C’è stato un momento preciso, a metà degli anni novanta, in cui entrare in una sala giochi significava assistere a una vera e propria rivoluzione tecnologica che viaggiava a trenta o sessanta fotogrammi al secondo. Il mondo delle corse virtuali stava abbandonando la rassicurante bidimensionalità degli sprite piatti per abbracciare le tre dimensioni, un passaggio epocale che avrebbe cambiato per sempre il nostro modo di percepire la velocità digitale. Venivamo da anni di gloriose reinterpretazioni, dove pietre miliari come Pole Position avevano gettato le basi del genere e titoli successivi come Final Lap o Continental Circus provavano a simulare la foga dei Gran Premi automobilistici con stratagemmi in bitmap sempre più complessi. Ma, quando i primi poligoni nudi e crudi iniziarono a muoversi sullo schermo, l’intera industria capì che non si poteva più tornare indietro. La rivalità tra i colossi del settore era palpabile e feroce, una guerra a colpi di schede madri costosissime e cabinet che sembravano astronavi. Il punto di riferimento per le corse a ruote scoperte era indubbiamente Virtua Racing, un miracolo visivo che aveva sconvolto i giocatori con le sue forme nette e una sbalorditiva fluidità: chiunque avesse un briciolo di ambizione doveva rispondere a quel guanto di sfida, e fu in questo clima di competizione esasperata che Namco decise di calare il suo asso, un progetto che agognava di scavalcare quanto fatto dagli avversari mediante una spettacolarità visiva e un’intensità sensoriale senza precedenti.

Nacque così, nell’estate del millenovecentonovantaquattro, un titolo che avrebbe ridefinito i confini dell’intrattenimento motoristico da bar: Ace Driver. Sviluppato dalle medesime teste che avevano già firmato successi storici del calibro di Metro-Cross, il gioco si presentò al pubblico come il vertice tecnologico della scuderia nipponica, sfruttando una via alternativa alla pura astrazione geometrica dei concorrenti: mentre questi ultimi puntavano su superfici piatte e spigoli vivi, la risposta di Namco fu l’introduzione di sfumature cromatiche e superfici levigate che conferivano alle vetture e ai tracciati un realismo visivo simile a quello delle illustrazioni patinate. Il posizionamento sul mercato fu immediato e dirompente: Ace Driver si impose come l’alternativa esagerata, colorata e incredibilmente dinamica dei titoli motoristici coevi, un’esperienza che non richiedeva di studiare i manuali di ingegneria meccanica ma di stringere il volante e spingere a tavoletta il pedale dell’acceleratore. Si trattava di una concezione del racing che metteva al centro lo spettacolo puro, unendo la maestosità delle monoposto da corsa con lo spirito ribelle e scanzonato che avrebbe da lì a poco caratterizzato l’intera produzione della compagnia.

Inserito nel contesto storico dell’epoca, il gioco rappresentò una vera e propria dimostrazione di potenza muscolare: laddove le console casalinghe faticavano ancora a far girare una manciata di triangoli senza texture, i frequentatori delle sale potevano accomodarsi all’interno di strutture avveniristiche, capaci persino di muoversi e ruotare per assecondare le forze centrifughe delle curve virtuali. Il titolo si collocò esattamente al centro di un triangolo d’oro completato da leggende come Ridge Racer e il successivo Daytona USA, condividendo con il primo lo stesso identico codice genetico fatto di colori saturi, cieli azzurrissimi e una colonna sonora che martellava le orecchie con ritmi elettronici irresistibili. Nonostante la sua incredibile popolarità nei locali specializzati e i riconoscimenti ufficiali da parte degli addetti ai lavori, il destino di questo titolo rimase però indissolubilmente legato al suo cabinato originale. Una conversione per la prima console a trentadue bit di Sony venne annunciata in pompa magna, alimentando le speranze di milioni di appassionati, ma non vide mai la luce, trasformando il gioco in una sorta di leggenda metropolitana, un tesoro nascosto accessibile solo a chi avesse la fortuna di scovare un mobile originale ancora funzionante. Questa prolungata assenza dagli schermi domestici ha avvolto il nome del gioco in un’aura di affascinante mistero per oltre tre decenni.

Arcade Archives 2 Ace Driver: sei molto fortunato, ma quanto durerà?

Il comparto visivo di Ace Driver viene alimentato da una delle architetture hardware più potenti e celebrate della storia dei videogiochi, la Namco System 22. La scheda madre utilizzata per muovere questo tripudio di poligoni era capace di miracoli computazionali che lasciavano sbalorditi noi ragazzi dell’epoca, introducendo raffinatezze tecniche come l’ombreggiatura avanzata delle superfici che donava una morbidezza inedita ai modelli tridimensionali delle monoposto. L’unico tracciato disponibile passa da un’ambientazione cittadina ricca di dettagli a chicane costiere dove l’acqua del mare brilla sotto un sole accecante, offrendo una varietà che non stanca mai anche dopo l’ennesimo giro. La fluidità della visuale in prima o in terza persona è totale, ancorata a quei sessanta fotogrammi al secondo che rappresentavano il dogma assoluto per garantire la reattività necessaria durante i sorpassi più azzardati. I dettagli di contorno, come i cartelloni pubblicitari che omaggiano la storia passata della compagnia con scritte e loghi storici, contribuiscono a creare un mondo di gioco vivo, fervido e coerente.

Il lato sonoro non è certamente da meno e si sposa perfettamente con la frenesia delle immagini che scorrono sul monitor a velocità folle. I motori delle vetture emettono un rombo acuto e metallico, tipico dei propulsori ad altissimo numero di giri che caratterizzavano le competizioni reali di quel decennio, un rumore che aggredisce i padiglioni auricolari e restituisce l’idea della costante minaccia di trovarsi all’improvviso fuori controllo dopo una manovra troppo azzardata. La colonna sonora è un concentrato di energia pura, composta da tracce musicali che fondono sonorità jazz-rock a ritmi sintetici tipicamente nipponici, capaci di esaltare le staccate mozzafiato e i rettilinei percorsi alla massima velocità. I jingle, i campionamenti vocali dei meccanici dal paddock e l’euforia del pubblico, che sottolineano i passaggi sotto il traguardo o gli incidenti più spettacolari, fungono da perfetto collante per l’atmosfera da bar. Ogni elemento sonoro è posizionato con precisione millimetrica all’interno dello spettro acustico, permettendoci anche di avvertire un tentativo di sorpasso alle spalle semplicemente prestando attenzione al crescendo del rumore del motore rivale.

Sul fronte della giocabilità, Ace Driver si distacca in modo netto dalle dinamiche basate sul drifting controllato che hanno reso celebre il contemporaneo Ridge Racer. Trattandosi di vetture a ruote scoperte ad altissimo carico aerodinamico, il sistema di controllo richiede una pulizia delle traiettorie notevole, dove la parzializzazione dell’acceleratore e la scelta del momento esatto in cui azionare i freni fanno la reale differenza tra una curva perfetta e un rovinoso impatto contro le barriere protettive. Il gioco consente di scegliere tre diverse classi di difficoltà che modificano non solo l’abilità degli avversari gestiti dall’intelligenza artificiale, ma anche la complessità del tracciato e la severità della fisica applicata alle vetture. La presenza di un cambio manuale o automatico a due sole marce introduce una dinamica di gestione della potenza semplice ma profonda, pertanto saremo obbligati a scalare nei tornanti più stretti per mantenere il motore nella corretta fascia di erogazione. L’esperienza moderna offre inoltre modalità aggiuntive come le sfide a tempo e le classifiche globali, che espandono l’offerta originaria introducendo nuovi stimoli per i puristi del millesimo di secondo. Il modello di guida riesce nell’impresa di essere accessibile fin dal primo istante, pur nascondendo una profondità competitiva d’alto livello.

Possiede un intuito geniale e una mente brillante

L’operazione di recupero storico effettuata da Hamster Corporation rappresenta, come tanti altri casi nella collana Arcade Archives, un momento di fondamentale importanza per chiunque abbia a cuore la memoria storica del nostro medium preferito. Vedere un titolo che sembrava condannato all’oblio dei cabinati dismessi tornare a splendere sugli schermi di casa suscita un’emozione indescrivibile per chi, come me, ha trascorso ore e ore a guardare i “più grandi” cimentarsi in corse adrenaliniche all’ultimo centesimo di secondo, con il timore reverenziale di non essere all’altezza delle abilità richieste per sedersi dietro il volante. Il lavoro di trasposizione è stato condotto con la consueta attenzione del team di sviluppo, quasi un dovere culturale che definire meticoloso sarebbe riduttivo: ogni singola sfumatura dell’opera originale è stata rispettata senza cedere alla tentazione di alterarne la natura profonda. Le opzioni per personalizzare l’esperienza visiva sono eccellenti e consentono di applicare filtri che riproducono l’andamento delle linee di scansione dei vecchi monitor a tubo catodico, ammorbidendo i contorni dei poligoni e restituendo quel calore visivo che i moderni pannelli digitali tendono purtroppo a raffreddare. La stabilità del codice è assoluta e l’assenza totale di rallentamenti dimostra come la struttura software sia stata ottimizzata al meglio per interfacciarsi con le piattaforme contemporanee.

Di contro, la struttura originale, pensata per spillare monete attraverso sessioni brevi e ad altissima intensità, mostra inevitabilmente il fianco quando viene decontestualizzata e trasportata all’interno del salotto di casa. Le tre sole varianti del singolo circuito disponibile, per quanto splendide e ben calibrate in termini di curva di apprendimento, possono essere sviscerate in un pomeriggio se le nostre capacità ce lo consentono, lasciando una sensazione di incompiutezza se non si possiede la forma mentis adatta a competere contro i propri limiti o contro i punteggi registrati online. Manca una vera e propria modalità carriera o una qualsiasi forma di progressione moderna che possa giustificare lunghe sessioni di gioco continuative, un limite intrinseco che la pur lodevole introduzione delle classifiche globali riesce a mitigare soltanto in parte. Anche la configurazione dei controlli sui moderni controller richiede un certo periodo di adattamento, poiché la mappatura dei grilletti analogici non può replicare fedelmente la resistenza fisica dei vecchi pedali dei cabinati. Il fascino dell’antico si scontra a volte con le esigenze di un pubblico abituato a contenuti infiniti.

Ciò che rende il rilascio di Ace Driver un pezzo da novanta all’interno del catalogo dell’editore è la canonica presenza di funzionalità esclusive legate alla nuova linea editoriale avanzata della serie: l’introduzione del supporto per le frequenze di aggiornamento variabili permette di sincronizzare perfettamente il flusso delle immagini con i moderni display, eliminando quegli sgradevoli difetti di sdoppiamento dell’immagine che spesso affliggono le conversioni meno rifinite. La possibilità di utilizzare la funzione di riavvolgimento temporale rappresenta una manna dal cielo per i giocatori meno esperti, consentendo di correggere un errore di traiettoria senza dover necessariamente ricominciare l’intera corsa dall’inizio. Benché possa far storcere il naso ai puristi della sfida estrema, è un’aggiunta che rende il titolo fruibile anche a una nuova generazione di appassionati che non possiede i riflessi allenati dai pomeriggi passati tra i cabinati. L’interfaccia di configurazione è un labirinto di opzioni che permette di modificare la difficoltà dell’intelligenza artificiale, il limite di tempo e persino la nazionalità della versione della scheda madre da emulare. La ricchezza delle opzioni di personalizzazione compensa ampiamente la rigidità della struttura ludica originaria.

Arcade Archives 2 Ace Driver: fatti sotto con tutto quello che hai

Avendo osservato l’evoluzione di questo mercato da decenni, non posso che accogliere con un plauso convinto la decisione di portare al grande pubblico un titolo rimasto per troppo tempo accessibile soltanto a una ristretta cerchia di collezionisti. Il valore di questa operazione risiede nella volontà di non toccare un singolo bit del materiale di partenza, confezionando un’esperienza cruda e veritiera che funziona come una vera e propria macchina del tempo digitale. Quando mi sono seduto sul divano e ho avviato la prima partita, sono stato investito da un’ondata di sensazioni che credevo perdute, una testimonianza diretta di un’epoca in cui i designer dovevano fare i conti con limiti di memoria severi e inventarsi soluzioni geniali per dare l’illusione della realtà. La presenza delle tre canoniche varianti di gioco, che comprendono la modalità classica, la sfida ai punteggi massimi e la corsa frenetica contro il tempo, garantisce la totale aderenza a quello che era il pacchetto offerto nelle sale giochi originali.

Dall’altro lato della medaglia, è impossibile non notare come l’assenza di contenuti aggiuntivi creati appositamente per questa release domestica possa rappresentare un’occasione parzialmente mancata. Sarebbe stato splendido poter consultare una galleria di immagini d’epoca, contenente i bozzetti preparatori delle vetture, i progetti di design dei fantastici cabinati o interviste d’archivio con i creatori del gioco, elementi che avrebbero impreziosito l’offerta trasformandola in una vera e propria enciclopedia interattiva. L’utente meno integrato nelle dinamiche del collezionismo potrebbe trovare il prezzo richiesto per l’acquisto leggermente sproporzionato rispetto all’effettiva quantità di materiale ludico offerto, specialmente se paragonato alle imponenti raccolte di classici che spesso affollano i negozi digitali a cifre similari. Il sistema di menu, per quanto funzionale e infarcito di opzioni tecniche, mantiene un’estetica spartana e un po’ fredda che non rende giustizia alla solarità e all’energia del gioco che va a racchiudere.

Ma, al di là di queste considerazioni, poter toccare nuovamente con mano Ace Driver guardandolo con occhi più maturi solleva una serie di riflessioni profonde sulla natura stessa del divertimento elettronico. Quando quasi tutti i moderni simulatori automobilistici richiedono ore di calibrazione delle periferiche e lo studio approfondito delle telemetrie per guadagnare un decimo di secondo, ritrovare la purezza di un gameplay che si risolve nell’arco di tre minuti è una boccata d’aria fresca incredibile, una formula che anche la serie Forza Horizon ha assimilato. Il design della pista è studiato per premiare la memoria muscolare e la precisione millimetrica nell’approccio alle curve, generando un circolo virtuoso di sfide contro se stessi che crea una forte dipendenza. La competizione con i tempi dei migliori piloti del mondo attraverso le classifiche di rete aggiunge quel pepe che serve a mantenere vivo l’interesse nel lungo periodo, e così ogni partita si trasforma in un tentativo disperato di scalare anche solo di una posizione la graduatoria mondiale.

La tecnica non è qualcosa che acquisisci in pochi giorni

Volendo alfine tirare le somme su questa novella integrazione per le librerie digitali dei nostri sistemi da gioco casalinghi, il lavoro svolto da Hamster con Ace Driver si rivela un successo indiscutibile per quel pubblico di nicchia che sa esattamente cosa sta acquistando e che cercava da anni un modo legale e qualitativamente inappuntabile per rigiocare questa perla poligonale della scuderia Namco. La qualità dell’emulazione è superba, priva di sbavature tecniche e arricchita da quel ventaglio di opzioni moderne che rendono l’esperienza fruibile anche su schermi ad altissima definizione senza perdere il sapore originale dell’opera. I benefici derivanti dall’introduzione delle nuove tecnologie di sincronizzazione verticale e della modalità focalizzata sui tempi sul giro elevano la produzione al di sopra delle semplici conversioni pigre che spesso si vedono sul mercato.

I limiti strutturali legati alla scarsità di contenuti e alla natura prettamente orientata al consumo rapido da sala giochi rimangono però fattori cospicui che non possono essere ignorati nel giudizio complessivo. Chi si aspetta un gioco di corse moderno, capace di intrattenerlo per settimane con sfide sempre diverse e sblocchi continui di personalizzazioni estetiche o meccaniche, rimarrà inevitabilmente deluso dalla stringatezza della proposta. L’assenza di un comparto documentaristico o celebrativo priva la release di quel valore aggiunto che avrebbe potuto giustificare l’acquisto anche da parte dei semplici curiosi o degli studenti di storia del videogioco. Si tratta di un pacchetto essenziale, mirato e privo di concessioni al modernismo, che richiede un atto di fede e una profonda comprensione del contesto storico per essere apprezzato appieno. L’onestà intellettuale impone di riconoscere che non è un prodotto adatto a tutte le tipologie di giocatori.

La conversione di Ace Driver per la collana Arcade Archives merita una promozione convinta per aver finalmente spezzato le catene che tenevano prigioniero uno dei più grandi racing game del passato all’interno dei vecchi circuiti stampati da bar. Il valore storico dell’operazione è immenso e la qualità della trasposizione tecnica si attesta sui consueti, elevatissimi standard inaugurati dal porting di Ridge Racer per quanto riguarda la riproposizione dei classici tridimensionali della prima era poligonale. I difetti riscontrati appartengono più alla natura stessa del gioco e alla sua concezione da consumo fulmineo che non a mancanze specifiche del team di Hamster, che ha svolto il proprio compito in modo impeccabile e rispettoso. Se avete amato le sale giochi degli anni novanta o se volete semplicemente scoprire come si rispondeva a colpi di poligoni alle sfide dei concorrenti, questo acquisto rappresenta un passaggio obbligato che non mancherà di regalarvi momenti di pura esaltazione motoristica, oggi esattamente come trentadue anni fa.

Il 1994 non è stato un anno per i deboli di cuore, almeno non nelle sale giochi: mentre il mondo domestico si preparava con ansia spasmodica all’avvento della prima PlayStation e del Saturn, le piccole città-stato dei cabinati rette da acciaio monetario e moquette erano ancora il regno indiscusso dell’avanguardia tecnologica, luoghi dove il futuro veniva servito una partita alla volta. In quell’atmosfera quasi sacrale che le permeava, come indomite divinità greche, Namco e SEGA avevano iniziato a scontrarsi per il dominio del poligono già da qualche anno, e Cyber Commando nacque proprio come uno dei frutti di questa contesa, erede diretto di un’anomalia affascinante quale Cyber Sled, declinazione urbana e parimenti spietata di una visione più grande, quella della United Galaxy Space Force (UGSF). In quell’epoca, la casa di Pac-Man e Breakout aveva iniziato a tessere una tela narrativa invisibile ma tenace, con la quale in futuro avrebbe legato titoli apparentemente distanti come Galaxian3, Galaga, Starblade e… Dig Dug in un unico, plumbeo e coeso affresco di guerra interstellare. Cyber Commando si incastonava in questa cronologia con una violenza terrestre che mancava ai suoi predecessori più eterei, designandone un passato riottoso e violento; non eravamo più in mezzo alle stelle per inseguire sagome vettoriali, ma immersi tra costruzioni brutaliste ai comandi di massicci blindati da battaglia, nel disperato tentativo di reprimere un conflitto che sembrava la naturale, tragica evoluzione delle utopie tecnologiche degli anni ’80.

In quel contesto, la nascita dell’UGSF trascende i confini della banale manovra di marketing retroattivo e si configura quale curiosa sperimentazione per dare un senso di “luogo” e “storia” a esperienze che, per loro natura, erano frammentate e frenetiche. Cyber Commando occupava una nicchia specifica: il combattimento ravvicinato tra veicoli corazzati all’interno di arene ben articolate. Mentre i suoi contemporanei come Virtua Fighter o Daytona USA rielaboravano rispettivamente il corpo a corpo e la velocità, il titolo Namco cercava di modellare lo spazio e la massa in qualità di successore fisico e spirituale, per chi come me aveva passato ore a fissare gli schermi piatti e gelidi del cockpit di Cyber Sled, di una filosofia di controllo che privilegiava l’immersione totale rispetto alla semplice astrazione ludica. La collocazione temporale delle ostilità veicolari di Namco è cruciale, poiché agisce da raccordo tra l’era dei conflitti spaziali primordiali e l’espansione terrestre della Federazione.

Tuttavia, ho avvertito un malinconico cinismo di fondo nel guardare indietro a quegli anni. Molti di noi credevano che questi mostri tecnologici sarebbero stati preservati per sempre, la loro potenza scolpita a eterna memoria. Invece, per decenni, Cyber Commando è rimasto prigioniero del suo stesso hardware, un fantasma incatenato alle schede Namco System 22 e destinato a marcire nei magazzini o a vivere solo nei ricordi sbiaditi di chi aveva avuto la fortuna di impugnare i suoi joystick originali, peraltro mai giunti ufficialmente qui da noi. La sua assenza dai cataloghi domestici per oltre trent’anni è diventata una sorta di amnesia collettiva, imposta dalle difficoltà tecniche di emulare delle macchine nate per stupire con calcoli grafici che le CPU “caserecce” hanno semplicemente ignorato con un timore reverenziale. Vederlo riemergere oggi, spogliato della sua mastodontica armatura di metallo e plastica grazie ad Arcade Archives 2, è un atto di giustizia poetica che profuma di nostalgia.

Arcade Archives 2 Cyber Commando: Starship Troopers

Sotto il profilo puramente visivo, nel 1994 Cyber Commando rappresentava lo stato dell’arte della grafica poligonale texturizzata. L’hardware della Namco System 22 era un mostro di potenza, capace di gestire il Gouraud shading con una fluidità che faceva sembrare la concorrenza piatta e senza vita. Ma, per quanto i freddi numeri o il quantitativo di poligoni in contemporanea sullo schermo fossero impressionanti da riportare su carta, era l’applicazione artistica di quella tecnologia a colpire: le arene urbane di Cyber Commando erano spazi labirintici e oppressivi, caratterizzati da una palette cromatica che oscillava tra il grigio industriale e il blu elettrico, una proiezione ineccepibile dell’estetica cyberpunk dell’epoca. I rivestimenti rasterizzati dei modelli 3D, sebbene oggi possano apparire granulosi e poco definiti, fornivano allora un senso di materialità quasi disturbante: i mech avversari possedevano un peso e una massa percepibili, e le rispettive superfici riflettevano la luce ambientale in modi che suggerivano una consistenza meccanica che pochi altri titoli, forse solo Ridge Racer o Ace Combat, osavano esplorare con la medesima audacia.

La giocabilità, d’altro canto, era una feroce coreografia di inerzia e precisione. Il sistema di controllo originale a doppio joystick era la tipica implementazione funzionale per gestire il movimento indipendente della base del mech rispetto alla torretta di puntamento. Anche se oggi la diamo per scontata in molti titoli moderni, all’epoca richiedeva una curva di apprendimento ripida e spietata: spostarsi lateralmente mentre mantenevamo il fuoco fisso su una IA nemica o su un boss corazzato richiedeva una coordinazione che separava i dilettanti dai piloti veterani dell’UGSF. Riuscivamo a percepire magnificamente la sensazione di guidare una macchina da diverse tonnellate: ogni accelerazione aveva un peso, ogni frenata brusca portava con sé un momento di instabilità. Al contrario della levità trasmessa dai simulatori di volo o di auto sportive, la pesantezza di un carro armato del futuro unita a una indispensabile velocità di esecuzione manteneva il battito cardiaco costantemente al di sopra della soglia di sicurezza.

Cyber Commando è stato un autentico pioniere del design per le missioni da svolgere all’interno di ambienti chiusi. Mentre molti sparatutto 3D dell’epoca si accontentavano di binari predefiniti, qui ci veniva concessa una libertà di manovra che permetteva un approccio tattico fondamentale per distruggere i computer che controllano i mezzi ostili. Bisognava imparare a leggere il radar, a sfruttare le coperture offerte dalle strutture architettoniche e a gestire munizioni e risorse energetiche. L’audio, inoltre, giocava un ruolo fondamentale: il sibilo dei servomotori, il rombo sordo delle esplosioni che sembravano echeggiare direttamente nelle ossa attraverso il sedile del cabinato, e quella colonna sonora incalzante che mescolava percussioni e strumenti sintetizzati alle sonorità industriali. Era un assalto sensoriale totale, un’esperienza che cercava di annullare la distanza tra il reale e il virtuale, creando un legame empatico con la macchina.

Atto di Forza

Quando si parla di adattamenti di titoli nati su hardware complessi come il System 22, il rischio di trovarsi di fronte a un’emulazione pigra o, peggio, a una reinterpretazione errata è sempre dietro l’angolo. Hamster Corporation, con la sua collana Arcade Archives 2, ha però dimostrato una dedizione che definirei quasi ossessiva, e il qui presente Cyber Commando non fa eccezione. Oltre a rendere eseguibile il codice originale su hardware moderno, la vera sfida consisteva nel preservare quel feeling analogico che lo rendeva unico, e ancora una volta la conversione brilla per pulizia e fedeltà: il frame rate è granitico, privo di quelle incertezze che spesso affliggono le riedizioni di titoli 3D degli anni ’90; la risoluzione è stata adattata agli schermi attuali senza però snaturare la natura dei poligoni originali; i bordi sono levigati, ma le texture conservano quel fascino vintage che è parte integrante dell’esperienza estetica del gioco. Il processo di restauro, insomma, è affine alla rimasterizzazione in 4K di un vecchio film: magari dettagli, minuzie e imperfezioni sono più visibili di prima, ma l’anima della pellicola rimane intatta.

Un aspetto fondamentale di questa riedizione è la gestione dei comandi, perché trasporre l’esperienza dei twin-stick arcade su un controller standard per console è un’operazione delicata. Hamster ha implementato diverse opzioni di configurazione che permettono di mappare i movimenti in modo intuitivo sugli analogici moderni, riuscendo a replicare con sorprendente efficacia la sensibilità dei potenziometri originali del 1994. Ho rilevato una notevole accuratezza nella risposta che non davo affatto per scontata e che permette di affrontare i livelli più avanzati senza sentire la mancanza del cabinato o di periferiche dedicate. Inoltre, l’aggiunta delle classifiche online e della modalità Caravan inietta nuova linfa vitale in un titolo che, per sua natura, era nato per sessioni brevi e intense. Sono le tipiche funzionalità della collana che trasformano un’esperienza solitaria e nostalgica in una competizione moderna, celebrando la longevità di un gameplay che non ha perso un briciolo della sua cattiveria.

Di contro, per una volta l’assetto estremamente spartano e funzionale dell’interfaccia utente, in puro stile Hamster, pesa più del solito. Se da un lato questo approccio minimalista garantisce che il gioco sia il protagonista assoluto, dall’altro si sente la mancanza di un apparato documentale più ricco. In un titolo così importante per la storia dell’UGSF, sarebbe stato gradito trovare gallerie di artwork, interviste ai programmatori originali o approfondimenti sulla cronologia che lo lega a tutti gli altri. La qualità della conversione tecnica è indiscutibile, ma il contenitore manca di quel calore editoriale che un’opera di questo calibro avrebbe meritato. È un restauro tecnico perfetto eseguito da chirurghi esperti che però sembrano aver dimenticato di raccontare la storia del paziente che hanno appena riportato in vita. Nonostante ciò, la possibilità di regolare ogni parametro, dal flickering dello schermo alle impostazioni audio, rende questa versione la definitiva per chiunque voglia studiare questo pezzo del passato di Namco.

Arcade Archives 2 Cyber Commando: Punto di Non Ritorno

Il ritorno di Cyber Commando grazie alla cura della raccolta Arcade Archives 2 è un evento che va ben oltre il semplice recupero di un vecchio videogioco, perché simboleggia la riappropriazione di un momento storico in cui il design giapponese riconsiderava i confini del possibile, un atto di conservazione digitale che colma un vuoto durato troppo a lungo. Vedere questo colosso del 1994, peraltro inedito in occidente, girare con tale fluidità sulle nostre macchine moderne fa riflettere su quanto, in realtà, le fondamenta del divertimento videoludico siano cambiate poco: la tensione di un agganciamento nemico, la soddisfazione di una schivata millimetrica e la bellezza ancestrale di un’esplosione in bitmap sono rimaste intatte, sfidando il tempo e le mode. Il consueto impegno profuso da Hamster Corporation garantisce che l’emulazione sia invisibile, permettendo al genio di Namco di risplendere senza filtri o mediazioni superflue, e di lasciarci assaporare un altro ingrediente della serie UGSF.

Il giudizio sul lavoro svolto non può che essere positivo, sebbene in parte moderato da quella punta di amarezza per gli anni perduti in cui questo titolo è rimasto inaccessibile al di fuori delle sale giochi giapponesi. Cyber Commando non è un gioco per tutti; la sua rigidità meccanica e la natura intrinseca da mangia-gettoni potrebbero respingere chi è abituato alle narrazioni diluite e alle semplificazioni del gaming contemporaneo. Ma per chi cerca la purezza di un’epoca in cui ogni secondo passato davanti allo schermo doveva essere guadagnato con sudore e concentrazione, questo porting è un tesoro inestimabile. È un promemoria di quando Namco non aveva paura di osare, di quando l’UGSF era una promessa di un futuro omogeneo e affascinante che stavamo ricostruendo, un’avventura galattica alla volta.

Ci troviamo come sempre di fronte a una conversione d’eccellenza che onora un classico dimenticato. Cyber Commando su Arcade Archives 2 è un acquisto obbligato per gli storici del medium, per i fan della lore Namco e per chiunque voglia capire cosa significasse davvero il termine “avanguardia” trent’anni fa. Il gioco è invecchiato con la dignità del metallo pesante: tracce di ruggine sulle giunture, qualche graffio sulla carrozzeria, ma il motore ruggisce ancora con una ferocia che molti titoli moderni possono solo sognare. Dedichiamo dunque a Hamster l’ennesimo plauso per aver riportato questo veterano sul campo di battaglia, perché il tempo del confinamento nelle memorie volatili delle sale giochi è finalmente finito.

C’era un’elettricità palpabile nelle sale giochi del 1995, un’epoca in cui il confine tra realtà e simulazione poligonale veniva ridisegnato ogni sei mesi da ingegneri che parevano stregoni. Per noi, che entravamo in quei templi della tecnologia con le monete strette nel pugno, l’incontro con il cabinato di Rave Racer assumeva quasi le fattezze di un rito di passaggio, un’esperienza sensoriale che puntava a rivoluzionare il concetto stesso di velocità idraulica. Il contesto storico era dominato da una corsa agli armamenti senza precedenti tra Namco e SEGA, un duello che si combatteva a colpi di schede logiche dal costo di migliaia di dollari. Mentre il mondo domestico accoglieva con stupore la prima PlayStation e l’ingresso nel 3D, le sale giochi vantavano già un’accelerazione tripla, con rese grafiche strabilianti che le macchine casalinghe avrebbero impiegato quasi un decennio a pareggiare. Rave Racer arrivò come la terza, definitiva iterazione della stirpe di Ridge Racer, ma con una furia visiva e una densità di dettagli che i suoi predecessori non avevano mai neanche osato sognare.

Se il primo capitolo era stato una dimostrazione di forza bruta e Ridge Racer 2 un raffinamento necessario, Rave Racer fu l’apoteosi della Namco System 22, una scheda madre leggendaria capace di calcoli prospettici, texture mapping e ombreggiature Gouraud che allora sembravano tecnologia aliena. In quel panorama, dove Daytona USA di SEGA dominava con il suo approccio solare, una moltitudine di colori primari e quei 60 frame al secondo granitici, Namco rispose con uno stile edonista e travolgente che si allontanava, a ragion veduta, dal realismo fotografico. Rave Racer non voleva imitare passivamente la realtà delle corse su pista, quanto piuttosto creare una realtà parallela più veloce, più elettrica, più variopinta, intrinsecamente legata all’estetica rave di metà anni novanta. Il fatto che il suo codice sorgente sia rimasto intrappolato nell’hardware originale per ben 31 anni, senza mai ricevere un porting domestico degno di questo nome, trasforma questa riedizione in un atto di pura giustizia storica. Oggi, il lavoro di restauro operato da Hamster Corporation non è solo un’operazione commerciale di recupero, ma il riscatto di un prigioniero politico del videogioco, restituito finalmente al pubblico in una forma che onora ogni singolo raggio di luce calcolato da quei processori trent’anni fa.

Arcade Archives 2 Rave Racer: l’estetica di un’era

È facile comprendere quanto il mondo di Rave Racer venga caratterizzato da una direzione artistica che ha definito il concetto di futuro per un’intera generazione di videogiocatori. Dal punto di vista tecnico, il salto computazionale rispetto a Ridge Racer 2 fu prodigioso e immediatamente visibile. Grazie alla capacità di filtraggio delle texture e alla gestione avanzata delle trasparenze della System 22, Namco riuscì a eliminare gran parte del disturbo visivo e del tremolio dei poligoni che affliggevano i titoli contemporanei su hardware meno nobili. La metropoli del tracciato City era un labirinto di vetro e acciaio, dove le superfici degli edifici riflettevano una luce ambientale vibrante, simulando un’ora del tramonto perennemente sospesa nel tempo. Il percorso Mountain, invece, offriva una profondità di campo che allora toglieva il fiato: si potevano scorgere nitidamente ponti sospesi e gallerie scavate nella roccia in lontananza, elementi che avremmo attraversato solo qualche minuto più tardi, autentici miracoli di distanza visiva e gestione della memoria video per il 1995. Storicamente, il gioco segnò l’introduzione di una telecamera dinamica intelligente che non si limitava a seguire l’auto come un oggetto rigido, ma ne assecondava le violente forze d’inerzia, un fattore che segnò la nascita e il perfezionamento dello screen tilt, ovvero l’inclinazione dell’orizzonte durante le derapate più estreme. Oltre ad essere una soluzione estetica di notevole impatto, rappresentava anche uno strumento comunicativo fondamentale per farci percepire fisicamente il limite dell’aderenza dei pneumatici sull’asfalto, una soluzione tecnica che consentiva di intuire il momento esatto in cui l’auto stava per perdere il controllo, trasformando la visuale di gioco in un indicatore analogico di trazione.

Il comparto acustico, al pari del titolo stesso, è un omaggio esplicito alla cultura della musica elettronica da discoteca che stava travolgendo il Giappone e l’Europa in quegli anni frenetici. La colonna sonora, composta dal leggendario team sonoro di Namco con l’apporto di punte di diamante come Shinji Hosoe, era un amalgama idilliaco di techno acida, campionamenti vocali euforici e ritmi jungle che pompavano adrenalina direttamente nelle nostre vene. La pulizia cristallina dei campionamenti sfruttava appieno i chip audio dedicati della scheda arcade, che separavano i canali alla perfezione per rendere il fischio delle turbine e lo stridore lancinante delle gomme un contrappunto perfetto alle tracce musicali. È un approccio  che di fatto trasforma la gara in una sorta di rhythm game mascherato, dove la fluidità della guida e la frequenza dei cambi di marcia tendono ad armonizzarsi con i battiti per minuto della traccia selezionata. L’audio di Rave Racer rimane ancora oggi uno dei più rappresentativi e influenti della scena arcade, capace di evocare istantaneamente l’atmosfera di quegli anni con poche note di sintetizzatore. Il commentatore, pur essendo meno teatrale rispetto a quello del primo Ridge Racer, mantiene un tono esortativo che accompagna ogni sorpasso, contribuendo alla creazione di un ambiente sonoro avvolgente che ci isola dal mondo esterno.

Danzare tra i cordoli

Il modello di guida di Rave Racer rappresenta la quintessenza del racing arcade: immediato nell’approccio iniziale, ma quasi infinito in termini di curva di apprendimento e ottimizzazione. Il drifting resta il fulcro nevralgico dell’esperienza, la derapata controllata che è diventata il marchio di fabbrica indelebile della serie Namco. In questo capitolo, tuttavia, la fisica riceve un’iniezione di complessità senza precedenti per l’epoca: non basta più semplicemente rilasciare l’acceleratore e sterzare bruscamente per innescare la scivolata; in Rave Racer, la parzializzazione del gas e il controsterzo durante la derapata sono divenuti elementi fondamentali per mantenere l’auto nell’angolo di attacco ideale senza sacrificare troppa velocità d’uscita. A livello tecnico, il gioco introduce una gestione dei volumi delle collisioni molto più raffinata rispetto a Ridge Racer e Ridge Racer 2: colpire un avversario o un guardrail non comporta soltanto una decelerazione e un rimbalzo casuale, ma uno scambio di energia cinetica calcolato che può essere impiegato strategicamente per chiudere una traiettoria interna. È un’innovazione ludica che tramuta le gare in scontri fisici genuini e quasi brutali, dove l’intelligenza artificiale dei rivali non concede il minimo errore di valutazione. La sensazione di peso dell’auto, pur rimanendo fedele alla natura arcade, è molto più avvertibile rispetto al passato, e così i dossi e i cordoli diventano variabili da gestire con cura.

Sotto il profilo tecnologico, Rave Racer fu un pioniere assoluto nella gestione degli ambienti dinamici e della vita su schermo. Mentre molti racing dell’epoca presentavano piste che sembravano diorami statici e desolati, qui il mondo intorno al pilota era vivo e reattivo. Possiamo osservare enormi aerei di linea decollare a pochi metri sopra la testa nel tracciato dell’aeroporto, o stormi di uccelli che si levavano in volo terrorizzati al passaggio della vettura tra le gole della montagna, il tutto renderizzato in tempo reale con una pulizia impeccabile. Il titolo fu uno dei primi a implementare un sistema di scuotimento della visuale proporzionale all’entità degli impatti e alla violenza degli atterraggi dopo le cunette, un dettaglio grafico che oggi diamo per scontato ma che nel 1995 aumentava drasticamente il coinvolgimento fisico. La lungimiranza di Namco fu quella di non sacrificare mai la leggibilità del gioco sull’altare dell’effetto visivo superfluo: malgrado l’abbondanza di elementi poligonali a schermo, il frame rate rimaneva un dogma intoccabile a 60 fotogrammi al secondo. Questa fluidità assoluta è ciò che permette ancora oggi a Rave Racer di risultare moderno e godibile, poiché la risposta ai comandi è istantanea e priva di quel ritardo che affliggeva molte conversioni casalinghe dell’epoca, come quella di SEGA Rally Championship.

Arcade Archives 2 Rave Racer: un miracolo codificato

Analizzare la qualità della conversione per la collana Arcade Archives 2 significa lodare un lavoro di ingegneria conservativa e filologica che ha pochi eguali nell’industria moderna. L’impegno di Hamster Corporation non si limita a una semplice emulazione superficiale, ma alla ricostruzione dell’intero ecosistema della complessa scheda Namco System 22 per adattarlo alle architetture contemporanee con estrema perizia. La risoluzione video è cristallina, priva di artefatti da upscaling, e consente di ammirare dettagli delle texture e scritte sui cartelloni pubblicitari che sui monitor delle vecchie sale giochi erano virtualmente impercettibili. Una delle aggiunte tecniche più preziose riguarda la flessibilità del sistema di controllo: sebbene il gioco originale fosse progettato per un volante professionale, la mappatura sugli stick analogici dei controller moderni è stata tarata con una precisione millimetrica. La zona morta è stata ridotta al minimo indispensabile, restituendo quella risposta immediata e necessario per eseguire correzioni microscopiche durante le derapate a 300 chilometri orari. La sensibilità dello sterzo è stata poi adattata con tale cura da rendere l’esperienza appagante tanto per chi usa un pad quanto per chi decide di rispolverare un volante compatibile.

Oltre all’aspetto puramente tecnico, Hamster ha arricchito il pacchetto con una selezione di versioni che permette di esplorare le diverse iterazioni del gioco. Le varianti Standard Definition (SD) rappresentano la base dell’esperienza arcade classica, con un bilanciamento della difficoltà pensato per i cabinet a monitor singolo. Le versioni Deluxe (DX), invece, riflettono le impostazioni dei maestosi cabinet idraulici a tre schermi o a monitor gigante, dove spesso la velocità di scrolling e la risposta dell’IA venivano regolate per assecondare l’imponenza della struttura fisica. Sono incluse sia le versioni giapponesi che quelle internazionali, fondamentali per i puristi che desiderano analizzare le sottili discrepanze nel timer dei checkpoint o nel comportamento aggressivo dei rivali, che in alcune build regionali risultano sensibilmente più punitivi. L’integrazione della modalità multiplayer locale fino a quattro giocatori trasforma finalmente questa release nell’incarnazione definitiva del titolo, superando persino l’esperienza originale delle sale giochi. Ci troviamo davanti a un restauro che non nasconde le piccole rughe del tempo, come qualche sporadico glitch poligonale ereditato direttamente dal codice sorgente del 1995, ma le esalta al pari delle gloriose cicatrici di un veterano ancora imbattibile sul campo.

Dopo oltre tre decenni di assenza dal panorama videoludico, Rave Racer dimostra di non aver perso un briciolo del suo carisma e della sua energia travolgente. Il lavoro svolto da Hamster Corporation è monumentale, oltre che per la competenza dimostrata nella conversione, anche per l’immenso valore culturale e storiografico intrinseco: salvare dall’oblio digitale uno dei racing game più influenti, spettacolari e tecnicamente avanzati di sempre. Per chi, come me, ha passato pomeriggi interi a studiare ogni singola traiettoria del tracciato City o a cercare di domare le insidiose curve della Mountain tra il fumo e le luci delle sale giochi, questa versione rappresenta un sogno che si avvera dopo una vita d’attesa, ancora oggi incredibilmente energico, robusto, capace di dare lezioni di puro game design a molte produzioni moderne. La sua velocità è feroce, l’estetica è un inno alla gioia digitale e la giocabilità pura estasi meccanica. Hamster ha consegnato ai posteri la versione definitiva di un’eccellenza del suo genere, un titolo che ogni appassionato di corse o di storia del medium deve assolutamente possedere. Rave Racer non è soltanto un gioco, è il polso martellante di un’epoca che non vuole smettere di correre.

Era il 1995, un anno di transizione violenta e meravigliosa per l’industria videoludica. Chi frequentava le sale giochi italiane in quel periodo ricorderà di certo, in mezzo al fragore assordante, il richiamo audiovisivo dei primi cabinati 3D. Mentre le masse si accalcavano attorno alla fluidità poligonale di Virtua Fighter 2 o rimanevano ipnotizzate dai prodigi tecnici di Tekken, in un angolo più in ombra della sala poteva capitare di scorgere un monitor che sprizzava uno stile diametralmente opposto. Era un titolo Namco, ma non somigliava a nulla di ciò che l’azienda aveva prodotto fino a quel momento, in particolar modo dopo la sua virata decisa verso il 3D. The Outfoxies apparve e transitò come una meteora: fugace, eccentrico, quasi alieno rispetto ai canoni dei picchiaduro a incontri che stavano saturando il mercato.

Mentre il dominio delle barre della salute e delle combo da imparare a memoria si faceva sempre più insistente, la proposta della casa di Pac-Man introduceva un concetto di caos controllato e di verticalità che il mondo avrebbe compreso appieno solo anni dopo. È impossibile guardare oggi alle arene dinamiche, all’uso smodato di oggetti contundenti e alla libertà di movimento di The Outfoxies senza vedervi i geni primordiali che avrebbero dato vita a Super Smash Bros.. Ma, laddove la grande N scelse la via del party game, Namco aveva optato per un’estetica da noir cinematografico, un deathmatch platformer crudo e stilizzato che puniva la staticità e premiava l’improvvisazione, ponendosi come l’anello di congiunzione tra il classico action a piattaforme e il beat’em up moderno.

Arcade Archives 2 The Outfoxies: il ritmo del noir

Da un punto di vista puramente estetico, The Outfoxies non provava nemmeno a nascondere l’esplicita dichiarazione d’amore al cinema d’azione e al fumetto d’autore voluta dal suo artefice, Masateru Umeda. La scelta cromatica virava su toni caldi e saturi, alternati a freddi corridoi di cemento e impalcature d’acciaio che contribuivano a creare un’atmosfera tra il poliziesco anni ’70 e il thriller spionistico. Ogni personaggio trasudava una personalità debordante, quasi da cartone animato della domenica mattina ma con un retrogusto brutale: dallo spericolato John Smith alla bizzarra coppia di gemelli Danny e Demi, dall’elegante Betty Doe fino al colossale Bernard White con il suo braccio meccanico o lo scimpanzé Dweeb, che vanta una ricercatezza grottesca grazie alla tuba e allo smoking.

Tecnicamente, il gioco faceva un uso magistrale dello zoom dinamico, una tecnologia che Namco aveva affinato per gestire la distanza tra i contendenti senza mai perdere di vista l’azione frenetica, e che a un primo sguardo lo avvicina a un moderno titolo indie per freschezza visiva. La colonna sonora, firmata da Masahiro Fukuzawa, era un mix eclettico di jazz sincopato e funk incalzante che sottolineava l’urgenza di ogni scontro: sentire quei fiati esplodere mentre ci si rincorre su un treno in corsa evoca immediatamente quella sensazione di pericolo imminente che trasformava ogni partita in una scena madre di un film mai girato.

Sotto la scocca, The Outfoxies rivelava la sua natura progressista: l’obiettivo non era soltanto avvicinarsi abbastanza all’avversario per colpirlo, ma era necessario dargli la caccia attraverso livelli ampi e complessi, mentre la mappatura dei controlli, in apparenza semplice, nascondeva una profondità strategica basata sulla gestione degli spazi. La vera innovazione risiedeva nella libertà totale e nel sistema di armi: potevamo lanciare casse, impugnare lanciarazzi, mitragliatrici, lanciafiamme o persino una zuppa bollente. Ogni arma ha un set limitato di munizioni, e ci obbliga di conseguenza a una perenne ricerca di risorse che trasforma il combattimento corpo a corpo nell’ultima, disperata soluzione.

A conti fatti, il titolo ha abbattuto la barriera tra giocatore e ambiente: l’arena non era uno sfondo, ma un terzo contendente attivo, e così nella modalità single player possiamo quasi affrontarlo come un platform d’azione strutturato, ma è il multiplayer a mettere in risalto la natura frenetica della competizione. Piccoli tocchi di classe, come la possibilità di rotolare a terra per spegnere le fiamme o la capacità di sparare mentre restiamo aggrappati alle funi, dimostrano una cura per i dettagli che premiava i riflessi e l’intuizione dei contendenti. Non tarderete a scoprire quanto l’IA dei nemici sia ancora oggi sorprendentemente ostica, capace di utilizzare l’ambiente contro di noi con una precisione e una spietatezza che non lasciano spazio a errori.

Miracoli tecnologici mortali

Analizzando il lato hardware, The Outfoxies girava sul sistema Namco NB-2, capace di gestire rotazioni e scalabilità degli sprite con una fluidità impressionante. Lo zoom non era un orpello, ma una necessità ludica, capace di passare da inquadrature ravvicinate a panoramiche totali senza alcuna incertezza. Era una tecnologia che ha permesso agli sviluppatori di realizzare livelli immensi tanto in altezza quanto in larghezza, che trasmettevano la sensazione di uno spazio fisico reale.

Tale approccio ha anticipato di decenni l’uso della telecamera dinamica nei giochi competitivi. Criticamente, l’uso dello zoom rimane uno dei punti più alti della tecnica 2D pre-poligonale, utile a dimostrare come la potenza di calcolo potesse migliorare il design del gameplay gestendo contemporaneamente la micro-azione del corpo a corpo e la macro-strategia dei lunghi inseguimenti. Il gioco non si limita a ingrandire gli sprite, ma adatta la prospettiva in modo che la leggibilità dell’azione rimanga perfetta anche a grandi distanze.

Il vero colpo di genio risiedeva nella natura mutevole e distruttiva dei suoi scenari, autentiche trappole mortali. Ogni partita era unica perché i livelli vivevano e morivano con i giocatori, ad esempio il fragile acquario dove un’esplosione può far piovere dal soffitto una gigantesca balena o rompere le vetrate, inondando l’area e liberando squali famelici; a quel punto l’acqua non rappresenta solo un ornamento estetico, ma altera la fisica del salto degli assassini. Oppure il grattacielo, dove un elicottero si schianta distruggendone intere sezioni, o ancora l’aereo che perde quota trasformando il pavimento in un piano inclinato letale.

In termini ludici, è un approccio che costringe a modificare di continuo la propria strategia, poiché un’arma potente diventava inutile se il terreno stava per crollare, una filosofia che culminava nella sfida finale contro Mr. e Mrs. Acme nella loro opulenta villa, e che ha influenzato tutto il filone degli arena fighter successivi. Pochi titoli hanno mantenuto quella cattiveria intrinseca dove qualsiasi oggetto del fondale può essere uno strumento di morte, rendendo la conoscenza del level design importante quanto la velocità nel premere i tasti di attacco.

Arcade Archives 2 The Outfoxies: il proiettile d’oro di Hamster

La collana Arcade Archives di Hamster Corporation è da anni il porto sicuro per ogni appassionato di retro-gaming che esige precisione e rispetto filologico. Il lavoro svolto su The Outfoxies non fa eccezione, rappresentando forse uno dei recuperi più significativi dell’intero catalogo Namco, un titolo rimasto per decenni un’oscurità accessibile solo tramite emulazione illegale. Per chi possiede Nintendo Switch o PlayStation 4, il gioco è presente nella collana standard, offrendo un’emulazione perfetta del codice originale con l’aggiunta delle consuete opzioni di personalizzazione (scanline, filtri video, mappatura dei tasti). Tuttavia, è con il salto generazionale che Hamster ha ulteriormente affinato l’offerta: grazie alla collana Arcade Archives 2, i possessori di Nintendo Switch 2, PlayStation 5 e Xbox Series possono godere di una stabilità ancora maggiore e di una riduzione dell’input lag ai minimi storici, rendendo l’esperienza arcade identica a quella che ricordavamo sotto i neon delle sale giochi, se non addirittura superiore.

Ma il valore aggiunto di questa conversione risiede nelle modalità accessorie che Hamster integra sistematicamente. Oltre alla Original Mode, che riproduce fedelmente l’esperienza del cabinato del 1995 permettendo di regolare la difficoltà e il numero di vite tramite i “dip switch” virtuali, troviamo la Hi-Score Mode grazie alla quale gli utenti vengono chiamati a scalare le classifiche online mondiali affrontando il gioco con le sue impostazioni di default, e riformulando quella che era una sfida solitaria in un confronto globale di abilità. Ancora più interessante è la Caravan Mode, che comprime l’essenza caotica di The Outfoxies in una sfida a tempo di soli cinque minuti: qui la conoscenza di espedienti e scorciatoie nonché la rapidità nel neutralizzare gli avversari diventano fondamentali per trionfare sull’architettura dinamica degli stage. La qualità del porting, unita alla possibilità di salvare istantaneamente e di consultare un manuale digitale esaustivo, è degna ancora una volta delle consuete lodi e riconosce a questo tassello fondamentale della storia dei picchiaduro il palcoscenico che meritava.

Provare The Outfoxies oggi è come ritrovare un vecchio diario di un amico e rendersi conto di quanto le sue idee fossero avanti, un passaggio irrinunciabile per l’evoluzione dei picchiaduro. Sebbene la difficoltà sia brutale, il titolo mostra tutto il coraggio del periodo e il recupero compiuto da Hamster è come sempre straordinario, orientato alla miglior preservazione possibile di una pagina di storia che rischiava l’oblio. L’emulazione impeccabile e le modalità extra aggiungono una longevità moderna a un’anima arcade intramontabile, che merita di essere studiata per la sua capacità di divertire con cattiveria e intelligenza. Insomma, sembra proprio che la Namco di una volta non abbia ancora finito di insegnare al mondo come si costruisce il caos perfetto.

Gli anni ’90, nel vasto bacino di ricordi a cui attingiamo noi giocatori un po’ più navigati, hanno rappresentato un periodo di transizione burrascoso e affascinante: mentre le console domestiche iniziavano la loro rincorsa verso la supremazia poligonale, le sale giochi mantenevano ancora un vantaggio tecnologico indiscutibile, sfornando cabinet sbalorditivi e spesso dotati di periferiche uniche. Fu proprio in questo contesto che, nell’autunno del 1996, fece il suo esordio Tokyo Wars di Namco, una produzione che, pur non avendo nulla da raccontare in termini di storia o caratterizzazione dei personaggi, catturò immediatamente l’attenzione di quanti mettevano piede nelle fortunate sale giochi che erano riuscite ad accaparrarsi uno o più cabinati, grazie alla maestosità di questi ultimi e all’immediatezza del gameplay. A quei tempi, bastava mettersi ai comandi di un veicolo da battaglia simulato e far saltare in aria quanti più nemici possibile per divertirsi, una filosofia che non sarebbe nemmeno troppo sbagliato rivisitare anche ai giorni nostri: Tokyo Wars, dal canto suo, era l’araldo perfetto di tale pensiero, proponendosi come l’evoluzione diretta, in chiave frenetica e poligonale, di classici immortali come BattleZone e l’ancestrale Combat. A quasi trent’anni di distanza, Hamster Corporation ci riporta in quel fragore  urbano con una conversione per la collana Arcade Archives 2, ma la domanda è inevitabile: il fascino grezzo e la semplicità di una volta riusciranno a fare ancora presa sui giocatori moderni?

Arcade Archives 2 Tokyo Wars: belva di sala giochi

Tokyo Wars è, in sostanza, una gara di demolizione a tempo tra due squadre, i Verdi e i Bianchi. Non c’è trama, non ci sono cinematismi elaborati che ne spieghino il perché: si sale a bordo e si spara. L’obiettivo non potrebbe essere più cristallino: distruggere più avversari possibile prima che il tempo o le unità a nostra disposizione si esauriscano. Iniziamo selezionando la squadra e il tipo di carro armato che vogliamo pilotare, dopodiché veniamo catapultati in una bolgia di cemento, cingoli e cannonate. Le meccaniche sono semplici, efficaci e, soprattutto, esilaranti.

La battaglia si svolge su due soli scenari, una limitazione che avvertivamo già all’epoca, benché non riuscisse a scalfire la pura e semplice gioia della competizione diretta. In primis abbiamo The Bay, il cantiere navale, un’area relativamente aperta che favorisce l’azione immediata ma offre comunque coperture sufficienti per intavolare duelli in stile gatto con il topo, e viceversa. Il secondo palcoscenico bellico, di gran lunga più tattico e interessante, è Downtown, un labirinto urbano di grattacieli e cavalcavia. In quest’ultima mappa, i combattimenti si trasformano da mischie a cielo aperto in vere e proprie guerre affrontate a colpi di manovre evasive e posizionamenti cruciali.

La profondità del gioco risiede nell’uso intelligente delle ambientazioni: il successo non dipende solo dalla mira, ma dal saper utilizzare gli angoli e gli edifici come copertura, anticipando gli attacchi e pianificando le ritirate. La cadenza di fuoco, malgrado non sia rapidissima, impone la gestione oculata di ogni singolo colpo. Scegliere la propria squadra e il carro da comandare è l’unica decisione strategica iniziale, dopodiché sono la coordinazione occhio-mano, i riflessi individuali e un pizzico di fortuna a dettare legge. Tokyo Wars raggiunge il suo apice solo ed esclusivamente quando si gioca contro un avversario umano; affrontare la pur aggressiva Intelligenza Artificiale, infatti, lo priva in fretta del suo mordente competitivo.

La guerra privata dei carri virtuali

Come ogni titolo arcade della metà degli anni ’90 che si rispetti, Tokyo Wars è un figlio della sua era, e indossa orgogliosamente tale definizione come una medaglia. La qualità visiva è fedele alla tecnologia 3D emergente dell’epoca, e richiama l’estetica ruvida ma funzionale di titoli come Air Combat 22 e Aqua Jet: i poligoni sono ben visibili, le texture non sono filtrate e l’illuminazione è primitiva, eppure il gioco mantiene una sua chiara leggibilità e un frame rate assolutamente granitico, un fattore cruciale nel caos della guerriglia metropolitana. La cura per i dettagli nell’arena cittadina colpisce ancora oggi, dove riusciamo a notare svariati elementi come alberi e insegne stradali che si sgretolano in maniera realistica sotto i cingoli dei carri armati. Le auto schiacciate esplodono in un tripudio di poligoni e gli effetti grafici bidimensionali, sebbene tecnicamente datati, contribuiscono a infondere un senso di gratificazione immediata tipico dei migliori arcade.

Il comparto sonoro, lungi dall’essere memorabile, possiede comunque un certo fascino, ma la sua efficacia ai giorni nostri è abbastanza divisiva: se da una parte i classici rumori come il rombo dei motori, il sibilo dei proiettili e il fragore delle detonazioni sono vibranti e autentici, dall’altra il sound design legato a doppio taglio al feedback vocale fa storcere il naso. I conflitti vengono scanditi da esclamazioni continue, esagerate e dozzinali, con i soldati virtuali che urlano a destra e a manca quando colpiscono un avversario o vengono danneggiati. È un doppiaggio intenzionalmente caricaturale che dona un tocco di fascino vintage e riflette l’approccio chiassoso delle sale giochi degli anni ’90, ma ci mette ben poco a diventare fastidioso e persino stridente durante le sessioni di gioco prolungate. È un promemoria tangibile di quanto le preferenze sul coinvolgimento acustico dei giocatori siano cambiate da una generazione all’altra.

Arcade Archives 2 Tokyo Wars: il gettone di ferro

Con la sua collana Arcade Archives, Hamster Corporation ha dato numerose riprove di una maestria quasi artigianale nel riportare in vita i classici, e la conversione di Tokyo Wars, peraltro primissima conversione su piattaforme casalinghe dell’originale, non fa eccezione. L’emulazione è una replica davvero impressionante dell’arcade, con tempi di caricamento minimi che ci trasportano in pochi istanti nel cuore nell’azione. Il porting qui presente introduce una serie di miglioramenti tecnici non indifferenti: un frame rate più elevato, supporto per VRR (Variable Refresh Rate), e opzioni visive che permettono al giocatore di scegliere tra i filtri CRT nostalgici, tanto per calcare la mano sull’autenticità della riproduzione, o un più moderno widescreen. C’è anche una tradizionale modalità Time Attack esclusiva, per quanti desiderano mettersi alla prova partita dopo partita.

L’aspetto più cruciale delle conversioni di questi arcade particolari, tuttavia, è l’adattamento dei comandi. Il cabinet originale esisteva in due versioni, Standard e Deluxe, quest’ultima dotata di schermo da 50″ e base mobile che simulava il rinculo, e utilizzava una configurazione unica per l’epoca: un volante con pulsantiera per sparare e due pedali, acceleratore e freno che configurazione, più affine a un gioco di corse che a un simulatore di carro armato, era sorprendentemente facile da padroneggiare in sala giochi. Gli sviluppatori di Hamster hanno svolto un esercizio lodevole nell’adattare tale schema ai controller moderni, dotandolo di una mappatura degli input flessibile e personalizzabile, e il porting è riuscito a mantenere la sensazione di manovra fluida ma pesante del carro armato. In particolare, la conversione riscatta il gioco originale portando il multiplayer split screen a quattro giocatori sulle console domestiche per la prima volta, un upgrade essenziale che ripristina lo spirito competitivo del titolo. Inutile negarlo, la modalità locale a più giocatori è la vera ancora di salvezza di Tokyo Wars per Arcade Archives 2, poiché riesce a elevarlo da curioso cimelio dedicato a quanti ci avevano già giocato (o avrebbero voluto farlo) in sala a esilarante party game per nostalgici.

Tokyo Wars è un’esplosione di nostalgia e azione immediata che va apprezzata per la sua semplicità brutale. Quantunque la scarsità di contenuti e di arene gli faccia esaurire il carburante un po’ troppo in fretta per il giocatore singolo, la conversione di Hamster Corporation ne esalta la vera essenza con l’introduzione del multiplayer locale a quattro giocatori (solo nella versione Arcade Archives 2), trasformandolo in un diversivo sorprendentemente ipnotico e divertente da giocare in compagnia. Insomma, è una bella reliquia di indubbio valore da aggiungere alla biblioteca di chi cerca quelle sensazioni grezze, caotiche e sincere provate nelle sale giochi degli anni ’90.

Nel crepuscolo scintillante degli anni ’90, l’era delle sale giochi stava raggiungendo il suo apice, un periodo in cui i neon e il suono metallico delle monete scandivano il ritmo di una rivoluzione ludica. Mentre i picchiaduro a incontri monopolizzavano le attenzioni, un sottogenere apparentemente meno aggressivo, ma non meno impegnativo, continuava a sfolgorare: i giochi sportivi multievento. Benché la categoria fosse dominata da riproduzioni più o meno fedeli delle varie discipline olimpiche, inaugurate dall’insigne Track & Field di Konami del 1983, fu Namco a compiere un’irruzione maestosa e repentina, un’anomalia di creatività e stile che avrebbe lasciato un segno indelebile. Sto parlando di Numan Athletics e del suo glorioso successore, Mach Breakers: Numan Athletics 2, due titoli che non si limitavano a riprodurre le solite gare di atletica per joystick e pulsanti, ma proponevano una celebrazione esagerata di forza e velocità, uno slancio in un mondo dove gli atleti erano, letteralmente, dei superuomini, i Numan, capaci di imprese che sfidavano le leggi della fisica. Il loro spirito era quello di un’epoca che non aveva paura di essere sopra le righe, di mescolare lo sport con il puro spettacolo arcade, confezionando una produzione che era tanto una prova di riflessi quanto un’esplosione di pura gioia visiva. Con l’esordio del secondo episodio sulle piattaforme casalinghe, che ne segna anche la fuoriuscita dal mercato nipponico, abbiamo la possibilità di riscoprire non solo una piccola perla del passato, ma anche un pezzo di storia che, per troppi anni, è rimasto confinato all’ombra del dimenticatoio.

Arcade Archives 2 Mach Breakers: signori, alla linea di partenza

Il primo capitolo, Numan Athletics, fece la sua comparsa nelle sale giochi nel 1993, un vero e proprio raggio di sole in un genere che, nonostante i tentativi sporadici, non aveva goduto negli anni di grandi variazioni sul tema. Il gioco, che girava sul robusto hardware Namco NA-2, si impose subito per l’estetica audace e per il concept singolare: dimenticatevi i capienti stadi olimpici e le piste in terra battuta, qui l’atletica leggera si trasformava in una serie di imprese bizzarre e sovrumane. C’erano quattro atleti a contendersi la gloria: l’affascinante Sharon L’Halles dalla Francia, il grintoso Harry Boffin dagli Stati Uniti, il saggio Masaemon Nakamura dal Giappone e il possente Bongo Tembo dal Kenya. Ognuno di loro era una caricatura ricca di personalità, che si esprimeva attraverso animazioni esagerate e frasi memorabili al fulmicotone. Il gioco proponeva otto eventi di forza e velocità che, pur richiamando i classici del genere, li reiventavano con un tocco di consapevole follia: i 100 metri piani diventavano un Turbo Dash, dove bisognava superare un’auto da corsa, mentre il salto triplo si traduceva nel Niagara Jump, un balzo che richiedeva un tempismo perfetto per non finire tra le rapide. Ma è con eventi come Vs. Express, nel quale dovevamo arrestare un treno in corsa a mani nude, e Tower Topper, un’arrampicata tra i grattacieli a colpi di salti puntuali sui muri, che Numan Athletics mostrava il suo genio. Le meccaniche erano intuitive, basate su un layout a tre pulsanti, ma la curva di apprendimento era gratificante, con un’enfasi sula tempestività e sulla precisione. A completare il quadro c’erano le musiche di Nobuoshi Sano, un breakbeat incalzante che rimaneva in testa per ore, e una grafica vivace e colorata, emblema dello stile arcade dei primi anni ’90. Numan Athletics era un gioco che non solo divertiva, ma trasmetteva un senso di gioia pura, una vera e propria competizione per superatleti con cui valeva la pena cimentarsi.

Mach Breakers, lanciato nel 1995 sulla ben più potente NB-2, cercò di sviluppare ulteriormente il concept alla base di Numan Athletics senza limitarsi a poche aggiunte estetiche, un “more of the same” nel senso più positivo del termine. Il gioco riprese il testimone dal suo predecessore per trasporlo a un livello di spettacolarità ancora più elevato. L’elenco degli atleti venne ampliato, includendo sette nuovi volti da ogni angolo del globo: il carismatico Johnny Sanders (USA), la determinata Makoto Kotobuki (Giappone), il fulmineo Michael Fletcher (Giamaica), l’elegante Sophia Rayleigh (Inghilterra), il preciso Karl Weiseman (Germania), il misterioso Masala Tikka Masala (India) e l’imponente Long Rui Hu’An (Cina). L’introduzione di un roster così variegato permetteva ai giocatori una scelta più vasta, un tocco di personalizzazione assente nel primo capitolo, anche se le differenze nelle loro statistiche erano minime e si manifestavano soprattutto in sottili variazioni di animazioni e tempismo. La struttura stessa del gioco subì un’importante revisione: gli eventi venivano ora affrontati in giornate, con una certa flessibilità nella scelta del percorso da seguire. Se un giocatore si trovava in difficoltà in una gara, poteva persino saltarla e passare alla successiva. Questo approccio rendeva il titolo più accessibile e meno punitivo, pur mantenendo l’intrinseco spirito di sfida che caratterizzava il genere. Mach Breakers si presentava come una manifestazione grandiosa ma, al contempo più perspicace in termini concettuali, dimostrando una maturità nel design che solo un team che aveva già affinato la formula poteva raggiungere.

La speranza nei cuori, e le ali ai piedi

Le meccaniche di Mach Breakers riprendono il collaudato schema a tre pulsanti, ma ogni concorso è stato riprogettato per essere più dinamico e spettacolare. Molti dei vecchi eventi vennero rivisitati in versioni ancora più estreme. Un esempio lampante è Bomb’s Away, una variante di Vs. Express in cui non si deve più fermare un treno ma un gigantesco missile, con l’aggiunta di una meccanica di accuratezza per reindirizzare la spinta. Allo stesso modo, il Non-Stop Rock Chop diventa Block Buster, una prova di forza in cui è necessario abbattere una torre segmentata a suon di pugni. Anche le nuove gare, tuttavia, denotano un estro e un’ingegnosità davvero ragguardevoli. Monster Drag è uno degli esempi più riusciti, una straordinaria prova di forza ritmica in cui il giocatore deve trascinare un enorme kaiju incatenato lungo un percorso urbano, con la possibilità di ottenere bonus di velocità se si riesce a colpire il “punto giusto” a ogni pressione. L’evento finale, Ground Spike, è un’altra dimostrazione di pura follia “numanica”, dove l’atleta, dopo essersi lanciato da una mongolfiera, deve sferrare un pugno potentissimo al suolo, e solo un tempismo perfetto può garantire il punteggio massimo. Non tutte le sperimentazioni sono però altrettanto valide: Beast Hole, una variante dell’Interceptor del primo gioco, diventa frustrante dopo poco a causa delle regole più severe e della difficoltà aumentata. Per fortuna, la maggior parte dei nuovi eventi, come il sottomarino Deep Dive o il folle Hyper Glider, nel quale si plana su una pista per montagne russe, erano brillanti e contribuiscono a rendere Mach Breakers un’esperienza unica e indimenticabile, capace di catturare l’immaginazione e di spingere il giocatore a dare il massimo per sbloccare tutti i segreti e le animazioni nascoste, anche quelle relative ai tentativi falliti.

Dal punto di vista estetico, Mach Breakers rappresenta un rimarchevole passo in avanti rispetto al suo predecessore. L’hardware NB-2 permetteva uno stile visivo più raffinato e dettagliato, con una palette di colori più profonda e animazioni dei personaggi più fluide. L’estetica, a differenza dello stile schiettamente anni ’90 dell’antesignano, ha un sapore prossimo a quello dei giochi per console casalinghe, con fondali più elaborati e una maggiore ricchezza di dettagli, dalle pubblicità di Namco sullo sfondo di Hyper Glider alle creature marine nascoste in Deep Dive. L’impatto visivo è sbalorditivo, e ogni singola disciplina trasuda un’autentica sensazione di impresa supereroistica, come nella sequenza di Bomb’s Away che si sposta su una geniale prospettiva in terza persona del missile in volo. Anche l’audio contribuisce a creare parecchia atmosfera: per quanto la musica non possieda la medesima intensità del primo capitolo, le tracce presenti sono ugualmente orecchiabili e appropriate per l’azione mostrata a schermo. Gli effetti sonori, in particolare, sono eccezionali, con il suono metallico dei pugni che vanno a segno, le esplosioni che si scatenano tutt’intorno e il ruggito dei mostri, aggiungendo un peso e un impatto quasi palpabile a ogni esibizione. Le voci dei nuovi atleti, sebbene non così iconiche come lo “STAY WITH ME, OK?” di Sharon, servono a caratterizzare e distinguere ulteriormente l’intero cast. In sintesi, Mach Breakers non era soltanto un naturale perfezionamento del gameplay di Numan Athletics, ma anche un trionfo visivo e sonoro che dimostrava quanto il genere si fosse evoluto in pochi anni.

Arcade Archives 2 Mach Breakers: è la tua occasione di rivincita!

Dopo decenni di quasi dimenticanza, interrotti solo da un’introvabile versione per cellulari giapponesi e un’edizione per Wii Virtual Console anch’essa limitata al solo mercato nipponico, la collana Arcade Archives di Hamster Corporation ha riportato Mach Breakers alla luce. Questa conversione, disponibile per console moderne come PlayStation 4 e Nintendo Switch, ma anche su PlayStation 5, Switch 2 e Xbox Series come parte della nuova linea ACA2, è un esempio di come un’emulazione possa essere non solo fedele, ma anche arricchita da opzioni moderne che ne esaltano la fruibilità, perfetto connubio tra meticoloso lavoro di conservazione e riproduzione pixel-perfect del gioco originale.

Tra le opzioni più apprezzate c’è la possibilità di utilizzare lo stick analogico per sostituire il frenetico button-mashing, un’alternativa che salva i pollici dei giocatori pur mantenendo lo spirito della sfida. I filtri grafici, che riproducono l’effetto dello schermo a tubo catodico, sono un tocco di classe per i nostalgici. Inoltre, la conversione include la possibilità di scegliere tra la ROM giapponese e quella tradotta in inglese, annullando completamente eventuali barriere linguistiche. Un’aggiunta significativa è il Time Attack, che spinge i giocatori a completare il gioco il più velocemente possibile, e la funzionalità di salvataggio dello stato, che permette di riprendere la partita in qualsiasi momento, un lusso che nelle sale giochi era impensabile. Sebbene la conversione non includa la pratica modalità Hi-Score del primo Arcade Archives: Numan Athletics, che consentiva di allenarsi su singoli eventi, la presenza dei salvataggi compensa ampiamente questa mancanza, regalando ai giocatori un escamotage per padroneggiare gli eventi più difficili senza ricominciare da capo ogni volta.

Mach Breakers: Numan Athletics 2, nella sua nuova incarnazione Arcade Archives, non è solo un semplice porting: è una riscoperta, una celebrazione di un’epoca in cui la creatività arcade raggiungeva vette insospettate. Il gioco è una delle vette più alte mai raggiunte dal genere, che ottimizza la formula del suo predecessore con una maggiore spettacolarità, un roster più ampio e un design degli eventi ancora più ispirato. La conversione di Hamster è come sempre impeccabile, grazie a un’emulazione fedele e ricca di funzionalità che si traduce nella versione definitiva di questo classico. Per gli appassionati di retrogaming e per chiunque desideri esplorare uno dei migliori titoli sportivi 2D mai creati, l’arrivo di Mach Breakers nella collana Arcade Archives è un’occasione da non perdere.

Il catalogo Game Boy Advance disponibile tramite l’abbonamento Nintendo Switch Online + Pacchetto Aggiuntivo continua ad arricchirsi. A partire dal 25 settembre 2025, due classici firmati Namco entreranno ufficialmente nella libreria: Mr. Driller 2, storico puzzle game nato in sala giochi e poi approdato su GBA, e Klonoa Empire of Dreams, avventura platform del 2001 che ancora oggi resta uno dei capitoli più amati della serie.

Di seguito una descrizione dei due giochi:

KLONOA Empire of Dreams

• Il sovrano di un lontano impero soffre di una grave forma di insonnia. Nei suoi tormenti, l’imperatore Jillius promulga una legge che vieta ai suoi sudditi di sognare. Una mattina, il nostro eroe Klonoa e l’amico Huepow si ritrovano davanti all’imperatore, accusati di aver sognato un’avventura. Come punizione per il loro crimine, dovranno sconfiggere i quattro mostri che infestano le terre. Gioca nei panni di Klonoa e abbatte i nemici con l’inseparabile Wind Bullet. Risolvi puzzle, raccogli oggetti utili come le stelle e supera 40 incredibili livelli. Aiuta Klonoa a riscattarsi e scopri perché i sogni sono diventati un tabù…

Mr. Driller 2

• Un misterioso dilagare di blocchi minaccia ancora una volta l’esistenza del mondo. Unisciti a Susumu e Anna, armati di un potente trapano, e scava tra blocchi multicolore fino a raggiungere la salvezza. Non tutti i blocchi sono distruttibili, e quelli che elimini potrebbero provocare cadute improvvise o interrompere la tua scorta d’aria! Afferra le capsule d’aria per ricaricarti e potrai proseguire verso l’obiettivo. Quanto in profondità riuscirai a scavare? Divertiti a perforare senza limiti in tre modalità: Mission Driller, Endless Driller e Time Attack Driller.

Anche questa volta saranno disponibili funzioni pensate per migliorare la quality of life, tra cui salvataggi rapidi, rewind e rimappatura dei comandi, introdotte con l’aggiornamento 3.0.0 dell’app GBA. Non manca inoltre il supporto ai 1080p in modalità portatile su Switch 2. Per non perdere nessuna novità sulle aggiunte al catalogo di Nintendo Switch Online e, più in generale, sul mondo dei videogiochi, continuate a seguire Vgmag.

Oggi, venerdì 13 ottobre 2023, esce nei negozi il coloratissimo gioco ispirato ai racconti di Dr. Seuss, “Il Grinch: Avventure Natalizie”.

Si tratta di una rielaborazione della storia originale pubblicata originariamente nel 1957 e che ha appassionato milioni di giovani al tempo: il fenomeno del Grinch è diventato, al giorno d’oggi, una vera e propria icona natalizia, con un successo tale da essere trasposto in numerosi campi, come libri, film e videogiochi.

In “Il Grinch: Avventure Natalizie” interpreteremo il ruolo del Grinch nella sua assurda missione mirata a fermare il Natale e rubare i regali degli abitanti di Chinonso per rovinare la festività. Tra avventure e piattaforme 2D, il giocatore dovrà raccogliere pezzi di puzzle per sbloccare abilità e potenziamenti che faciliteranno il compimento del suo piano malvagio.

Fedele alleato della nostra impresa sarà Max, il nostro amico a quattro zampe, utilizzabile da un secondo giocatore tramite la modalità cooperativa.

Tra i potenziamenti che potremo ottenere in-game troviamo, ad esempio, il Costume di Babbo Natale, utile per le azioni furtive, o lo Snowboard, per muoversi più velocemente e migliorare la fase di esplorazione. Riuscirai a fermare la festa come programmato o lo spirito del Natale riuscirà a farti cambiare idea? 

È arrivato il nuovo trailer di Flashback 2, non perdete il nostro articolo!