Disney ha pubblicato il nuovo trailer ufficiale di Oceania, l’atteso adattamento live-action del celebre classico d’animazione che ha conquistato il pubblico di tutto il mondo. Il film vede protagonista Catherine Lagaʻaia, giovane attrice australiana scelta per interpretare Vaiana, affiancata da Dwayne Johnson (Jumanji: Benvenuti nella giungla, Black Adam), che torna a vestire i panni del carismatico semidio Maui dopo averne prestato la voce nei film animati.

Il cast comprende inoltre John Tui (Hobbs & Shaw, Young Rock) nel ruolo del capo Tui, il padre protettivo e autorevole di Vaiana; Frankie Adams (The Expanse, Next Goal Wins) nei panni di Sina, la madre forte e determinata della protagonista; e Rena Owen (Once Were Warriors), che interpreta l’amata Nonna Tala, figura centrale nel percorso di crescita della giovane eroina.

Il nuovo trailer

Nell’adattamento live-action dell’acclamata avventura animata candidata all’Oscar, Vaiana risponde al richiamo dell’oceano e, per la prima volta, si spinge oltre la barriera corallina dell’isola di Motunui insieme al famigerato semidio Maui, intraprendendo un viaggio indimenticabile per riportare la prosperità al suo popolo.

Il film è diretto da Thomas Kail, vincitore di un Emmy e di un Tony Award per Hamilton, e prodotto da Dwayne Johnson, Beau Flynn, Dany Garcia, Hiram Garcia e Lin-Manuel Miranda. Tra gli executive producer figurano Scott Sheldon, Charles Newirth, Thomas Kail e Auliʻi Cravalho, che ha prestato la voce a Vaiana nelle versioni originali di Oceania e Oceania 2. Oceania arriverà nelle sale cinematografiche italiane il 19 agosto 2026. Continua a seguirci per rimanere aggiornato sulle prossime novità.

Steven Spielberg torna alla fantascienza e lo fa nel modo che gli riesce meglio: parlando di esseri umani. Da oltre cinquant’anni il regista americano utilizza il contatto con l’ignoto come una lente attraverso cui osservare le nostre paure, le nostre speranze e le nostre contraddizioni. Incontri ravvicinati del terzo tipo raccontava il desiderio di conoscere ciò che non comprendiamo, E.T. la capacità di creare un legame con il diverso, mentre La guerra dei mondi mostrava il lato più spaventoso dell’incontro con l’altro. Disclosure Day raccoglie tutte queste anime e le trasforma in qualcosa di nuovo, un racconto che parla prima di tutto della verità e del peso che essa comporta.

Chi siamo quando crediamo di fare la cosa giusta? Agiamo per il bene collettivo o per sentirci migliori? Sono alcune delle domande che attraversano l’intera pellicola e che accompagnano i protagonisti in ogni scelta, in ogni dubbio e in ogni momento di crisi. Disclosure Day non è semplicemente un film sugli alieni. È un film sulla scoperta, sulla paura delle conseguenze e sul coraggio necessario per affrontarle.

Disclosure Day: non siamo soli

La storia di Disclosure Day prende avvio da una domanda tanto semplice quanto destabilizzante: cosa accadrebbe se il mondo scoprisse definitivamente di non essere solo nell’universo? Sullo sfondo di una crescente tensione internazionale, Margaret Fairchild (Emily Blunt), una meteorologa di Kansas City, e Daniel Kellner (Josh O’Connor) si ritrovano coinvolti in eventi che sembrano collegati a una verità custodita da troppo tempo. Una verità capace di cambiare per sempre il modo in cui l’umanità percepisce sé stessa e il proprio posto nell’universo. Tra informazioni frammentarie, segreti, organizzazioni che operano nell’ombra e scelte difficili da affrontare, i protagonisti intraprendono un percorso che li porterà a interrogarsi non solo su ciò che stanno scoprendo, ma anche sulle conseguenze che tale conoscenza potrebbe avere sul mondo intero. Più che una storia di invasioni o conflitti extraterrestri, Disclosure Day è il racconto di una rivelazione e delle persone chiamate a confrontarsi con il peso della verità.

La narrazione

Spielberg riesce nell’impresa di trasportare lo spettatore in un mondo molto simile al nostro. Le due ore e venticinque minuti scorrono senza cedimenti grazie a una narrazione che alterna continuamente tensione, stupore ed emotività. Ogni dialogo sembra avere un peso preciso, ogni scelta narrativa appare ponderata e nulla viene lasciato realmente al caso. Il regista non rinuncia nemmeno a quei momenti di spettacolo che da sempre caratterizzano la sua filmografia. Le sequenze più adrenaliniche, pur concedendosi alcune scene spettacolari tipicamente hollywoodiane, funzionano proprio perché bilanciano perfettamente la componente emotiva della storia. Il risultato è un film capace di tenere lo spettatore costantemente coinvolto, alternando momenti in cui il cuore accelera ad altri in cui ci si ritrova a riflettere sulle implicazioni morali degli eventi raccontati, spesso portando lo spettatore in crisi. Perché le scelte morali del film, inevitabilmente, ci portano a farci domande su cosa avremmo scelto noi in quella poszione.

E gli alieni? Pur essendo il motore della vicenda, Spielberg sceglie di non renderli una semplice minaccia da affrontare. Al contrario, diventano un punto d’incontro, uno specchio attraverso cui osservare le reazioni dell’umanità. La loro presenza spinge i personaggi a confrontarsi con le proprie convinzioni, le proprie paure e con il peso delle scelte che sono chiamati a compiere.

Volti, dubbi e umanità

Al centro della vicenda troviamo interpretazioni convincenti e ricche di sfumature. Emily Blunt (Oppenheimer, A Quiet Place) offre una prova intensa, riuscendo a trasmettere paura, ansia, ironia e vulnerabilità con sorprendente naturalezza. Il suo personaggio affronta un percorso emotivo complesso che l’attrice riesce a rendere credibile in ogni passaggio, diventando uno dei principali punti di riferimento emotivi della pellicola. Ottimo anche il lavoro di Josh O’Connor (Challengers, The Crown), che costruisce un personaggio determinato ma mai onnisciente. Non possiede tutte le risposte e non comprende pienamente ciò che gli sta accadendo, ma è guidato dalla convinzione che la verità meriti di essere conosciuta. Una caratterizzazione che contribuisce a rendere ancora più forte il conflitto morale al centro del film.

Una menzione speciale merita Eve Hewson (Bad Sisters), il cui personaggio riesce a conquistare lo schermo grazie a una straordinaria espressività. In molti momenti rappresenta il dubbio dello spettatore, la paura, la scoperta e la difficoltà di scegliere. È il volto umano delle domande che Disclosure Day pone continuamente al pubblico. Molto convincente anche Colin Firth (Il discorso del re, Kingsman), che conferisce autorevolezza e profondità a un personaggio chiamato a confrontarsi con questioni che vanno ben oltre la semplice gestione degli eventi. Allo stesso modo Colman Domingo (Sing Sing, Rustin) porta sullo schermo una presenza magnetica, capace di lasciare il segno anche nei modi più contenuti che caratterizzano il suo personaggio.

Il linguaggio della musica e del silenzio

A contribuire all’immersione è un comparto sonoro di altissimo livello, guidato ancora una volta da John Williams. A 94 anni, il compositore firma la sua trentesima collaborazione con Steven Spielberg, un sodalizio che ha regalato al cinema alcune delle colonne sonore più iconiche di sempre, da Lo Squalo a E.T., passando per Jurassic Park e Schindler’s List. Anche in Disclosure Day la musica non si limita ad accompagnare le immagini, ma diventa parte integrante della narrazione. La colonna sonora riesce a trasmettere meraviglia, inquietudine e speranza con un equilibrio degno di nota, accompagnando lo spettatore attraverso le numerose sfumature emotive del racconto. È una di quelle musiche che rimangono impresse anche dopo l’uscita dalla sala e che contribuiscono in maniera decisiva all’identità del film.

Particolarmente interessante è il lavoro svolto da Emily Blunt con i vocalizzi presenti nel corso della pellicola e già intravisti nel materiale promozionale. L’attrice li interpreta personalmente, conferendo alle sequenze un’atmosfera al tempo stesso immersiva e profondamente inquietante. Il risultato è qualcosa che va oltre il semplice effetto sonoro, diventando uno degli elementi più riconoscibili e suggestivi dell’intera esperienza. Tuttavia, Disclosure Day dimostra la propria forza anche quando sceglie di sottrarre anziché aggiungere. I momenti di silenzio vengono utilizzati con grande intelligenza narrativa, amplificando la tensione e lasciando che siano gli sguardi, le espressioni e le emozioni dei personaggi a parlare. Una scelta che rende ancora più efficace il contrasto tra l’intimità della vicenda umana e la portata straordinaria degli eventi raccontati.

Disclosure Day ci convince?

Dal punto di vista tecnico il film si distingue per l’eccellente lavoro di scenografia, make-up e caratterizzazione visiva. Bastano pochi secondi sullo schermo per comprendere il cambiamento fisico ed emotivo attraversato dai personaggi. Ogni dettaglio contribuisce a rafforzare il senso di realismo e a rendere credibile un racconto che, per quanto straordinario, rimane sempre profondamente umano.

Meno convincente, invece, la realizzazione di alcuni animali in CGI, i cui movimenti appaiono talvolta troppo artificiali e finiscono per spezzare momentaneamente l’immersione. Anche alcune spiegazioni legate alle motivazioni che portano determinati eventi a coinvolgere proprio alcuni personaggi risultano meno approfondite del previsto. Tuttavia, il film riesce comunque a chiudere il proprio percorso in maniera soddisfacente, componendo un quadro narrativo coerente e restituendo la sensazione di un cerchio che si completa.

Disclosure Day è probabilmente il miglior Spielberg degli ultimi anni. Un’opera che recupera il senso di meraviglia che ha reso immortale il regista, senza rinunciare alla riflessione e all’umanità che da sempre caratterizzano il suo cinema. Attraverso una narrazione coinvolgente, interpretazioni convincenti e un comparto tecnico di altissimo livello, il film riesce a intrattenere e al tempo stesso a porre domande che continuano a risuonare ben oltre i titoli di coda. Un film che parla di alieni, certo, ma soprattutto di noi. Della nostra paura di conoscere, del peso della verità, della responsabilità che deriva dal possederla e del coraggio necessario per affrontarla. Spielberg costruisce una storia che alterna stupore, tensione ed emozione, ricordandoci che le scoperte più importanti non riguardano sempre ciò che si trova là fuori, ma ciò che rivelano su chi siamo. Perché forse la domanda più importante non è se siamo soli nell’universo. Ma cosa siamo disposti a fare quando scopriamo di non esserlo.

Disney+ invita i fan a vivere un’esperienza unica con Pop Up Inside Disney+, uno spazio immersivo e interattivo che sarà aperto gratuitamente al pubblico dal 12 al 14 giugno a Milano, in Via Tortona 32. L’iniziativa nasce per permettere ai visitatori di scoprire in modo originale alcune delle storie, dei personaggi e dei contenuti più amati presenti sulla piattaforma streaming.

Ispirato alla classica domanda “Cosa guardo stasera?”, il Pop Up Inside Disney+ guiderà gli ospiti attraverso un percorso esperienziale pensato per suggerire nuovi titoli da vedere in base al proprio mood e alle proprie preferenze. Film, serie TV, documentari National Geographic, comedy, thriller, romance e contenuti per tutta la famiglia saranno al centro di un’esperienza personalizzata dedicata agli appassionati di intrattenimento.

L’ingresso al Pop Up Inside Disney+ e la partecipazione a tutte le attività sono completamente gratuiti. Sarà possibile accedere semplicemente mettendosi in coda oppure tramite prenotazione a questo link, fino a esaurimento posti.

Quando vivere l’esperienza

• Venerdì 12 giugno dalle 14.00 alle 22.00
• Sabato 13 giugno dalle 10.00 alle 22.00
• Domenica 14 giugno dalle 10.00 alle 22.00

Cartoons on the Bay è il festival internazionale dedicato all’animazione, ai media per ragazzi e al transmedia promosso da Rai e organizzato da Rai Com. Ogni anno richiama in Italia alcuni tra i più interessanti autori, artisti e professionisti del settore, offrendo un’occasione unica per incontrare le voci che stanno contribuendo a ridefinire il linguaggio dell’animazione contemporanea.

Tra gli ospiti dell’edizione 2026 c’era anche Jack Fanburg, filmmaker, animatore e sceneggiatore statunitense, creatore della serie indipendente Trouble in Paradise. Fanburg appare come un artista sui generis: difficile da incasellare, imprevedibile nei modi e sorprendentemente autentico. Durante una conversazione può apparire quasi impacciato, come se stesse inseguendo i propri pensieri un passo alla volta, lasciandosi guidare più dall’istinto che da un discorso preparato. Ma è proprio dietro questa spontaneità che emerge la sua caratteristica più interessante. Fanburg non ostenta la propria sensibilità; anzi, sembra quasi nasconderla dietro l’umorismo, l’autoironia e l’assurdità delle sue storie. Eppure basta osservare più da vicino il suo lavoro per coglierne la profondità. Le sue animazioni sono attraversate da temi come la dipendenza, la fragilità umana, la ricerca di sé e il bisogno di trovare una via d’uscita dai momenti più bui. È lì che affiora tutta la delicatezza del suo sguardo e la dolcezza di un autore che ha trasformato esperienze personali difficili in racconti capaci di far sorridere, commuovere e riflettere allo stesso tempo.

A Cartoons on the Bay ha presentato The Duke of Sorenburgh, uno degli episodi più ambiziosi di Trouble in Paradise, serie animata che segue le avventure di Mike Peacockski, un improbabile pavone alle prese con criminali, viaggi surreali e, soprattutto, i propri demoni interiori. Durante la nostra conversazione abbiamo parlato della nascita del progetto, del suo peculiare processo creativo, del rapporto tra animazione e intelligenza artificiale e di come la sua esperienza personale con l’alcolismo abbia influenzato il modo in cui racconta storie. Ne è nato un dialogo sincero che, proprio come le sue opere, alterna comicità, assurdo e riflessioni profondamente umane.

Let’s start with The Duke of Sorenburgh. For readers who may not be familiar with it, how would you describe the project in a few words?

Jack Fanburg: Dark comedy. To give you a better idea, it’s the story of a peacock fighting his inner demons. I usually describe it as BoJack Horseman meets Archer. It’s an adult animated series with a lot of humor, but it also explores addiction, recovery, and personal struggles. The project actually started while I was studying at the University of California. For my thesis, every student had to pitch an idea, and the selected projects would be produced by different teams. My original vision was a live-action story set in Brooklyn. I wanted to play with the contrast between larger-than-life characters representing sins and a more grounded environment.

At first, the team assigned to my project didn’t really connect with the tone or the sense of humor I had in mind. Eventually, I decided to build a different team and produce it independently. It was during Covid, and animation turned out to be the perfect medium for making it happen. After the first project was completed, it just kept growing. It developed a life of its own. Today we’re producing Season Five, with around thirty episodes completed so far. I’m hoping we can eventually find distribution in Italy because the response here has been incredibly encouraging.

A major part of the series also focuses on addiction. Mike Peacock struggles with alcoholism, and one of the themes we explore is how people often use alcohol to cope with pain, only to find themselves trapped by it. The core message is that the only way out is through, you have to face it.

Can you tell us a bit about your writing process? Do you usually start with the character, or do you begin with the message you want to tell?

Jack Fanburg: My writing process is actually pretty unusual. I don’t have a giant whiteboard covered in notes or a traditional system. I’m very ADHD, so ideas tend to come from random moments in life. For example, one episode began when I was drinking a martini in a famous hotel in London that Hemingway used to visit. I remember looking at the drink and thinking, What if this martini came alive and became a portal to another world? That single image sparked an entire storyline.

Most of the time I spend a lot of time thinking before I write anything down. I’ll walk around, observe people, imagine scenes, and let ideas connect naturally. Once I can see the whole story in my head, that’s when I start writing. Something else I’ve noticed is that writer’s block often comes from problems I created myself earlier in the story. Sometimes I’ll realize I never explained something or left a loose end unresolved. Then suddenly the solution appears, and that solution becomes a new story opportunity.

Was there a moment during production when the project evolved in an unexpected way?

Jack Fanburg: Absolutely. I think obstacles are often what create the best opportunities. Animation is unique because literally anything is possible. That’s exciting, but it also means you have to define every rule of your world. If you don’t tell the audience, or your animators, how the world works, nobody knows.

I remember there was a point in the series where Mike Peacocksi was wearing an ankle monitor. Later on, I completely forgot about it. Then, seasons later, I found myself writing a scene where characters were trying to locate him. Suddenly I remembered: Wait, he has a tracking device. What started as a forgotten detail became the solution to an entirely different story problem.

That kind of thing happens all the time. I also draw a lot of inspiration from classic literature. One episode is called Peacock’s Odyssey, which is directly inspired by Homer’s Odyssey. There are references to Cyclopes, sirens, and the classic hero’s journey throughout the episode.

You’ve spoken openly about alcoholism and addiction. How do you balance entertainment with such serious themes?

Jack Fanburg: It’s personal for me. A lot of people can enjoy alcohol casually, but for me it was different. The truth is that being here today is directly connected to getting sober. If I hadn’t stopped drinking, I probably wouldn’t be here. I might not even be alive.

So when I write about addiction, I’m writing from experience. I never want it to feel preachy, but I also don’t want to avoid the reality of it. Humor helps people engage with difficult subjects, and animation gives you a unique way to explore those ideas.

Animation is evolving rapidly, both creatively and technologically. What development interests you the most?

Jack Fanburg: Probably AI, and that’s not the answer people usually expect. The reason isn’t because I love AI. Actually, I don’t. What concerns me isn’t even the conversation about jobs being replaced. Technology has always changed industries.

What worries me more is how people consume entertainment today. Everything is happening through phones and endless scrolling. The entertainment landscape has become incredibly competitive and centralized. It’s difficult for independent creators to get noticed.

What gives me hope, though, is that I see more people wanting real experiences again. Younger generations are increasingly looking for ways to disconnect from their phones and reconnect with the world around them.

I know people who deliberately use flip phones. I know people who put their devices away during trips and navigate with physical maps. Those experiences are becoming valuable again. I hope that trend extends to entertainment as well going to theaters, attending festivals, and experiencing stories together instead of alone on a screen.

Which artists or writers have influenced you the most?

Jack Fanburg: I grew up loving The Simpsons. What I admire about it is that it’s funny on multiple levels. Anyone can enjoy it, but if you’re paying close attention, there are layers of intelligence underneath the jokes.

Oddly enough, some of my biggest motivation also came from watching shows that I thought could have been better. I would watch something on television and think, If this got made, maybe I can do this too. Maybe I can create something even stronger. That feeling pushed me to start writing seriously and to believe I could build my own projects.

One last question: what do you hope viewers take away from your work?

Jack Fanburg: I’m a huge believer in escapism. When I was struggling with addiction and alcoholism, entertainment helped me survive some very dark periods. Watching a show, a movie, or an animated series gave me a temporary escape from everything I was dealing with. That’s why I believe entertainment has value simply as entertainment.

Life constantly throws challenges at us. If something I create can help someone forget their problems for ten minutes, make them laugh, or give them a break from whatever they’re carrying, then I feel like I’ve accomplished something meaningful.

Dietro l’estetica fiabesca di Bye Sweet Carole e il percorso professionale che ha portato Chris Darril a diventare uno degli autori italiani più riconoscibili del panorama videoludico contemporaneo, si nasconde una riflessione profondamente personale. Quella di un artista che utilizza il videogioco non soltanto per raccontare una storia, ma per elaborare ricordi, emozioni e domande che appartengono alla sua esperienza più intima.

Dopo il successo della serie Remothered, il fondatore di Little Sewing Machine ha intrapreso una nuova strada con Bye Sweet Carole, un’opera che intreccia l’immaginario dell’animazione classica con temi come il lutto, l’identità e l’emancipazione femminile. Un progetto che ha attirato l’attenzione della critica internazionale, diventando il primo videogioco italiano candidato agli Annie Awards e ottenendo importanti riconoscimenti, tra cui un Webby Awards e, più recentemente, il Diversity Award assegnato durante Cartoons on the Bay 2026, il festival internazionale promosso da Rai e dedicato all’animazione, ai videogiochi e alle nuove forme di narrazione audiovisiva.

Lo abbiamo incontrato proprio in occasione di questo festival per parlare di ciò che si nasconde dietro il suo ultimo lavoro: non solo influenze artistiche e scelte narrative, ma anche il legame con sua madre, il valore della memoria e la convinzione che i videogiochi possano raccontare temi complessi con la stessa forza di una fiaba.

Hai appena ricevuto il Diversity Award, un riconoscimento importante che premia non solo il gioco, ma anche i temi che affronta. Sul palco hai parlato di inclusione, rappresentazione e diritti. In Bye Sweet Carole tocchi argomenti profondi e delicati, ma lo fai attraverso il linguaggio della fiaba. Da dove nasce questa scelta?

Chris Darril:  Le motivazioni sono tante. Sicuramente il lutto mi ha portato a vedere le cose da un’altra angolazione, e questo è stato il primo punto di partenza. Quando ti ritrovi svuotato emotivamente, quando senti di aver perso ispirazione e persino la voglia di fare qualcosa, inizi a guardarti dentro in modo diverso. Io mi sono chiesto: va bene, fisicamente una persona non c’è più, ma cosa ha lasciato? Cosa è riuscita a tramandare? Qual è la sua vera eredità?

In quel periodo della mia vita ero molto cinico, deluso, abbattuto. E proprio per questo ho sentito il bisogno di fare un percorso all’inverso, di recuperare il bambino che era dentro di me. Ho iniziato a ripensare a tutti quei ricordi che mi legavano a mia madre e che per me rimarranno eterni finché avrò memoria.

Uno dei ricordi più importanti è quello in cui andai  per la prima volta al cinema con mia madre. Andammo a vedere La Bella e la Bestia, che ancora oggi considero un film fondamentale nella mia vita. È stato il film che mi ha aperto le porte del cinema, dell’animazione e, indirettamente, persino dei videogiochi. Mi sono reso conto che non esisteva modo migliore per onorare quel ricordo se non recuperare quegli elementi che avevano contribuito a formare la mia immaginazione e trasformarli in qualcosa di nuovo.

Molti degli ingredienti che oggi si ritrovano in Bye Sweet Carole arrivano esattamente da lì.

La tematica femminile, invece, nasce da un ricordo diverso. Da bambino guardavo Mary Poppins e vedevo la signora Banks con quella fascia che portava sul petto. Non avendo riferimenti, ero convinto fosse una specie di fascia da concorso di bellezza. Fu mia madre a spiegarmi che quelle erano le suffragette, donne che stavano lottando per i propri diritti.

Ricordo che mi colpì moltissimo. Era una tematica a cui lei teneva profondamente e che mi trasmise con naturalezza. Per questo, in un certo senso, Bye Sweet Carole è stato anche un modo per rendere omaggio a quella parte di lei. Oggi siamo riusciti, almeno in parte, a costruire una società più inclusiva. Ci sono ancora tantissimi problemi, naturalmente, ma rispetto al passato sono stati fatti dei passi avanti. Tuttavia, esistono ancora Paesi in cui le donne non hanno realmente voce.

Per questo nel finale del gioco Anna compie un gesto molto preciso: scioglie i capelli e si toglie il fiocco. Quel fiocco rappresenta la sua fragilità, ma anche tutto ciò che la definisce agli occhi degli altri. Quando lo perde diventa vulnerabile; quando decide di abbandonarlo consapevolmente, invece, sceglie chi vuole essere. È anche un riferimento alle donne iraniane che negli ultimi anni hanno combattuto per i propri diritti. Per un periodo se ne parlava continuamente nei telegiornali; oggi molto meno, ma la loro battaglia continua. Volevo che quel messaggio rimanesse lì, anche se in modo delicato e mai didascalico.

Pensi che sia possibile anche per altri sviluppatori affrontare argomenti simili attraverso i videogiochi??

Chris Darril:  Assolutamente sì, credo sia importante. Secondo me uno degli errori che molti autori commettono è cercare di realizzare un gioco esclusivamente per colpire il pubblico o inseguire una tendenza. Quando fai questo rischi di perdere la tua integrità e la tua ispirazione.

Io credo invece che si possa creare un’opera capace di raggiungere il pubblico e allo stesso tempo raccontare qualcosa che ci appartiene davvero. Anche per me è stata una sorpresa vedere la risposta positiva che Bye Sweet Carole ha ricevuto, pur sapendo che la formula poteva funzionare. Ma non ho mai costruito il gioco partendo dal desiderio di lanciare un messaggio politico o sociale in maniera aggressiva. Ho preferito raccontare una storia.

All’interno di quella storia, però, ci sono molti esempi diversi di femminilità.

C’è Carole, una donna colta, intelligente, curiosa, che rappresenta una figura forte e indipendente. C’è Anna, che è la ragazza disadattata, quella che non si sente mai davvero nel posto giusto. C’è Amanda, che non corrisponde agli standard di bellezza tradizionali. Ci sono le altre ragazze dell’orfanotrofio, ognuna con la propria personalità. Volevo creare un cast femminile variegato, fatto di persone diverse tra loro, perché la realtà è fatta di persone diverse tra loro. Alla fine del gioco molte di queste ragazze comprendono che il loro vero potere non risiede nell’essere tutte uguali, ma nella capacità di collaborare e sostenersi a vicenda. È una cosa a cui tengo molto.

Il gioco è ambientato in un periodo storico in cui il ruolo delle donne era fortemente limitato. Per te quanto era importante rappresentare quella struttura patriarcale?

Chris Darril:  Era essenziale. L’introduzione del gioco nasce proprio da questo concetto. Anna vive una profonda solitudine. Non si sente davvero una persona completa, quasi come se fosse invisibile. In quel contesto storico il futuro di una ragazza era spesso già deciso. Le possibilità erano estremamente limitate e il valore di una donna veniva misurato quasi esclusivamente in relazione al ruolo che avrebbe ricoperto all’interno della famiglia o della società. Per questo all’inizio la vediamo in una scuola dove si studiano etichetta, comportamento, cucina e tutto ciò che una giovane donna dell’epoca avrebbe dovuto imparare.

Attenzione: non c’è nulla di sbagliato nello studiare queste cose. Il problema nasce quando diventano le uniche opportunità disponibili. Io credo che tutti debbano avere le stesse possibilità e che le persone debbano essere giudicate per le proprie capacità, non per il fatto di essere uomini o donne, bianchi o neri. Anche alcuni personaggi del gioco rappresentano proprio quella mentalità. Penso alla figura dell’uomo d’affari, dell’autorità che misura tutto in termini di produttività e risultato.

Mi viene sempre in mente Fantine de I Miserabili, allontanata dal lavoro a causa della sua condizione di madre non sposata.. È un esempio che mi ha sempre colpito molto perché mostra fino a che punto una società possa arrivare a disumanizzare una persona. Chi prende quella decisione probabilmente ha una madre, una moglie, delle figlie. Eppure, davanti a lui Fantine non è più una persona: diventa semplicemente un numero. Questa è esattamente la mentalità che volevo raccontare.

Abbiamo parlato di come i videogiochi possano raccontare le donne. Ma c’è anche il tema di come le donne vivono i videogiochi. Ancora oggi molte giocatrici preferiscono non rivelare il proprio genere online per evitare commenti o comportamenti ostili. Cosa ne pensi?

Chris Darril: È una realtà che spesso viene sottovalutata. È assurdo, perché significa non poter vivere un’esperienza nel modo in cui dovrebbe essere vissuta. Il videogioco dovrebbe essere un luogo di condivisione e divertimento. Se una persona sente il bisogno di nascondersi per evitare molestie o commenti offensivi, allora c’è chiaramente un problema culturale da affrontare. Per questo credo che sia importante parlarne. Non perché ogni videogioco debba trasformarsi in un manifesto, ma perché il medium ha la capacità di raccontare realtà diverse e di aiutare le persone a comprendere esperienze che magari non hanno vissuto direttamente.

Per molti anni, nei videogiochi come nelle fiabe, le protagoniste femminili sono state spesso figure da salvare. Lana invece è diversa: prende decisioni, sbaglia e costruisce il proprio percorso. Quanto era importante per te allontanarti dall’archetipo “damsel in distress”?

Chris Darril:  Molto, infatti Lana deve salvare sé stessa. Per molti anni nei videogiochi il personaggio femminile è stato raccontato come qualcuno da salvare. È una figura che appartiene alla storia del medium e che ha avuto un ruolo importante, ma io volevo qualcosa di diverso.

Volevo una protagonista che affrontasse il proprio percorso, che crescesse attraverso le difficoltà e che trovasse dentro di sé la forza necessaria per andare avanti. Anna non aspetta l’arrivo di qualcuno che risolva i suoi problemi. È lei a prendere decisioni, a commettere errori, a rialzarsi e a costruire il proprio cammino.

Anche il vostro team di sviluppo è composto in larga parte da donne. È stata una scelta precisa?

Chris Darril: No, e la cosa divertente è che me ne sono accorto quasi per caso. Fu il nostro produttore, Luigi, a farmelo notare. A un certo punto mi disse: “Ti rendi conto che circa il settanta per cento del team è composto da donne?”. Io sinceramente non ci avevo mai pensato.

Abbiamo ricevuto moltissime candidature, da animatori, artisti e professionisti provenienti da percorsi molto diversi. Durante i colloqui ho semplicemente cercato le persone che ritenevo più adatte al progetto. Per me contano la professionalità, le competenze, la disponibilità a collaborare e il modo in cui una persona si relaziona agli altri. Le persone che abbiamo selezionato erano quelle che ci hanno dato le migliori impressioni sia dal punto di vista umano sia da quello professionale. Se fossero stati tutti uomini o tutte donne non avrebbe fatto alcuna differenza. È semplicemente andata così.

Visto che siamo a Cartoons on the Bay, qual è stato il cartone animato più importante per la tua crescita personale?

La Bella e la Bestia. Sempre e comunque. Come ti dicevo prima, solo il ricordo di quella volta al cinema da piccolo è importantissimo per me. 

Siamo a Pescara, c’è il sole, un leggero vento soffia sulla pelle. Cartoons On The Bay 2026, il festival internazionale dedicato all’animazione, al transmedia e ai contenuti per ragazzi organizzato da Rai Com, è appena cominciato e si sente un’ottima vibrazione nell’aria. Di fronte a me siede Don Daglow. Sorride, stringe mani, si concede con disponibilità a chiunque gli rivolga una domanda. Eppure, dietro quella gentilezza disarmante, si nasconde uno dei nomi più importanti della storia del videogioco. Attivo nell’industria fin dagli anni Settanta, Daglow è considerato uno dei pionieri del game design moderno e della narrazione interattiva. Fu uno dei cinque sviluppatori originali di Intellivision durante la storica rivalità tra Atari, Mattel e Coleco, la prima grande “Console War” dell’industria videoludica, un’espressione che fu lui stesso a coniare negli anni Ottanta. Nel corso della sua carriera ha contribuito allo sviluppo di opere fondamentali per l’evoluzione del medium, tra cui Neverwinter Nights, uno dei primi MMORPG della storia, ed è stato tra i primi professionisti a intuire il potenziale dei mondi online e delle nuove tecnologie applicate all’intrattenimento interattivo.

Autore, designer, produttore e docente, continua ancora oggi a interrogarsi sul rapporto tra tecnologia, creatività ed emozioni: temi che hanno accompagnato oltre cinquant’anni della sua carriera e che emergono con forza anche nella conversazione che segue. Di seguito l’intervista che ci ha concesso in occasione del conferimento del Career Award 2026 di Cartoons on the Bay.

Vgmag.it – I’d like to start from the beginning of your career. You witnessed the birth of modern game design almost firsthand. When did you realize video games could become a true storytelling medium?

Don Daglow – It’s funny because I was training to become a writer and a playwright when I first encountered a computer. One of the first games I ever saw printed out a script for a Star Trek adventure. The structure was exactly like a theatre or television script. It described a battle between the Enterprise and a Romulan or Klingon ship, then asked the player what to do next. Depending on that choice, the story changed. That was a revelation. I remember thinking: “this is interactive theatre”.

For someone coming from a theatrical background, the idea that a computer could alter a story based on the audience’s actions felt extraordinary. I went around my dormitory telling everyone that this was the future. Most people politely nodded and moved on. I genuinely believed it. At the time I wasn’t interested in graphics. I was interested in words. Writing was my craft. Visuals came later, as technology evolved. What fascinated me from the beginning was the possibility of turning storytelling into an interactive experience.

Over the decades, games have evolved from simple mechanics to emotionally complex experiences. What do you think has been the most transformative change for the industry?

There are probably two sides to that answer.

Even when I was working on the earliest games, I was always trying to create emotion. That mindset came from a mentor of mine in college. During my final two years, I met with him once a week for intensive one-on-one sessions, and I was incredibly fortunate to learn from such a wonderful professor. One day he told me something I’ve never forgotten. He said, “Sharing ideas is nice. People may think an idea is interesting. They may remember it on Monday, or they may not. But if you create a real emotion in your audience, they’ll remember it. And if you truly touch them as people, they won’t be able to stop remembering that moment”.

That lesson stayed with me throughout my entire career. Emotions are retained whether we want them to be or not. Words are easily discarded. He was also careful to distinguish genuine emotion from manufactured emotion. In America we have soap operas; in Spanish-speaking countries there are telenovelas. Something dramatic is always happening, someone is always betraying someone else, and the story constantly escalates. That’s not necessarily real emotion. But if you genuinely move someone, if you touch them in a way that feels authentic, that’s art. That’s the moment when what we’re doing stops being just entertainment and becomes art. I’ve carried that idea with me in every game I’ve worked on.

Before we started the interview, we were talking about Neverwinter Nights. When you worked on that game, did you already imagine that online worlds would become such an important part of people’s lives and relationships?

A small group of us believed something important was happening as early as the late 1980s. I was fortunate because, in 1986, a friend working for an online company sat me down and told me: “This is real. Pay attention.” The technology was still primitive, but I took him seriously. When opportunities appeared, I chose to work in that space. It also helped that some of the underlying technology wasn’t entirely new to me. Back in college, in the early 1970s, we were already connecting users to large computer systems in similar ways.

Did I imagine online worlds would become what they are today? Not even in my wildest dreams.

We used to speculate about the future. We’d say, “Maybe someday experiences like this could become as significant as television.” We imagined growth, but nothing remotely close to the scale we see now. What I did believe was that online interaction was going to become increasingly important. I never doubted that. So when online gaming and virtual communities started growing rapidly, I felt a certain sense of relief. I could finally say, “Okay, this time I wasn’t wrong about the future.” Because, believe me, sometimes my predictions turn out to be completely wrong. This time, fortunately, I got it right.

Today technology is evolving incredibly fast. With AI increasingly entering the creative space, does this moment remind you of any previous revolution you’ve witnessed in gaming history?

I like the way you phrase it: “the AI invasion”.  In some ways, the AI revolution is completely unique. In other ways, it reminds me very strongly of moments we’ve already experienced. One of the best comparisons is the transition from 2D to 3D development in the early 1990s. As computers became more powerful and games moved from floppy disks to CDs, we suddenly had the technology to build true 3D worlds rather than creating the illusion of depth with 2D art. Publishers immediately became obsessed with it. They started telling developers, “We want 3D games. We don’t want those old 2D games anymore.”

Of course, thirty-five years later, we know that wasn’t true at all. We still have fantastic 2D games and fantastic 3D games. The smart decision was embracing a new technology. The mistake was assuming everything that came before had become obsolete. At the time I was managing a team of about thirty-five artists. We understood that publishers wanted 3D projects, so we made a conscious decision to help everyone adapt. We created internal training programs and encouraged every artist on the team to learn 3D tools. We even dedicated company time to it because we wanted to make sure people had the opportunity to grow rather than being too busy to learn. Some people insisted that certain artists would never be able to make the transition.

One of our artists was a well-known landscape painter. Wherever I travelled, someone would tell me that one of his paintings was hanging in the lobby of a major company or public building. He was also a sculptor, and he used to create physical models that we could use as references for our digital work. He became one of our best 3D modelers. The reason was simple: he was an exceptional artist.

The tools changed. The talent didn’t. That’s what this moment with AI reminds me of. Whenever a new technology arrives, people immediately start saying: “This is the future. Everybody has to do this. You don’t need the old skills anymore.” I don’t think that’s going to be the case. AI can be remarkably powerful. I’ve experimented with it myself and I’ve seen what it can do. But when you start removing artists and creators from the creative process, what you mostly get are variations of things that already exist. Creative people are the ones who imagine things that don’t already exist. Perhaps that will change over time. Technology always evolves. But right now, that’s still the fundamental difference. What’s interesting is that this debate hasn’t really gone away. Just this morning, judging the awards here at Cartoons on the Bay, we found ourselves comparing 2D works and 3D works side by side. Thirty-five years later, we’re still having versions of the same conversation.

Still speaking about art and creativity, how difficult has it been throughout your career to balance artistic vision with commercial expectations?

 That’s a very real challenge. My own view is that artists create because they can’t help creating. When we’re doing the work, we’re usually not thinking, “I’m making art”. We’re thinking, “I want this to matter”. We want to create something that fascinates people, delights them, surprises them and leaves a lasting impression. What matters most is reaching the audience and creating a meaningful emotional connection.

In many ways, it’s the same thing you’re doing with an interview. You’re trying to create something worthwhile for your readers. Whether you’re a writer, musician, filmmaker, game designer or journalist, the goal is remarkably similar: connecting with people. Then there’s another layer. At some point, we have to think about publishers, budgets and commercial realities. Fortunately, the best publishers want many of the same things creators want: they want audiences to love the experience. The real conflicts usually aren’t creative conflicts. They’re budget conflicts. Creators always want to add more. Publishers usually want to spend less. That’s where the tension lives. But underneath it all, both sides are still trying to reach the audience.

After so many years in the industry, what still surprises you about video games today?

The speed with which AI entered public conversation genuinely surprised me. We’ve had forms of AI in games for decades. I was writing AI opponents in the early 1970s. But large language models arrived and, almost overnight, they became the center of every conversation. At the same time, many of the fundamentals of game design haven’t changed. I’m currently working on a small project with a four-person team. Two of us have spent years refining the game, trying to answer one question before anything else: is it fun?

Only after we felt confident about that did we start bringing artists into the process. I’ve always believed that understanding your audience is one of the most important parts of design. If you try to make a game for everyone, you risk making a game for no one. When I teach designers, I ask them to picture the people who will play their game. Who are they? What do they do? What are they passionate about? Why would they love this experience? Then I ask them to go further and write those people a backstory.

Many students complain that it’s a lot of work. My answer is simple: if you want to be a professional designer, this is part of the job. As writers, we do the same thing with characters. We don’t only write what appears on the page; we create entire histories and motivations behind the scenes. That deeper understanding allows stories to work.What surprised me later was discovering that marketers are taught almost exactly the same process. They are also trained to imagine specific people using a product, understanding their lives and their motivations. In the end, both disciplines begin with the same question: who are we trying to reach?

If you could give one piece of advice to the next generation of game creators, what would it be?

I always struggle with that question because there are so many possible answers. The first thing I’d say is simple: if this is your passion, keep doing it. Whether you make money from it or not, if creating games is what you genuinely love, don’t let anyone discourage you. If it’s something you care deeply about, it’s worth pursuing. From a craft perspective, there’s another lesson I’ve learned over the years.

Don’t make it big and don’t make it pretty until you’ve found the fun. Making games bigger costs money. Making them visually spectacular costs money. If the game isn’t fun, none of that matters. We’ve seen projects spend hundreds of millions of dollars only to fail because the core experience wasn’t enjoyable. Find the fun first. Everything else comes later.

Last question, a little off-topic given where we are today. Since we’re at Cartoons on the Bay, what’s your favourite animated cartoon of all time?

That’s a difficult one. I grew up watching many great animators, from Tex Avery to Disney, but if I had to choose, I’d probably go with the Bugs Bunny cartoons from the Chuck Jones era. Those were the cartoons I grew up with and the ones that stayed with me the most. Those characters were a huge part of my childhood. Mel Blanc’s voice performances were incredible. I always wished I could do voices like that. As a kid, I wanted to be able to do all those voices myself. Later, when I worked as a school teacher, I actually had the chance to try. But yes, if I have to choose, those cartoons are still my favourites.

Gli Oasis stanno per tornare protagonisti sul grande schermo con un nuovo documentario dedicato alla storica band britannica. Disney, Magna Studios e Sony Music Vision hanno infatti annunciato il progetto, presentato da Disney+, che arriverà nelle sale IMAX e in alcuni cinema selezionati di tutto il mondo a partire dall’11 settembre, prima di debuttare entro la fine dell’anno in streaming in esclusiva sulla piattaforma.

Il documentario, ancora senza titolo ufficiale, è stato ideato da Steven Knight, candidato ai BAFTA e agli Oscar e già creatore di Peaky Blinders, mentre la regia è affidata a Dylan Southern e Will Lovelace, già noti per documentari musicali come Shut Up and Play the Hits e Meet Me in the Bathroom. Per tutti noi che continuiamo ad amare la musica della band dei fratelli Gallagher, potrebbe essere l’occasione perfetta per rivivere una delle epoche più iconiche del britpop.

Cosa aspettarci dal documentario

Il documentario racconta il trionfale tour di reunion di Liam e Noel Gallagher, “Oasis Live ’25”, uno dei ritorni rock ‘n’ roll più attesi dei nostri tempi. Il film è un resoconto esaltante di quello che è, senza dubbio, il più grande evento musicale del 2025, che cattura l’esperienza e le emozioni della band e dei suoi fan in tutto il mondo. La prospettiva unica include l’accesso alle prove, al backstage e al palco, oltre alle prime interviste congiunte di Noel e Liam da più di 25 anni. Accanto al tour mondiale tutto esaurito della band, il film esplora anche il profondo impatto emotivo di questo fenomenale momento culturale globale e ciò che la loro musica significa per il pubblico e le generazioni di tutto il mondo.

Steven Knight ha commentato: “Non vedo davvero l’ora che il mondo guardi questo film. Credo che riesca a cogliere lo spirito e l’emozione di un momento culturale globale e che renda giustizia all’arguzia e alla genialità di due persone eccezionali. Volevo raccontare la storia dei fratelli e della band, ma, cosa altrettanto importante, la storia dei fan le cui vite sono state toccate dalla loro musica e, a volte, cambiate per sempre. È anche la storia di come la musica e il cantautorato possano unire generazioni, culture, paesi e, in un’epoca di rancore e divisione, dare a tutti un motivo per sperare”.

La produzione

Con un accesso senza precedenti e immagini mai viste prima, il film è una produzione di magna studios, presentata da Sony Music Vision in collaborazione con Sony Music Entertainment UK. Sam Bridger (Lewis Capaldi: How I’m Feeling Now, New York: la rinascita del rock and roll) e Guy Heeley (Peaky Blinders: The Immortal Man). A guidare il team creativo e tecnico ci sono anche i sound mixer premiati agli Oscar James Mather (Top Gun: Maverick, Belfast) e Tarn Willers (La zona d’interesse), insieme al direttore della fotografia Haris Zambarloukos (Belfast, Beetlejuice Beetlejuice).

Per chi è cresciuto con la musica degli Oasis, sarà anche l’occasione perfetta per rivivere un pezzo di storia del britpop e tornare, almeno per qualche ora, nell’atmosfera che ha reso la band dei fratelli Gallagher un simbolo generazionale. Il documentario arriverà l’11 settembre nei cinema IMAX e nelle sale di tutto il mondo con distribuzione esclusiva Disney+, per poi approdare entro la fine dell’anno in streaming sulla piattaforma.

C’è sempre un rischio enorme quando si torna su un cult. Non è solo una questione di aspettative: è una questione di memoria collettiva. Il diavolo veste Prada non è stato semplicemente un film, ma un momento importante nella cultura pop, un immaginario condiviso fatto di battute iconiche, sguardi ricchi di significato e abiti che raccontavano molto più delle parole. Per questo motivo, l’annuncio di un sequel, soprattutto considerando la storica riluttanza di Meryl Streep verso i seguiti, non poteva che generare entusiasmo e timore allo stesso tempo.

Eppure, Il Diavolo Veste Prada 2 riesce là dove molti falliscono. Perché non tenta di replicare il passato, ma lo rielabora. Lo osserva con lucidità, lo mette in discussione e, soprattutto, lo fa crescere.

Il Diavolo Veste Prada il ritorno: nostalgia, sì, ma consapevole

Dopo vent’anni di silenzio, anzi, di eco lasciato dal cult, il film entra nella nostra nostalgia con delicatezza, senza mai abusarne davvero. Certo, il primo atto indulge in qualche momento “self-referential” quasi dichiarato: citazioni, richiami e dinamiche che cercano di ricreare quella familiarità che ricordiamo bene. Ma lo fa con un senso: torniamo a rivestire i panni (firmati) di Runway dopo molti anni, è importante controllare che ci stiano ancora bene. Motivo per il quale il sequel ci tiene per mano nei primi momenti cercando di mostrarci quanto è cambiato l’universo de Il Diavolo Veste Prada negli anni. Le facce sono le stesse, ma i ruoli cambiano. La domanda principale è, infatti: come torniamo in quel mondo, dopo che Andy aveva lasciato quella strada per seguire l’amore e la crescita personale?

Perché sì, c’è bisogno di un motivo per far ritrovare questi personaggi dopo vent’anni. Il film lo trova in una serie di imprevisti, più che in una scelta forzata. Il risultato è di una reunion quasi inevitabile. E questo è il primo segnale di maturità narrativa che ci regala il sequel. Quando però la storia smette di spiegarsi e inizia a scorrere, tutto cambia.

Runway è in pericolo: il cuore del conflitto

Il mondo di Runway non è più intoccabile. Anzi, è fragile. Il film introduce un elemento fondamentale: la crisi. Non solo economica, ma identitaria. Il sistema editoriale, il giornalismo di moda, la creatività stessa sono messi in discussione da un presente che corre veloce, tra digitalizzazione, perdita di autorevolezza e un sottotesto, neanche troppo velato, di critica verso l’intelligenza artificiale e la standardizzazione creativa. Runway rischia di cambiare strada, eliminando anni e anni di lavoro che ha portato la rivista a essere un’istituzione nel mondo della moda.

Il punto più interessante del film è come si concentra sulla missione per salvare il futuro della rivista. Tra tensioni personali, buona volontà e quel sopracciglio alzato, il film entra a passo teso su quello che è forse un ritratto perfetto del mondo del lavoro. Abbiamo amicizia, amore, senso di protezione, sì, ma abbiamo anche l’altro lato della medaglia. Gente sleale, valori che non contano più niente, colleghi con cui passi una vita pronti a prendere il tuo posto. Quello che il sequel ci regala è questo: uno spaccato di verità addolcito da battute, vestiti pazzeschi e sorrisi.

I personaggi: fedeli e completi

Ritroviamo personaggi storici che ogni fan conosce a fondo ma che il tempo ha inevitabilmente trasformato. Andy Sachs (Anne Hathaway) è pronta a conquistare definitivamente il mondo del giornalismo. Non è più in fuga da qualcosa, ma diretta verso una costruzione personale, in piena ascesa verso quello che crede sarà il suo futuro. Ha trovato una voce, e soprattutto ha smesso di giustificarsi per le proprie ambizioni! Miranda Priestly resta… Miranda. Ma sarebbe riduttivo fermarsi qui. Autentica. Forte. Intransigente. Eppure, questa volta, il suo sguardo è diverso. Non è più solo controllo, forse c’è anche della consapevolezza. È una donna che sembra finalmente intenzionata a prendersi il ruolo che le è sempre spettato e per cui ha lavorato anni, inconsapevole dell’uragano che sta per colpire il suo mondo.

Emily (Emily Blunt) sorprende più di tutti. È forse il personaggio che cresce maggiormente, uscendo dall’ombra della comicità per entrare in una dimensione più complessa, più emotiva ma anche più imprevedibile. E poi c’è Nigel (Stanley Tucci), il re silenzioso del dietro le quinte. Il suo ritorno è uno dei più riusciti: rappresenta ancora quella dedizione assoluta al lavoro creativo, ma con una malinconia sottile che aggiunge peso a ogni scena, proprio come nel primo film. Nigel rappresenta quella fetta di realtà che viene troppo spesso dimenticata, ovvero il lavoro che c’è dietro ogni rivista, ogni personaggio, ogni vittoria. Quel lavoro che non prevede riconoscenza, ma che è il pilastro di molti successi.

L’elemento principale che tiene insieme tutto è la bravura del cast. Il film gira intorno alle attrici (e a Stanley) con una naturalezza disarmante. Non ci sono forzature o momenti poco realistici. Siamo catapultati di nuovo dentro Runway: basta uno sguardo di Meryl Streep, una pausa di Anne Hathaway o una battuta tagliente di Emily Blunt per riportarci esattamente dove eravamo. È come riaprire un armadio dopo vent’anni e trovare quei vestiti ancora lì… e sì, ci stanno ancora bene.

Il Diavolo Veste Prada 2 e l’Italia: estetica e significato

Uno degli elementi più affascinanti del film è il suo passaggio in Italia. Non si tratta solo di una scelta estetica, per quanto i paesaggi della nostra Penisola siano valorizzati con una cura quasi pittorica, ma di una vera e propria scelta narrativa. L’Italia diventa uno spazio simbolico: il luogo della riflessione, del rallentamento, del confronto. Una sorta di ring emotivo, dove le dinamiche rimaste sospese per anni trovano finalmente uno sbocco. È qui che il film smette di correre e inizia a respirare davvero.

Tra città, luci e silenzi, i personaggi si trovano costretti a guardarsi senza filtri. I nodi vengono al pettine, le maschere si incrinano e ciò che era rimasto irrisolto emerge con forza. Non è solo un viaggio geografico, ma un attraversamento interiore fatto di scelte, consapevolezze e inevitabili fratture. Ed è proprio in questo contesto che Runway tenta, forse per la prima volta, di riscrivere la propria storia. Una storia fatta di sfide, di ambizioni feroci, ma anche di tradimenti, spesso silenziosi, spesso consumati dietro sorrisi impeccabili. L’Italia, quindi, non è semplicemente uno sfondo. È il momento della verità.

Serviva davvero un sequel?

Sì. Assolutamente sì. Non perché fosse necessario, alcuni film restano intoccabili proprio per quello che rappresentano, ma perché Il diavolo veste Prada 2 dimostra che esiste un modo intelligente di tornare. Non vive di rendita. Non si limita a replicare formule. Sceglie, invece, di interrogarsi su cosa resta dopo il successo, su cosa cambia quando il tempo passa davvero. Indossa i panni giusti, firmati o meno, e ci riporta dentro quel mondo fatto di moda, giornalismo e potere, ma lo fa con uno sguardo diverso. Più lucido. Più adulto. Più umano. È un mondo fatto di ambizioni e illusioni, di cadute silenziose e di ferite che non si vedono. Di rivalità che lasciano il segno, ma anche di legami che resistono… o che almeno ci provano. Di errori, soprattutto. E di seconde possibilità che non arrivano mai gratis, ma vanno scelte. Forse è proprio questo il punto. Non serviva un sequel per ricordarci chi erano questi personaggi. Serviva un sequel per mostrarci chi sono diventati. E chi siamo diventati noi a distanza di vent’anni: lo schermo in sala ci mostra questi personaggi tanto amati crescere e cambiare, ma funge anche da specchio per noi. Perché chi eravamo quando abbiamo visto per la prima volta Il Diavolo Veste Prada? Chi eravamo quando ridevamo del maglioncino ceruleo e delle “Emily” interscambiabili? E chi siamo ora?

I sequel mettono sempre alla prova l’integrità delle storie che amiamo. Molti non riescono, non sono in grado di crescere o di evolversi. In tanti casi usciamo dalla sala con un senso di amaro in bocca, che quasi ci fa chiedere “Ma cosa ho appena visto?”. Questa volta, personalmente, sono uscita dal cinema con un sorriso stampato in faccia. Perché è riuscito, non ha rovinato la storia e non è caduto nei cliché in cui poteva inciampare. Un sequel che mostra la natura più umana, più profonda e più immersiva dei suoi protagonisti. Un sequel che, forse, serviva più a noi fan che alla casa produttrice. Ma che ci ha fatto un grande favore a esistere. In conclusione, è un sequel che è… avanguardia pura!

In definitiva, Il diavolo veste Prada 2 è un sequel che riesce in un’impresa rara: tornare senza tradire, evolversi senza dimenticare. Prende tutto ciò che aveva reso iconico il primo film e lo rielabora con uno sguardo più maturo, più consapevole, più umano. Non è solo un ritorno nel mondo di Runway, ma un ritorno dentro noi stessi, dentro ciò che eravamo e ciò che siamo diventati. Tra crisi, legami, ambizioni e inevitabili ferite, il film costruisce un racconto che va oltre la moda e il giornalismo, parlando di identità, di lealtà e di seconde possibilità. Non sarà perfetto, e non ha bisogno di esserlo: perché quello che lascia, uscendo dalla sala, è qualcosa di più raro: la sensazione di aver ritrovato qualcosa che credevamo finito, e di averlo scoperto, sorprendentemente, ancora più vero.

La trentesima edizione di Cartoons On The Bay, l’International Animation and Transmedia Festival promosso da Rai e organizzato da Rai Com, si prepara a celebrare due figure fondamentali dell’animazione e del videogioco. I Pulcinella Career Awards 2026 saranno infatti assegnati al regista Kirk Wise e al pioniere del gaming Don Daglow.

Il festival si svolgerà a Pescara dal 27 al 30 maggio, con la direzione di Adriano Monti Buzzetti, e animerà diversi spazi della città, tra cui lo storico Aurum.

I Pulcinella Career Awards e i momenti chiave del festival

Kirk Wise è noto al grande pubblico per aver diretto alcuni dei più celebri classici Disney, tra cui La bella e la bestia, Il gobbo di Notre Dame e Atlantis – L’impero perduto. Don Daglow, invece, è considerato uno dei pionieri del videogioco, con un contributo fondamentale allo sviluppo dei giochi di ruolo e di simulazione.

A celebrare il traguardo dei 30 anni del festival sarà anche il manifesto ufficiale firmato da Francesca Ghermandi, che raffigura una sirena con il cappello di Pulcinella emergere dal mare di Pescara. In programma anche una mostra dedicata ai 40 anni di Dylan Dog, l’iconico indagatore dell’incubo creato da Tiziano Sclavi.

Tra i momenti chiave dell’edizione 2026 ci saranno come sempre i Pulcinella Awards, articolati in sette categorie, e il concorso Pitch Me!, dedicato ai nuovi progetti d’animazione. Grazie alla collaborazione con Cartoon Media, il progetto vincitore avrà l’opportunità di essere presentato al Cartoon Springboard, in programma a Madrid dal 3 al 5 novembre 2026. Un’edizione celebrativa che si preannuncia ricca di eventi, incontri e opportunità, confermando Cartoons On The Bay come uno degli appuntamenti più importanti per l’industria dell’animazione e dei contenuti transmediali.

Il trailer finale e il poster di Star Wars: The Mandalorian and Grogu sono stati presentati al pubblico del CinemaCon, evento annuale che si tiene a Las Vegas. L’avventura Star Wars targata Lucasfilm arriverà nelle sale cinematografiche italiane dal 20 maggio.

Da oggi sono anche disponibili le prevendite per il film che ricordiamo essere diretto da Jon Favreau e interpretato da Pedro Pascal, Sigourney Weaver e Jeremy Allen White. Per acquistare i biglietti è possibile accedere al sito dedicato in continuo aggiornamento.

Trama, colonna sonora e trailer

La colonna sonora originale del film Star Wars: The Mandalorian and Grogu, con le musiche del compositore vincitore dell’Academy Award Ludwig Göransson, sarà disponibile su tutte le piattaforme digitali a partire dal 15 maggio.

L’Impero è caduto e i signori della guerra imperiali sono ancora sparsi per la galassia. Mentre cerca di proteggere tutto ciò per cui l’Alleanza Ribelle ha combattuto, la nascente Nuova Repubblica arruola il leggendario cacciatore di taglie mandaloriano Din Djarin (Pedro Pascal) e il suo giovane apprendista Grogu. 

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