avrebbe cambiato per sempre il mondo cinematografico. Con il suo stile schietto e pungente, sono state diverse le storie che ci ha raccontato, servendosi della sua stravagante visione che ha della vita. Profondo conoscitore del medium, ha più volte ammesso di essersi ispirato a grandi maestri del cinema, come per esempio, Sergio Leone. Idolo indiscusso di cinefili di tutto il mondo, esordì col botto nel 1992 con Le Iene, passando poi ad uno dei suoi capolavori indiscussi: Pulp Fiction, uscito nel 1994. Passando ai giorni nostri, il 2020 è partito senza alcun dubbio bene per lui, grazie alla nascita del suo primo figlio. Se volete ripassare la lista dei suoi nove film (canonici), forse questa classifica potrà esservi d’aiuto.

La sceneggiatura di C’era una volta a… Hollywood, è stata tenuta al sicuro per molto tempo, per evitare dolorosi spoiler prima del debutto del film. Questa scelta fu presa da Quentin Tarantino durante le giornate di ripresa, per rimanere certo che non ci sarebbero state fughe di informazioni, prima di mostrare il finale. Questo perché i suoi recenti script, ebbero la sfortuna di essere pubblicati prima dell’uscita effettiva dell’opera. La pellicola ha avuto ben 10 nomination all’Oscar, venendo considerata come favorita per il premio Miglior Film. Che dire, sicuramente l’esperienza ha fatto capire molte cose al regista, facendolo rimanere sull’attenti.

Fonte: Screenrant

Ogni anno, milioni di cinefili da tutto il mondo attendono con ansia i titoli di maggior spessore. Ma non sempre si rimane soddisfatti della pellicola chi si aspettava da tempo. Infatti, tra le centinaia di pubblicazioni che vengono fatte, non tutti i film possono essere considerati come grandi opere, ovviamente, e per tale ragione ci si affida ai grandi classici che hanno lasciato il segno. Uno degli autori che è riuscito a collezionare numerosi cult è senza alcun dubbio Quentin Tarantino. E Sebbene il suo nome sia ormai sulla bocca di tutti, può essere ancora considerato come un regista di nicchia. Non che sia un termine dispregiativo, né tantomeno lo si vuole considerare come un creatore di prodotti commerciali. Ogni vero amante del cinema sa chi è realmente Tarantino, ed è un suo diritto avere una classifica personale delle perle da lui scritte e dirette. Detto ciò, oggi vi presento la mia top nove, unicamente basata su gusti e preferenze personali. Buona lettura!

9. Le iene (Reservoir Dogs) – 1992

Alla nona posizione, il film che ha dato inizio alla “febbre tarantiniana”. Accattivante e ricco di colpi di scena, Le iene ha dato la prova al mondo, che ben presto qualcuno avrebbe cambiato per sempre la definizione di cinema. Capace di confondere anche le menti più acute e attente, per l’intera durata della pellicola non si ha mai un’idea chiara di chi si trovi davanti a noi. Un gruppo di uomini che indossano una maschera, tenendo segreta la propria identità, rischiando la vita per un gruzzolo di dollari. Non l’avete mai visto? Beh che aspettate, correte ai ripari. Ah e ricordate, non dite mai a nessuno i vostri nomi!

8. Kill Bill: Volume 2 – 2004

Sì, lo so tranquilli. Kill Bill è un unico film. Come confermato dallo stesso Tarantino, la suddivisione dell’opera è stata doverosa per rispettare i tempi cinematografici. Ebbene, nonostante questo appunto, mi sento comunque di inserire le due parti in posizioni diverse. Una cosa è certa, la vendetta è un desiderio che sa far male da entrambe le parti e non sempre riesce ad appagare come si sperava. Uma Thurman ha svolto un lavoro magistrale all’interno di questo progetto, regalandoci attimi mozzafiato e… “pittoreschi” scontri!

7. The Hateful Eight – 2016

Ho un annuncio importante da fare, ma solamente se all’ascolto non ci saranno cani o messicani! Pessime battute a parte, ho adorato moltissimo questo film. Durante una gelida notte invernale, mi sono trovato davvero a desiderare una ciotola dello squisito stufato di Minnie, lo giuro. Freddo, crudo e senza remore, il cast ci ha regalato momenti indimenticabili, contando su una delle migliori sceneggiature mai scritte da Tarantino. Non potete fidarvi di nessuno, ogni uomo o donna presente in questa stanza è qui per un suo tornaconto. Non sbilanciatevi troppo con i vostri nostalgici ricordi o storielle d’infanzia. Potreste essere più facili da attaccare. Ah, non dovete andare in bagno vero?

6. Jackie Brown – 1997

Dollari, dollari e ancora dollari. Il mio colore preferito? Il verde! In quest’opera, è possibile vedere un Robert De Niro alle prese con una delle migliori interpretazioni mai fatte. Con lui, l’eccentrico Samuel L. Jackson che sancisce, ancora una volta, il mostro sacro che è Tarantino. Lo schema vincente tra l’interprete e il regista non fa altro che confermarsi e fortificarsi pellicola dopo pellicola. Un consiglio? Non dimenticatevi dove avete parcheggiato l’auto…

5. C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time in Hollywood) – 2019

Ah, C’era una volta a… Hollywood è stato al centro di diversi dibattiti per molto, moltissimo tempo. La community era letteralmente impazzita! Un capolavoro? No? Un flop? Una cosa è certa: Tarantino è uno degli uomini più romantici e nostalgici al mondo. Chi si spingerebbe così oltre da scrivere una lettera d’amore… a Hollywood!? Con una delle migliori fotografie mai viste, il passato ritorna sulla cresta dell’onda, mostrandosi sotto il tenero occhio del caro e vecchio Quentin. Forza, andiamo, non è il momento di commuoversi! Non qui almeno…

4. Bastardi senza gloria (Inglourious Basterds) – 2009

“No Signore! I Nazisti non hanno un briciolo di umanità. È il tenente Aldo Raine che lo dice!” Ambientato durante la Seconda Guerra Mondiale, abbiamo un’altra rivisitazione storica di uno dei periodi più bui dell’umanità. Tarantino ce l’ha fatta di nuovo… a farmi venire voglia di un bel bicchiere di latte e di una deliziosa fetta di Strudel. Non siate frettolosi però, la panna è d’obbligo, altrimenti sarò costretto a chiamare un mio amico Orso! Fame a parte, Bastardi senza gloria ci fa conoscere alcune delle personalità più patriottiche e carismatiche del cinema moderno, evidenziando valori e desideri di uomini con il solo obiettivo di uccidere Adolf Hitler.

3. Kill Bill: Volume 1 – 2003

Rieccoci tornati con la tormentata storia di Beatrix Kiddo e la sua lista di uomini e donne da uccidere. Forse è meglio dire “brutalizzare”! Questa prima parte del film l’ho davvero amata in ogni sua sfumatura. È stata capace di ancorarsi all’interno della mia mente, facendomi cambiare il modo di approcciarmi al cinema. Sguainate la vostra katana e preparatevi ad affrontare orde infinite di sgherri assetati di sangue. Hattori Hanzo sarebbe fiero di voi.

2. Pulp Fiction – 1994

Sarò sincero, Pulp Fiction è sempre stata una parentesi dolente per me. È dovuto passare del tempo prima che mi abituassi allo stile della pellicola. Ma è uno di quei pochi film che mi capita di pensare mentre sono in metro o prima di andare a letto. Il duo Samuel L. Jackson & John Travolta è a dir poco surreale. La pellicola non avrebbe avuto tanto successo se non ci fossero stati entrambi. Ma d’altronde si sa, Tarantino ha un’abilità innata nel creare cast d’eccezione. E voi, leggete la Bibbia?

1. Django Unchained – 2013

Siamo arrivati al capolinea della mia classifica personale. Al primo posto, non potevo non mettere Django Unchained. Con un’ambientazione che strizza l’occhio al meraviglioso titolo di Rockstar Games Red Dead Redemption, questo capolavoro Western è l’ideale per ogni amante del genere. E se prima il talentuoso Quentin aveva la mia curiosità, adesso ha tutta la mia attenzione… e ammirazione! Con una fotografia e un comparto sonoro da pelle d’oca, il mondo ricreato all’interno di questa pellicola è dannatamente bello. Terribilmente violento e spietato, è la prova concreta che Tarantino sa fare sua ogni epoca esistita. Spezzerei inoltre, una lancia a favore per Christoph Waltz e Leonardo DiCaprio, due degli attori che più ho amato all’interno delle produzioni tarantiniane. Ma qui… hanno davvero lasciato il segno. Mi credete, vero? Non vorrei insistere…

Uno dei migliori registi che Hollywood abbia mai visto è diventato padre! Stiamo parlando proprio di lui, Quentin Tarantino. La notizia è stata confermata ieri, 22 febbraio 2020. Per il cineasta deve essere un’emozione senza paragoni, visto che questo è il suo primo figlio. Lo stesso vale per la moglie Daniela Pick. Secondo alcune informazioni, il bambino sarebbe nato all’ospedale Ichilov di Tel Aviv, Israele. Lo sceneggiatore ha incontrato per la prima volta la cantante mentre era proprio a Tel Aviv per promuovere il film Bastardi senza gloria e si sono sposati a Los Angeles nel 2018. Ancora non è noto il nome del piccolo.

C’era una volta a Hollywood (qui trovate la nostra recensione), ultima fatica del celebre regista e sceneggiatore Quentin Tarantino (Le iene, Pulp Fiction) è stato sicuramente uno dei film più affascinanti del 2019. A dimostrazione di ciò, ci sono le 10 nomination agli Oscar 2020, tra le quali Miglior Regia, Miglior Film, Miglior Attore Protagonista, Miglior Attore non Protagonista e molto altro. Un lungometraggio che trova la sua forza, oltre che nelle strabilianti interpretazioni del cast, in un’atmosfera sognante e favolosa, dove il cinema è esaltato in ogni piccola inquadratura e dettaglio. Mentre si attende la notte degli Academy (che sarà trasmessa in diretta il 10 febbraio), non c’è migliore occasione di rivedere (o chissà, visionare per la prima volta) la realizzazione in questione, disponibile dal 2 gennaio sui siti di e-commerce e nei negozi specializzati, ovviamente in home-video. Ecco la nostra valutazione del prodotto (in formato Blu-Ray) gentilmente concessa alla redazione da Echo e da Sony Pictures Home Entertainment.

Il sipario si alza con un’interfaccia classica del menu iniziale del film, di default solamente in lingua inglese. Tra le varie opzioni qui presenti, ovviamente, c’è la selezione della lingua e dei sottotitoli, senza dimenticare la possibilità di immergerci negli extra. I vari idiomi sono ascoltabili in 5.1 tradizionale (italiano e portoghese) e 5.1 DTS-HD Master Audio (inglese e tedesco). I testi, invece, oltre alle nazioni menzionate qui sopra (con l’aggiunta dell’Inglese SDH) vi sono anche in turco. Poche scelte per l’audio, quindi, anche se ci troviamo di fronte ad un prodotto decisamente di punta. Riflettendo sugli aspetti più legati alla qualità delle immagini e del sonoro, nulla da eccepire: il lavoro dietro tutta l’infrastruttura tecnica è sicuramente di gran pregio e vale, da solo, il prezzo del disco. È importante parlare, anche, dei contenuti speciali, spesso delle vere e proprie punte di diamante delle confezioni home-video. Nel caso di C’era una volta a Hollywood, si è optato per puntare sulla qualità, piuttosto che sulla lunghezza dei singoli: tutti gli elementi addizionali, infatti, sono interessanti approfondimenti, purtroppo troppo brevi.

Un prodotto di qualità, che farà gola soprattutto ai tanti che attendono novità sul prossimo lungometraggio diretto e scritto da Quentin Tarantino.

Vediamoli insieme:

• Scene aggiuntive: 7 sequenze eliminate nella versione finale della pellicola, che possono essere recuperate. Ne vedrete delle belle!
• La lettera d’amore di Quentin Tarantino a Hollywood: una clip in cui Tarantino, gli attori e la produzione parlano della particolare atmosfera del lungometraggio.
• Bob Richardson – Per l’amore del film: parla ora il direttore della fotografia del film, Bob Richardson appunto, che svela alcuni importanti retroscena, sempre coadiuvato dal cast.
• Conversazione di lavoro – Le auto del 1969: protagoniste del video sono ovviamente le macchine d’epoca, che hanno decisamente un ruolo importante dal punto di vista estetico e nostalgico.
• Restaurare Hollywood – La scenografia di C’era una volta a Hollywood: qui invece è il turno di una chiacchierata sull’imponente scenografia dell’opera, della durata di 10 minuti (il contenuto più lungo, escludendo le scene aggiuntive)
• La moda del 1969: chiudiamo con un approfondimento sui costumi di scena, con interventi provenienti sempre dalla troupe e dagli attori coinvolti nella realizzazione.

Da quello che potete vedere, gli extra sono tutti incentrati su aspetti tecnici dell’opera, escludendo, purtroppo, la parte di sceneggiatura e tutta il comparto attoriale, relegata come semplice comparsa nei filmati presenti. Considerando le due nomination di Leonardo DiCaprio e Brad Pitt agli Academy Awards, è davvero un peccato non poter approfondire il loro background nel dettaglio, ma poco male: il loro contributo è decisamente importante all’interno dei video sopra menzionati. Tirando le somme, il Blu-Ray di C’era una volta a Hollywood è, senza ombra di dubbio, uno dei must buy di inizio anno, per tutti quelli che adorano uno dei registi dello star system più apprezzati degli ultimi trent’anni, ma anche per coloro che si sono innamorati dopo la prima visione della realizzazione. Molto classico nella sua impostazione, con un parco di contenuti speciali essenziali ma interessanti, il disco vede il suo maggior pregio nella pulizia delle immagini e del suono, elementi che invogliano l’acquisto. Un prodotto di qualità, che farà gola soprattutto ai tanti che attendono novità sul prossimo lungometraggio diretto e scritto dal leggendario Quentin Tarantino.

C’era una volta a Hollywood ha fatto molto parlare di sé. C’è chi lo ha amato e difeso a spada tratta, mentre altri lo hanno considerato uno dei punti più bassi di Quentin Tarantino. Certamente non è una pellicola per tutti e la creatività fuori dal comune del regista tal volta può spaventare. In vista della cerimonia degli Oscar 2020, si ritorna a discutere del progetto, tirando in ballo una versione finale dalla durata di quattro ore. Infatti, per la gioia di tutti i fan, ci sarà la possibilità di visionare un cut della favola Hollywoodiana del tutto inedito. Tra un anno forse. “Guardate, sta andando tutto bene, perciò quando sarà tutto fatto e finito, forse tra un anno, allora la pubblicheremo“. Le parole del cineasta sono chiare, non ci resta che attendere!

FONTE: COLLIDER