Regine del non-detto: il femminile nella poetica di Hidetaka Miyazaki e la rivoluzione culturale dei Souls

La poetica di Hidetaka Miyazaki nei Souls ha ridefinito il linguaggio videoludico contemporaneo, non solo attraverso una nuova concezione della difficoltà e della narrazione ambientale, ma anche mediante una rappresentazione del femminile profondamente atipica rispetto ai canoni tradizionali del medium.

Questo speciale analizza il ruolo delle figure femminili nei titoli FromSoftware come entità simboliche, politiche e narrative, lontane dall’oggettificazione classica che ne ha spesso fatto il videogioco visto in ottica maschile.

Per gran parte della sua storia, il videogioco mainstream ha trattato il femminile come funzione. La donna è stata premio, obiettivo narrativo, corpo decorativo o supporto emotivo, una semplice guida esteticamente appagante che ha il solo compito di servire l’eroe. Anche quando le protagoniste hanno guadagnato centralità, spesso lo hanno fatto adottando codici maschili, come se l’unico modo per essere forti fosse smettere di essere “femminili”.

È in questo contesto che la poetica di Miyazaki si distingue. Non perché dichiari apertamente un intento femminista, ma perché rifiuta il linguaggio tradizionale con cui il femminile è stato storicamente rappresentato ed è questo che ci interessa particolarmente.

Le donne nei Souls. Figure che non chiedono di essere salvate

Nei giochi di Miyazaki le figure femminili non sono mai obiettivi da raggiungere. Non aspettano l’eroe. Non esistono per essere riscattate. Al contrario, il giocatore entra in mondi già plasmati dalle loro decisioni e che molto spesso continueranno a essere plasmati (e salvati) dalle donne, al contrario dei personaggi maschili, che invece vediamo plasmare il mondo guidati da un istinto di conservazione, di paura se vogliamo, di ignoranza e brama di potere.

In Dark Souls e in Elden Ring la decadenza dell’universo di gioco non è una catastrofe improvvisa, ma il risultato di scelte politiche, divine o familiari. Molte di queste scelte sono legate a figure maschili poco lungimiranti e conservative: e in queste scelte, così come negli esiti dei finali, le figure femminili non sono comparse, ma vere e proprie architravi narrative. Il femminile, di conseguenza, non è passivo, ma è responsabile, nel senso più pesante del termine.

La Custode del Fuoco di Dark Souls: il femminile come sacrificio silenzioso

Tra tutte le figure femminili di Dark Souls, la Custode del Fuoco è la più rappresentativa sul piano simbolico. Non governa, non combatte, non distrugge. Sostiene e si sacrifica per mantenere in vita l’umanità.

Privata definitivamente della vista in Dark Souls III, e in tutti i capitoli della saga rappresentata come muta, cieca o mutilata, la Custode del Fuoco vive in funzione di una fiamma che non le appartiene davvero, ma che le è stata affidata da Lord Gwyn, il Lord dei Tizzoni, affinché l’Era del Fuoco continuasse a esistere. Sappiamo però che il sacrificio di Gwyn, morto per alimentare il fuoco, è solo un modo per prolungare l’inevitabile, perché la fiamma non può durare per sempre, così come il controllo e il potere.

Senza la Custode del Fuoco il viaggio del giocatore non esisterebbe. La Custode del Fuoco incarna una forma di potere invisibile, non celebrato, ma essenziale. È il riflesso del femminile come infrastruttura del mondo: è ciò che permette al sistema di funzionare, pagando però il prezzo più alto in silenzio, proprio come le donne hanno sempre fatto nella storia.

Secondo le teorie più accreditate è ragionevole pensare che la prima Custode del Fuoco fosse proprio la principessa Filianore, cieca, figlia di Gwyn, che è stata costretta col suo sacrificio a trattenere l’oscurità dal mondo e anche la verità: infatti, se doni gli occhi della Prima Custode del Fuoco alla Custode in Dark Souls III, questi le permetteranno di conoscere la verità e grazie a questo si potrà sbloccare il finale “La fine del Fuoco”, considerato il true ending, dove la Custode del Fuoco può finalmente prendersi cura della fiamma dell’umanità e spegnerla per dare vita a un nuovo ciclo, spezzando un’ordine che Gwyn voleva protrarre all’infinito. Durante il finale, infatti, la Custode dice che dall’oscurità, prima o poi, nasceranno nuove fiamme, perciò il finale si apre a un ciclo ignoto, certo, ma di scoperta, di speranza, proprio come il finale di Ranni in Elden Ring, di cui parleremo tra poco.

Tutto questo va in contrapposizione ai personaggi maschili, che invece combattono e si sacrificano per mantenere uno status quo, una conservazione destinata ad autodistruggersi, imbrigliando il mondo in un loop continuo e senza speranza di cambiamento.

Le donne di Elden Ring: il femminile come legge e come rifiuto

Con Elden Ring, la centralità del femminile diventa ancora più esplicita. L’Interregno non è solo abitato da figure femminili potenti: è strutturato attorno a loro, ancora più che in altri titoli di Miyazaki.

La regina Marika, per esempio, non è semplicemente una dea o una sovrana. È la legge incarnata. Una donna divina scelta per diventare un’Istituzione: l’ordine del mondo esiste perché grazie a Marika è stato creato, e si spezza perché Marika decide di distruggerlo, ordendo un complotto, la Notte dei Neri Coltelli, primo vero atto che dà inizio a ogni cosa. Un complotto portato avanti solo da donne, contro il primogenito della stessa Marika, Godwyn.

Il gesto di infrangere l’Anello e l’Ordine della Volontà Superiore, il dio che ha conquistato e sottomesso l’Interregno, non è un errore né una follia passiva: è una scelta politica, è una ribellione al ruolo che le è stato imposto dalla Volontà Superiore, ribellione per la quale finirà per essere crocifissa. Miyazaki affida quindi al femminile il diritto di creare e di distruggere l’Ordine, rompendo definitivamente l’idea della donna come custode morale immutabile, etica e senza peccato, ma anzi come un’entità che fa scelte drastiche, politiche, e che può sbagliare.

Con Marika, infatti, appare anche un altro aspetto centrale, ed è quello della maternità. Marika non vive la maternità come un destino o una scelta dettata da un profondo senso materno: Marika ha moltissimi figli e questi non sembrano godere di particolare amore da parte sua, anzi. Marika cerca più volte di concepire figli in modi sempre diversi per creare una progenie di cui sentirsi “fiera”, arrivando anche a mutarsi in un uomo, Radagon, per sposare la regina di Caria, Rennala, dalla cui unione nascerà la strega Ranni. E guarda caso i figli nati da questa unione, di fatto l’unione di due donne, sono di gran lunga i personaggi più positivi del gioco. Inoltre Marika fa anche figli con se stessa, per partenogenesi. Il suo legame con la maternità è dannato, problematico, anche crudele se vogliamo: d’altronde Marika sceglie di abbandonare alcuni suoi figli, e di ucciderne altri. Nei titoli di Miyazaki, insomma, la maternità non è vista come qualcosa di positivo o come una sorta di destino femminile. Molto spesso è un destino tragico, una responsabilità fallibile, anche un usurpazione. Marika è tutto fuorché una “buona madre”, amorevole e protettrice.

Nella poetica di Hidetaka Miyazaki la maternità non è mai un rifugio simbolico né un destino idealizzato, ma una forza ambivalente, capace tanto di generare quanto di condannare. Essere madre, nei suoi mondi, significa assumersi una responsabilità che supera l’individuo e si estende all’intero ordine del reale. Le figure materne non sono protettive per definizione: sono spesso spezzate, colpevoli, consumate dal peso di ciò che hanno creato, come anche La Strega di Izalith di Dark Souls e la sua progenie demoniaca.

Miyazaki smonta così uno dei miti più radicati della società, ovvero la maternità come vocazione salvifica, e la riscrive come atto tragico: creare significa anche accettare la possibilità di distruggere.

Ed Elden Ring, in particolare, parla di madri, non di padri. Sono le madri a dettare la storia e sono le madri e le donne, nel finale Era delle Stelle, considerato il true ending del gioco, a salvare l’umanità sconfiggendo la Volontà Superiore, una divinità che ha preso il controllo del mondo eliminandone la sua componente più vera, il ciclo della vita e della morte.

Ranni: scegliere l’oscurità per essere liberi

A proposito di questo, in Elden Ring Ranni la Strega incarna il rifiuto radicale del sistema, anche per il semplice fatto che Ranni è figlia di due donne, Radagon, la forma maschile di Marika, e Rennala. Ranni è una ribelle, non vuole governare secondo le regole esistenti. Rifiuta il destino impostole dalla Volontà Superiore, come sua madre, rinunciando al suo corpo, oltre che al trono a lei destinato e alla luce. E’ una strega e una semidea immensamente potente, che studia ed esplora il mondo attorno a lei per cercare una via di fuga dall’ordine imposto che capisce essere autodistruttivo per l’umanità.

La sua scelta non promette conforto. Nel suo finale, l’Era delle Stelle, l’era che propone è fredda, distante, priva di certezze, affidata a una divinità lunare sconosciuta e forse malevola. Il giocatore non ha idea di cosa succederà, è una scelta enigmatica e priva di sicurezze. Ma è libera, ed è proprio questo il punto. E’ l’unica scelta che offre una speranza, una via di fuga. In particolare nella trascrizione originale in giapponese delle battute di Ranni si capisce che la strega sta offrendo all’umanità una via costellata da “dubbio, solitudine e oscurità”, il che significa semplicemente accettare che essere in vita vuole dire non avere certezze o stabilità, vuol dire accettare il dolore e la paura rinunciando al controllo, non come la Volontà Superiore, che pur di autoconservarsi e istituire un ordine e una gerarchia “perfetti”, tutti temi psicologicamente legati al maschile, ha eliminato la morte dal mondo, condannando l’umanità a un eterno loop di stagnazione. L’Era delle Stelle, il finale di Ranni, è simbolicamente collegato alla luna e al femminile, un mondo ignoto, oscuro, complesso e fortemente innovativo e vivo.

La sottrazione come scelta autoriale

Un altro elemento chiave della poetica di Miyazaki è la sottrazione, come già accennato all’inizio. Riconducendo questa tematica alla rappresentazione del femminile nei Souls, per esempio, vediamo che i corpi femminili non sono messi in scena per essere consumati visivamente. Sono spesso coperti, deformati, consumati dal tempo.

Questa scelta è tutt’altro che neutra: rifiutando l’iper sessualizzazione, Miyazaki restituisce al corpo femminile una funzione fortemente narrativa. Il corpo racconta una storia, non soddisfa uno sguardo. In un medium che ha costruito gran parte della propria iconografia sulla visibilità e sul controllo, la sottrazione diventa una scelta mirata. Il femminile non è reso immediatamente leggibile, perché non deve esserlo.

Il sistema della sottrazione è evidente anche nella narrazione ambientale e non solo femminile: è uno degli strumenti più riconoscibili dei titoli FromSoftware. Le storie non vengono spiegate, anzi, è il giocatore che deve ricostruire la trama, un puzzle vero e proprio suggerito dalle armi, gli oggetti, gli spazi, le rovine, che parlano più dei dialoghi. E le figure femminili sono perfettamente integrate in questo sistema. Raramente spiegano se stesse. Non offrono risposte rassicuranti, tutt’altro. Costringono il giocatore ad ascoltare e interpretare, come fa tutta la narrazione e anche il gameplay di questi titoli.

Questa opacità è fondamentale. Invece di semplificare il femminile per renderlo accessibile, Miyazaki lo riconosce come complesso, contraddittorio, a volte inconciliabile.

Elden Ring Nightreign

Il linguaggio narrativo e autoriale di Hidetaka Miyazaki: come l’autore ha riscritto il linguaggio videoludico

Nel discorso pubblico sui titoli FromSoftware, la difficoltà viene spesso assunta come elemento identitario dominante. È il primo filtro, la prima etichetta, talvolta l’unica che viene affibbiata ai Souls. Eppure ridurre l’opera di Hidetaka Miyazaki a una questione di sfida significa ignorare ciò che la rende davvero rivoluzionaria: la costruzione di un linguaggio videoludico nuovo, fondato sulla sottrazione, sull’ambiguità e sulla responsabilità interpretativa del giocatore.

La vera rivoluzione nel linguaggio di Miyazaki è una trama rarefatta, frammentata, nessuno ti racconta la storia, ma anzi il giocatore viene invitato a imparare e ricostruire la storia insieme al suo stesso autore. Nel mondo videoludico pochi titoli hanno un’impronta autoriale così forte e definita. L’incompiutezza e la frammentazione delle storie dei titoli FromSoftware è una scelta autoriale che ha rivoluzionato il modo in cui il giocatore interagisce con la storia che sta giocando: non a caso ancora oggi, a distanza di anni, i fan scoprono e ricostruiscono pezzi della trama di titoli come Dark Souls, Bloodborne o Elden Ring, rendendoli storie immortali.

All’interno di questo linguaggio e questa narrazione il femminile non è un dettaglio secondario, ma una struttura portante. Le figure femminili nei titoli di FromSoftware non servono a motivare l’eroe, né a gratificarlo. Sono regine, madri, divinità, custodi, e ognuno di questi ruoli è presentato in modo molto diverso e sovversivo rispetto a come sono resi generalmente.

Analizzare il femminile nella poetica di Miyazaki significa quindi interrogarsi non solo sulla rappresentazione delle donne nei videogiochi, ma anche su come il medium costruisce potere, legittimità e appartenenza.

Il valore dei Souls per la critica videoludica

È proprio in questa stratificazione tematica che i titoli di Miyazaki rivelano il loro valore più profondo per la critica videoludica. Opere come Dark Souls, Bloodborne o Elden Ring non si esauriscono nell’esperienza ludica immediata, ma si aprono continuamente a nuovi livelli di interpretazione: ogni personaggio, ogni rovina, ogni oggetto può diventare il centro di uno speciale. Servirebbero centinaia di approfondimenti per esplorare davvero tutti i temi che attraversano queste opere (potere, maternità, sacrificio, divinità, fallimento, ciclicità, identità) perché sono a tutti gli effetti strutture narrative complesse. La loro forza risiede nella capacità di fondere visione autoriale e interazione, trasformando l’esperienza in qualcosa di simile alla letteratura epica, ma arricchita dall’atto del giocare.

In questo senso, titoli del genere non alimentano soltanto il mercato o la discussione sui social: nutrono la critica. Offrono materia viva per analisi culturali, filosofiche e simboliche, dimostrando che il videogioco può parlare attraverso il proprio linguaggio specifico e generare dialoghi autentici. E quando un gioco continua a produrre significato anni dopo la sua uscita, allora significa che ha superato la soglia dell’intrattenimento per entrare in quella, più rara, dell’opera culturale.