Prima la curiosità, poi la delusione. FIFA World Cup: Launch Edition era stato presentato come il possibile inizio di una nuova era per i videogiochi di calcio, ma il debutto del titolo pubblicato da Netflix sembra aver lasciato tutt’altro che il segno. Tra recensioni impietose e una community tutt’altro che convinta, il progetto sta affrontando un avvio decisamente in salita.

L’annuncio di un nuovo gioco con il marchio FIFA aveva inevitabilmente acceso l’interesse degli appassionati. Dopo la separazione tra FIFA ed EA Sports, molti speravano che il celebre brand potesse finalmente dare vita a un concorrente credibile di EA Sports FC. In un mercato dove eFootball continua a ritagliarsi una propria nicchia e nuovi progetti come GOALS e UFL cercano ancora di conquistare il grande pubblico, FIFA World Cup: Launch Edition sembrava avere tutte le carte in regola per ritagliarsi uno spazio importante. La realtà, almeno per ora, racconta una storia molto diversa.

Le prime valutazioni della stampa specializzata sono state particolarmente severe. Tra le più dure spicca quella di VGC, che ha assegnato al gioco un pesantissimo 1/5, criticando praticamente ogni aspetto della produzione. Secondo la testata, il comparto tecnico appare datato, con una qualità grafica che ricorda i titoli dell’era PlayStation 3 e Xbox 360. Nemmeno il commento audio è riuscito a convincere, venendo addirittura paragonato agli standard dei giochi calcistici della generazione PlayStation 2. Un giudizio che fotografa un progetto percepito come ben lontano dalle aspettative create attorno al ritorno del marchio FIFA.

In realtà, i primi campanelli d’allarme erano arrivati già prima del lancio. L‘Official Gameplay Trailer, pubblicato per mostrare le potenzialità del gioco, aveva infatti raccolto numerosi commenti negativi sui social. Molti utenti avevano ironizzato sulla qualità delle animazioni, sulla fisica del pallone e sull’impatto grafico generale, lasciando intuire che il progetto avrebbe potuto incontrare più di una difficoltà una volta arrivato sul mercato. Le recensioni pubblicate dopo il debutto sembrano aver confermato quei timori.

Il caso di FIFA World Cup: Launch Edition dimostra ancora una volta quanto sia difficile entrare in un mercato dominato da franchise consolidati. Il nome FIFA rappresenta senza dubbio uno dei marchi più riconoscibili del calcio mondiale e la vicinanza ai Mondiali 2026 sembrava poter offrire un’importante spinta commerciale. Tuttavia, la licenza da sola non è sufficiente se non è accompagnata da un prodotto all’altezza delle aspettative. Per il momento, EA Sports FC continua a mantenere saldamente la leadership del settore, mentre i nuovi concorrenti sono chiamati a dimostrare di poter offrire un’esperienza davvero competitiva. FIFA World Cup: Launch Edition aveva tutte le premesse per riaccendere la sfida nel panorama dei videogiochi calcistici. Le prime impressioni, però, raccontano di un debutto complicato che rischia di trasformare quello che doveva essere un nuovo inizio in una delle più grandi occasioni mancate degli ultimi anni.

La caccia ai demoni non è ancora finita. Anzi, sta per entrare nella sua fase finale. Netflix ha annunciato ufficialmente che Devil May Cry tornerà con una terza stagione, confermando che il progetto anime tratto dalla celebre saga di Capcom arriverà alla sua conclusione con quello che sarà il capitolo finale della storia di Dante. E, a quanto pare, tutto era stato pianificato fin dall’inizio.

A chiarire la direzione del progetto è stato direttamente Adi Shankar, showrunner e produttore della serie, che ha spiegato come la struttura narrativa fosse nascosta sotto gli occhi di tutti fin dalla prima stagione. Secondo Shankar: “Chi ha prestato attenzione ai nomi di tutta la serie, avrà notato che ne ho mostrato la struttura per tutto il tempo. È sempre stata la Divina Commedia di Dante con armi da fuoco e un cappotto rosso.” E la suddivisione delle stagioni segue proprio questa filosofia:

• Stagione 1 = Inferno
• Stagione 2 = Purgatorio
• Stagione 3 = Paradiso

Lo showrunner ha inoltre aggiunto che l’intera “Saga Force Edge” è stata concepita come: “Una trilogia di film camuffata da serie televisiva.” Una dichiarazione che chiarisce definitivamente la natura del progetto: non semplici stagioni scollegate, ma un’unica grande storia divisa in tre atti. L’annuncio arriva mentre i fan hanno da poco concluso la seconda stagione, sempre più focalizzata sul rapporto tra Dante e Vergil. La terza stagione rappresenterà quindi il punto d’arrivo di un percorso che, almeno nelle intenzioni degli autori, vuole reinterpretare l’universo Devil May Cry in chiave più cinematografica e strutturata. E considerando i riferimenti alla Divina Commedia, è probabile che il finale punti a qualcosa di ancora più ambizioso.

Per chi si fosse perso qualche passaggio: Devil May Cry nasce nel 2001 su PlayStation 2. La serie venne creata da Hideki Kamiya, autore diventato poi famoso anche per lavori come Okami e Bayonetta, trasformandosi rapidamente in uno dei franchise action più iconici di Capcom. Tra combo impossibili, demoni giganteschi e protagonisti incredibilmente stilosi, la saga è riuscita a costruire una fanbase enorme che continua ancora oggi a seguire ogni nuova incarnazione del brand. Attualmente stagione 1 e stagione 2 sono disponibili su Netflix. Ora resta soltanto una domanda. Se Inferno e Purgatorio hanno già portato sangue, demoni e scontri spettacolari, cosa significherà davvero Paradiso nell’universo di Devil May Cry? Probabilmente una cosa sola: più caos. E più Dante.

Giugno 2026 è uno di quei mesi pericolosi. Pericolosi per il portafoglio, per il sonno, per la produttività e soprattutto per quella bugia che ci raccontiamo ogni stagione: “seguirò solo due o tre anime”. Spoiler: non succederà. Tra archi narrativi entrati ormai nella loro fase più esplosiva, sequel che il fandom aspettava da mesi, nuovi adattamenti pronti a conquistare il pubblico e un calendario cinematografico pieno di cult senza tempo, giugno sembra costruito appositamente per mettere in crisi qualsiasi watchlist. Il mese porta con sé tutto ciò che rende l’animazione giapponese così imprevedibile: si passa dai drammi esistenziali di personaggi intrappolati nei loop temporali alle guerre tra giganti, dalle battaglie scientifiche nello spazio alle rom-com scolastiche, senza dimenticare detective immortali, slime politici, artisti della magia, assassini adolescenti e protagonisti che continuano ostinatamente a voler salvare il mondo invece di andare in terapia. C’è poi un altro fattore importante: giugno rappresenta una zona di confine. Alcune serie stanno entrando nella parte conclusiva delle rispettive stagioni, altre stanno preparando i grandi colpi di scena estivi e molte stanno iniziando a costruire il terreno per ciò che vedremo nella seconda metà del 2026. In altre parole: questo è uno di quei mesi in cui rimanere indietro significa rischiare spoiler per settimane. Prepariamo quindi telecomando, snack e ore di sonno sacrificabili: ecco tutto ciò che dovreste guardare a giugno 2026.

Le serie settimanali da seguire

One Piece

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi di giugno: 1165, 1166, 1167, 1168

Sinossi:
Dopo aver attraversato mari impossibili, sconfitto imperatori, governi corrotti e praticamente qualsiasi cosa si sia messa tra lui e il suo sogno, Monkey D. Luffy è finalmente entrato a Elbaf, la leggendaria terra dei giganti. Ma quella che inizialmente sembra un’isola dominata dall’avventura e dalla meraviglia nasconde segreti destinati a scuotere l’intero mondo. Tra antiche eredità, Cavalieri di Dio, misteriosi principi giganti e verità legate alla Saga Finale, One Piece continua la sua corsa verso il gran finale senza rallentare nemmeno per un secondo.

Detective Conan

Piattaforma: Anime Generation
Episodi: 1203, 1204, 1205, 1206

Sinossi:
Shinichi Kudo continua a vivere il peggior incubo logistico possibile: essere un detective geniale intrappolato nel corpo di un bambino mentre cerca di smantellare una delle organizzazioni criminali più pericolose del mondo. Nel frattempo Conan continua a risolvere omicidi, rapimenti, casi impossibili e misteri sempre più intricati.

Re -Starting Life in Another World- Stagione 4

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 9, 10, 11, 12

Sinossi:
Subaru Natsuki continua il suo viaggio nel fantasy più crudele dell’animazione moderna. Intrappolato in un mondo dove ogni errore può essere corretto soltanto morendo e ricominciando, il protagonista affronta nuove minacce, conflitti politici e traumi psicologici sempre più devastanti. Re resta una delle poche serie capaci di alternare momenti romantici, horror psicologico e disperazione assoluta nel giro di pochi minuti.

Dr. STONE SCIENCE FUTURE

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 34, 35, 36, 37

Sinossi:
Dopo aver ricostruito l’umanità partendo letteralmente da pietre e bastoni, Senku e il Regno della Scienza sono ormai arrivati a un obiettivo che all’inizio sembrava assurdo: raggiungere lo spazio. Dr. Stone continua a trasformare formule chimiche, invenzioni e progresso tecnologico in un’avventura epica, ricordandoci che la scienza può essere spettacolare quanto una battaglia shonen.

Digimon BeatBreak

Piattaforma: Anime Generation
Episodi: 34, 35, 36, 37

Sinossi:
Nuove minacce digitali, partner sempre più potenti e un mondo reale che continua a intrecciarsi con quello virtuale: Digimon BeatBreak prosegue la tradizione della saga mantenendo intatto lo spirito avventuroso che ha reso iconico il franchise. Tra evoluzioni spettacolari e temi più maturi, la serie continua a dimostrare perché Digimon sia ancora oggi molto più di semplice nostalgia.

That Time I Got Reincarnated as a Slime Stagione 4

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 9, 10, 11, 12

Sinossi:
Rimuru Tempest ha ormai superato il concetto tradizionale di protagonista isekai. Da semplice slime reincarnato è diventato leader politico, stratega militare e punto di riferimento per un’intera nazione. Tra diplomazia, battaglie e gestione di alleanze internazionali, la quarta stagione continua ad ampliare uno dei mondi fantasy più ricchi degli ultimi anni.

Classroom of the Elite Stagione 4

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 13, 14, 15, 16

Sinossi:
La prestigiosa scuola Koudo Ikusei continua a essere meno un istituto scolastico e più una guerra psicologica permanente. Ayanokoji e i suoi compagni affrontano nuovi esami, alleanze fragili e manipolazioni sempre più sofisticate in una serie che trasforma semplici studenti in autentici strateghi machiavellici.

Daemons of the Shadow Realm

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 10, 11, 12, 13

Sinossi:
Due fratelli separati, misteriosi poteri ancestrali e creature soprannaturali legate a un destino oscuro. L’opera di Hiromu Arakawa (Full Metal Alchemist) continua a costruire un fantasy ricco di mistero e worldbuilding, confermando ancora una volta la capacità dell’autrice di creare universi narrativi affascinanti.

Witch Hat Atelier

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 10, 11, 12, 13

Sinossi:
Coco sogna di diventare maga in un mondo dove la magia è riservata a pochi eletti. Quando scopre accidentalmente un segreto proibito, la sua vita cambia completamente. Witch Hat Atelier combina worldbuilding incredibile, magia affascinante e un’estetica visiva straordinaria, trasformandosi rapidamente in uno dei fantasy più raffinati degli ultimi anni.

The Drops of God

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 9, 10, 11, 12

Sinossi:
Dietro un bicchiere di vino si nasconde una battaglia fatta di eredità, rivalità familiari e cultura enologica. The Drops of God continua a dimostrare come persino il vino possa diventare terreno perfetto per raccontare competizione, passione e crescita personale.

Kill Blue

Piattaforma: Crunchyroll / Netflix
Episodi: 9, 10, 11, 12

Sinossi:
Un assassino professionista viene trasformato improvvisamente in adolescente e costretto a infiltrarsi in una scuola. Quello che sembra un semplice espediente comico diventa rapidamente un mix esplosivo di azione, humor e vita scolastica.

Mao

Piattaforma: Prime Video
Episodi: 10, 11, 12, 13

Sinossi:
Tra viaggi temporali, demoni, maledizioni e misteri irrisolti, Mao porta ancora una volta la firma inconfondibile di Rumiko Takahashi. La serie costruisce lentamente un intricato puzzle soprannaturale dove ogni nuova risposta genera altre domande.

Agent of the Four Seasons: Dance of Springs

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 11, 12, 13, 14

Sinossi:
Le stagioni assumono forma umana in un mondo poetico e malinconico dove emozioni, natura e destino si intrecciano continuamente. Una delle produzioni fantasy più eleganti e artisticamente curate dell’anno.

The Beginning After the End Stagione 2

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 10, 11, 12

Sinossi:
Dopo essere morto da re, Arthur Leywin riceve una seconda possibilità in un nuovo mondo dominato da magia e guerre. Ma ricominciare non significa vivere una vita facile: nuove responsabilità, antichi poteri e minacce crescenti renderanno la sua crescita tutt’altro che semplice.

Nippon Sangoku

Piattaforma: Prime Video
Episodi: 10, 11, 12

Sinossi:
In un Giappone futuristico diviso in tre grandi blocchi politici, guerre, alleanze e giochi di potere ridisegnano continuamente gli equilibri. Un’opera che mescola geopolitica, strategia militare e fantascienza.

Liar Game

Piattaforma: Crunchyroll
Episodi: 9, 10, 11, 12

Sinossi:
Bugie, manipolazione psicologica e giochi ad altissima tensione economica. Liar Game trasforma la fiducia umana in un’arma e costruisce una continua guerra mentale.

Hokuto no Ken: Fist of the North Star

Piattaforma: Prime Video
Episodi: 11, 12

Sinossi:
In un mondo post-apocalittico dominato dalla violenza, Kenshiro continua il suo viaggio tra arti marziali, vendetta e iconiche frasi entrate nella storia dell’animazione giapponese.

Le grandi uscite streaming

My Hero Academia Stagione 6

Data: 1 giugno 2026
Piattaforma: Netflix

Sinossi:
Il mondo degli eroi non è mai stato così fragile. Dopo eventi che hanno ridefinito completamente gli equilibri tra eroi e villain, Izuku Midoriya e i suoi compagni affrontano una realtà dove il confine tra giusto e sbagliato diventa sempre più sfumato. La sesta stagione rappresenta uno dei momenti più oscuri e maturi dell’opera di Kohei Horikoshi: battaglie devastanti, sacrifici pesanti e la sensazione costante che nessuno sia davvero al sicuro. Preparatevi a vedere un Deku molto diverso da quello degli inizi.

Shangri-La Frontier Stagione 2

Data: 1 giugno 2026
Piattaforma: Netflix

Sinossi:
Rakuro Hizutome, specialista assoluto nel completare videogiochi terribili e pieni di bug, continua la sua avventura dentro Shangri-La Frontier, il VRMMO più ambizioso mai creato. La seconda stagione espande ulteriormente il mondo di gioco introducendo nuove aree, boss monumentali e rivalità sempre più intense, mantenendo quell’equilibrio quasi perfetto tra spettacolarità, ironia e amore autentico per la cultura videoludica.

La Leggenda di Vox Machina Stagione 4

Data: 3 giugno 2026
Piattaforma: Prime Video
12 episodi  (3 episodi ogni mercoledì)

Sinossi:
Il party più caotico del fantasy contemporaneo torna con una nuova stagione fatta di mostri giganteschi, traumi emotivi, battute discutibili e quantità industriali di caos organizzato. Nato dalle campagne di Critical Role, Vox Machina continua a distinguersi per il perfetto equilibrio tra avventura epica e umorismo adulto, con personaggi che riescono a essere contemporaneamente eroi e completi disastri umani.

Jumpers – Un salto tra gli animali

Data: 3 giugno 2026
Piattaforma: Disney+

Sinossi:
Jumpers -Un salto tra gli animali porta gli spettatori in un’avventura pensata per un pubblico giovane e familiare, dove il contatto con il mondo animale diventa il cuore del racconto. La serie punta su scoperta, meraviglia e spirito d’avventura, accompagnando i protagonisti in un viaggio fatto di incontri speciali, ambienti naturali e situazioni capaci di unire leggerezza e messaggi educativi. Un titolo ideale per chi cerca qualcosa di più tenero e accessibile rispetto alle solite battaglie shonen, ma senza rinunciare al senso di stupore.

Horimiya Stagione 2

Data: 15 giugno 2026
Piattaforma: Netflix

Sinossi:
Dietro l’apparenza della classica commedia romantica scolastica si nasconde una delle storie sentimentali più sincere degli ultimi anni. Horimiya continua a raccontare relazioni, insicurezze e crescita personale attraverso personaggi estremamente umani, capaci di trasformare piccoli momenti quotidiani in scene memorabili. La seconda stagione promette di approfondire ancora di più il rapporto tra Hori, Miyamura e tutto il loro gruppo di amici.

BAKI-DOU: L’invincibile Samurai Parte 2

Data: 18 giugno 2026
Piattaforma: Netflix

Sinossi:
Se cercate realismo, probabilmente siete nel posto sbagliato. Se cercate combattimenti assurdi, uomini grandi quanto armadi che distruggono muri a pugni e dialoghi pronunciati con la serietà di Shakespeare prima di spaccarsi la faccia, allora Baki è esattamente ciò che vi serve. La seconda parte di BAKI-DOU continua l’evoluzione muscolare e completamente folle del franchise.

Dragon Ball Super: Broly

Data: 19 giugno 2026
Piattaforma: Disney+

Sinossi:
Uno dei film più amati dell’era moderna di Dragon Ball arriva finalmente in catalogo. Broly reintroduce il leggendario Saiyan con una riscrittura completa del personaggio, trasformandolo in qualcosa di molto più profondo rispetto al passato. Il risultato è uno scontro spettacolare, animato magnificamente e capace di offrire alcune delle migliori sequenze action mai viste nella saga.

Dragon Ball Super: Super Hero

Data: 19 giugno 2026
Piattaforma: Disney+

Sinossi:
Questa volta tocca a Gohan e Piccolo raccogliere il peso della storia. Super Hero abbandona momentaneamente Goku e Vegeta per concentrarsi su personaggi rimasti troppo a lungo in secondo piano, costruendo una storia che mescola nostalgia, nuove trasformazioni e tantissimo fanservice intelligente per gli appassionati storici.

Al cinema

La Principessa Mononoke

Date: dal 4 al 10 giugno 2026

Sinossi:
Più che un film, un’esperienza generazionale. Hayao Miyazaki realizza uno dei suoi lavori più complessi raccontando il conflitto eterno tra uomo e natura attraverso una storia fatta di guerra, spiritualità e distruzione ambientale. A quasi trent’anni dall’uscita originale, La Principessa Mononoke continua a essere una lezione di animazione e storytelling che ogni appassionato dovrebbe vedere almeno una volta nella vita.

Toy Story 5

Data: 17 giugno 2026

Sinossi:
Woody, Buzz e il resto della banda tornano ancora una volta sul grande schermo per dimostrare che crescere è difficile, ma lasciare andare il passato lo è ancora di più. Dopo aver ridefinito il cinema d’animazione per decenni, la saga Pixar torna con nuove avventure e l’enorme responsabilità di continuare una delle serie più amate della storia.

ARION

Date: 22-23-24 giugno 2026

Sinossi:
Considerato uno dei classici fantasy più importanti dell’animazione giapponese, ARION torna nelle sale italiane permettendo a vecchi fan e nuove generazioni di riscoprire un’opera che fonde mitologia greca, avventura epica e animazione old school. Un’occasione rara per recuperare un pezzo fondamentale della storia anime direttamente sul grande schermo.

Se maggio era stato un mese di transizione, giugno 2026 è il momento in cui il calendario anime decide semplicemente di dichiarare guerra al tempo libero. Da una parte abbiamo i colossi storici che continuano a dominare la conversazione (One Piece, Detective Conan, Re e Dr. Stone), dall’altra troviamo sequel attesissimi, adattamenti ambiziosi e nuove produzioni che stanno cercando di ritagliarsi uno spazio in un mercato sempre più competitivo. La sensazione più interessante, però, è un’altra: l’industria anime continua a dimostrare di saper convivere con tutto. Shonen giganteschi e serie intimiste, fantasy mastodontici e romance scolastici, remake nostalgici e produzioni sperimentali. Quindi la vera domanda non è più “cosa guardare?”. La vera domanda è: quale sacrificio farete per recuperare tutto? Sonno? Vita sociale? Pausa pranzo? Scegliete con attenzione. Elbaf, Subaru, Senku e compagnia non aspetteranno.

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Quando si parla di Zerocalcare, non si parla semplicemente di una serie animata o di un autore di fumetti adattato per lo schermo. Si parla di un linguaggio ormai riconoscibile, quasi un codice emotivo condiviso, che negli ultimi anni ha saputo trasformarsi da fenomeno di nicchia a voce centrale nel racconto generazionale italiano. Con Strappare lungo i bordi prima, e a seguire Questo mondo non mi renderà cattivo, Zerocalcare ha costruito una forma narrativa che unisce autobiografia, satira sociale, introspezione psicologica e una sorprendente capacità di parlare di politica senza mai perdere il radicamento nel quotidiano. La serie Due Spicci, ultima tappa di questo percorso, arriva quindi con un carico di aspettative particolarmente elevato. Non si tratta soltanto di una nuova storia, ma di una sorta di verifica ulteriore della tenuta di un linguaggio ormai consolidato. La domanda, più o meno implicita, che accompagna lo spettatore è sempre la stessa: quanto può ancora evolvere Zerocalcare senza perdere la sua identità? Lo scopriamo dal 27 maggio su Netflix; noi intanto vi raccontiamo le nostre impressioni in questa recensione.

Due Spicci: un’ultima riflessione di Zerocalcare

Per rispondere alla domanda circa l’identità di Zerocalcare (presente anche nel documentario Generazione Fumetto) e del suo stile, è utile ripercorrere in prima battuta il punto in cui eravamo rimasti. Strappare lungo i bordi aveva rappresentato un’esplosione di consapevolezza narrativa, in cui il tema del fallimento personale si intrecciava con una struttura quasi da road movie mentale. Questo mondo non mi renderà cattivo, invece, aveva segnato uno spostamento più netto verso la dimensione sociale e politica, mantenendo però intatta la centralità dell’io narrante e delle sue nevrosi, sempre filtrate attraverso il rapporto con gli amici storici e con la periferia romana come spazio identitario. Due Spicci si colloca esattamente in questo punto di equilibrio: un territorio in cui la maturità narrativa dell’autore è ormai evidente, ma in cui permane una forte tensione tra racconto personale e osservazione collettiva.

Fin dai primi minuti della serie, infatti, si percepisce un cambio di tono sottile, ma significativo. Se le opere precedenti si aprivano spesso con un’energia quasi caotica, costruita su ritmi serrati e continue divagazioni comiche, qui l’impianto narrativo appare più controllato, più riflessivo, quasi più “stanco” in senso positivo; vediamo non una stanchezza creativa, ma una consapevolezza diversa del peso delle cose raccontate. In Due Spicci, tuttavia, questa struttura assume una sfumatura leggermente diversa: la componente comica resta presente, ma appare meno dominante. Le battute, le gag e le deviazioni umoristiche non scompaiono, ma sembrano inserirsi in un contesto più malinconico, dove la risata non è mai completamente liberatoria. È come se ogni momento di leggerezza fosse immediatamente seguito da una consapevolezza più pesante, che riporta lo spettatore alla dimensione di fondo della serie: quella di un disagio esistenziale che non trova mai una vera risoluzione.

Emotività, intimismo e tempi dilatati, segno di crescita e maturità

Dal punto di vista tematico, Due Spicci prosegue l’esplorazione delle dinamiche già affrontate nelle opere precedenti, ma le porta in una direzione più intimista. Il rapporto con gli amici storici diventa ancora una volta centrale, ma viene trattato con una maggiore attenzione alla distanza che il tempo introduce inevitabilmente nelle relazioni. Non si tratta più soltanto di complicità o conflitto, ma della percezione crescente che le vite si siano parzialmente separate, pur continuando a condividere uno stesso linguaggio di origine. Anche il rapporto con la città di Roma, elemento fondamentale nell’universo di Zerocalcare, assume una connotazione più stratificata. La periferia non è più soltanto uno sfondo identitario o un luogo di appartenenza, ma diventa una sorta di archivio emotivo. Ogni strada, ogni palazzo, ogni luogo apparentemente insignificante sembra contenere una memoria, un frammento di passato che riaffiora senza essere mai completamente elaborato.

Uno degli elementi più interessanti della serie è anche la gestione del tempo narrativo. A differenza delle precedenti produzioni, dove la struttura era spesso più compatta e focalizzata su un arco emotivo relativamente definito, Due Spicci si concede una maggiore dispersione. Gli episodi non seguono sempre una progressione lineare, ma alternano presente, passato e digressioni interiori in modo più fluido e meno rigidamente strutturato (abbiamo parlato in maniera approfondita del tempo narrativo nel nostro approfondimento su Marcel Proust, all’interno della rubrica Game Dam). Questa scelta contribuisce a rafforzare l’idea di una mente che non procede per linee rette, ma per associazioni emotive.

Più pacatezza e consapevolezza, senza arrendevolezza

Dal punto di vista visivo, la serie mantiene lo stile ormai consolidato dell’autore, con un’animazione volutamente non levigata, che privilegia l’espressività rispetto alla perfezione tecnica. Anche in questo caso, però, si nota una leggera evoluzione: alcuni passaggi risultano più curati nella regia, con un uso più consapevole delle inquadrature e dei tempi di silenzio. I momenti non verbali assumono un peso maggiore rispetto al passato, suggerendo che il racconto non ha più bisogno di spiegare tutto attraverso il dialogo o la voce narrante. Uno degli aspetti più riusciti dell’opera è proprio la capacità di alternare registro comico e drammatico senza soluzione di continuità. Tuttavia, a differenza delle serie precedenti, qui la transizione tra questi due poli appare meno brusca e più integrata. Il dolore non è più semplicemente interrotto dalla battuta comica, ma convive con essa nello stesso spazio narrativo.

Sul piano emotivo, invece, Due Spicci è probabilmente una delle opere più mature di Zerocalcare. Non perché rinunci ai suoi tratti distintivi, ma perché li utilizza con una consapevolezza diversa. Il senso di inadeguatezza, la paura di non essere all’altezza, il confronto costante con le aspettative sociali e personali non vengono mai risolti, ma vengono osservati con uno sguardo meno impaziente, più disposto ad accettare la complessità delle emozioni. Anche la dimensione politica, pur non essendo centrale come in altre opere, rimane sullo sfondo come presenza costante. Non si manifesta attraverso dichiarazioni esplicite, ma attraverso il modo in cui i personaggi vivono il proprio contesto sociale: la precarietà lavorativa, la difficoltà di costruire un futuro stabile, il senso di immobilità generazionale sono elementi che attraversano tutta la narrazione senza mai diventare didascalici.

Due Spicci finali, i “two cents” di Zerocalcare

Uno degli elementi che potrebbe dividere maggiormente l’opinione degli spettatore è proprio questa maggiore lentezza narrativa. Chi si aspetta il ritmo più serrato delle prime opere potrebbe trovare Due Spicci meno immediata, meno “esplosiva”. Tuttavia, questa scelta sembra coerente con l’evoluzione dell’autore, che appare sempre più interessato a esplorare la dimensione della pausa, del non detto, dello spazio vuoto tra un evento e l’altro. In questo senso, la serie sembra quasi riflettere una fase più adulta non solo dei personaggi, ma dello stesso autore.

Non si tratta più di raccontare la crescita o il passaggio dall’adolescenza all’età adulta, ma di osservare cosa accade quando quella transizione è già avvenuta e ci si trova a fare i conti con le sue conseguenze a lungo termine. Il risultato è un’opera che non cerca di stupire attraverso colpi di scena o svolte narrative particolarmente sorprendenti, ma che lavora sulla coerenza interna del suo mondo emotivo. Ogni episodio contribuisce a costruire un mosaico di sensazioni più che una trama tradizionale, e questo approccio può risultare più o meno coinvolgente a seconda delle aspettative dello spettatore.

Una delle opere più leggendarie della storia dei manga sta per tornare in una veste completamente nuova. THE RIBBON HERO, il nuovo adattamento ispirato a Princess Knight di Osamu Tezuka, arriverà in streaming mondiale su Netflix dall’8 agosto. Insieme all’annuncio sono stati pubblicati il primo trailer ufficiale e una nuova locandina, che mostrano il ritorno della principessa guerriera più iconica della storia degli anime e dei manga. E sì: il risultato sembra un mix tra fiaba classica, fantasy moderno e stile visivo da anime d’autore.

Ecco il trailer.

La protagonista Sapphire, conosciuta in Italia come Zaffiro, sarà doppiata da Saya, famosa in Giappone come membro del duo comico Lalande. Per lei si tratta del primo grande ruolo da protagonista in un lungometraggio animato, scelta che ha già acceso la curiosità dei fan. Nel trailer possiamo vedere una reinterpretazione molto più cinematografica dell’universo creato da Tezuka, con combattimenti eleganti, atmosfere da fiaba europea e un comparto artistico che punta fortissimo sull’estetica fantasy.

Alla regia troviamo Yuki Igarashi, già noto per aver diretto l’episodio “Lop and Ocho” di Star Wars: Visions. L’animazione è affidata allo studio OUTLINE, mentre il character design originale è curato da Kei Mochizuki. Nel team creativo figurano inoltre:

• Issei Arakaki per l’animazione dei character design
• Cedric Herole alla direzione artistica
• Mai Yoneyama come collaboratrice al design
• TWIN ENGINE alla produzione

Insomma: Netflix sembra voler trattare il ritorno della Principessa Zaffiro come un evento anime di primo piano. Per chi non lo sapesse, Princess Knight è considerato uno dei manga più importanti di sempre. Pubblicato da Osamu Tezuka, il “Dio del Manga”, è stato uno dei primi grandi racconti shojo della storia giapponese, ma anche uno dei primi anime/manga a proporre una protagonista femminile combattiva, avventurosa e fuori dagli schemi. La storia segue Zaffiro, principessa del regno di Silverland, nata con due cuori: uno femminile e uno maschile. Per poter ereditare il trono dovrà vivere una doppia identità tra duelli, intrighi politici, magia e cavalieri. E detta oggi… continua a sembrare incredibilmente moderna.

In Italia il manga è pubblicato da J-POP Manga con il titolo La principessa Zaffiro all’interno della collana Osamushi Collection. Ma THE RIBBON HERO potrebbe rappresentare il primo vero grande ritorno internazionale del franchise per il pubblico moderno. E considerando quanto gli anime fantasy dal taglio fiabesco stiano tornando fortissimi negli ultimi anni… Netflix potrebbe aver trovato un’altra gemma pronta a conquistare sia i nostalgici che una nuova generazione di spettatori.

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『THE RIBBON HERO リボンヒーロー』
　　　メインビジュアル公開

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この想いは剣になる

✦ℂ𝔸𝕊𝕋✦
サファイア：#サーヤ（ラランド）

2026年8月8日(土)Netflix世界独占配信#THERIBBONHERO #リボンヒーロー pic.twitter.com/pICJoio09I

— 『THE RIBBON HERO リボンヒーロー』公式@Netflix映画 (@the_ribbon_hero) May 26, 2026

Quando Netflix annunciò l’adattamento animato di Devil May Cry, metà fandom reagì con entusiasmo e l’altra metà con lo stesso sguardo diffidente che Dante riserva ai demoni di basso livello prima di sparargli in faccia con Ebony & Ivory. La prima stagione aveva lasciato sensazioni contrastanti: tanto stile, parecchio caos, qualche intuizione interessante, ma anche la sensazione che la serie stesse cercando disperatamente di sembrare “cool” senza comprendere davvero cosa renda Devil May Cry così iconico. La seconda stagione cambia marcia. Non completamente, non perfettamente, ma abbastanza da far sembrare questo adattamento finalmente degno del nome che porta. La nuova stagione di Devil May Cry è più vicina allo spirito dei giochi Capcom, comprende meglio i suoi personaggi e, soprattutto, smette di trattare Dante come un meme ambulante con la pizza in mano e le pistole giganti. E sapete qual è la vera sorpresa? Il cuore della stagione non è nemmeno Dante. È Vergil.

Il vero protagonista della stagione è il figlio preferito di Sparda

La seconda stagione riprende poco dopo il finale precedente. Il mondo umano ormai conosce l’esistenza del Makai, DARKCOM continua la propria guerra contro i demoni e il fragile equilibrio tra i due mondi è ormai definitivamente collassato. In questo scenario rientra in scena Vergil, e basta la sua presenza per cambiare completamente il tono della serie. Dante rimane il Dante che conosciamo: sarcastico, impulsivo, spaccone, capace di passare da una battuta idiota a una carneficina in pochi secondi. Ma Vergil è l’esatto opposto. Freddo, elegante, controllato, quasi inquietante nella sua calma. La serie costruisce tutto attorno a questo contrasto. Ed è qui che finalmente l’adattamento Netflix inizia davvero a funzionare.

Perché chi conosce bene la saga di Devil May Cry sa perfettamente che il rapporto tra Dante e Vergil non è mai stato solo “fratello buono contro fratello cattivo”. È sempre stato un conflitto emotivo molto più tragico: due persone traumatizzate che hanno reagito alla stessa perdita in modi completamente diversi. La serie finalmente lo capisce. I flashback dedicati all’infanzia dei figli di Sparda e al rapporto con Eva sono tra i momenti migliori dell’intera stagione. Non perché reinventino qualcosa, ma perché riescono finalmente a dare peso emotivo alle battaglie. Quando Dante e Vergil si scontrano, non sembrano due action figure che combattono per fanservice. Sembrano davvero due fratelli incapaci di comunicare in altro modo. Ed è esattamente quello che Devil May Cry dovrebbe essere.

Parliamoci chiaro: Vergil domina questa stagione. Ogni volta che compare sullo schermo, la serie si accende. Il problema della prima stagione era che molti personaggi sembravano costruiti solo attorno all’estetica edgy anni 2000. Qui invece Vergil riceve finalmente uno sviluppo vero. La sua ossessione per il potere, il senso di perdita, il rancore verso il mondo umano e il trauma legato alla madre vengono trattati con molta più attenzione. Non è semplicemente “il fratello figo con la katana”. È un uomo spezzato che ha trasformato il dolore in ossessione. E la cosa più interessante è che la serie evita quasi sempre di trasformarlo in un villain monodimensionale. Certo, rimane arrogante, crudele e spesso spietato, ma si capisce sempre da dove arriva quella rabbia. Anche visivamente, STUDIO MIR lo tratta come una divinità anime. Ogni scena con Yamato sembra uscita direttamente da una boss fight di Devil May Cry 5. Tagli dimensionali, combattimenti iper veloci, distorsioni dello spazio: tutto trasmette la sensazione che Vergil sia costantemente un passo sopra chiunque altro. E onestamente? Funziona alla grande.

Dante è molto più vicino al Dante dei videogiochi

Una delle critiche più grandi alla prima stagione era il modo in cui Dante veniva rappresentato. Spesso sembrava quasi una caricatura del personaggio: troppo rumoroso, troppo sopra le righe, troppo interessato a fare il buffone. Qui invece c’è più equilibrio. Sì, continua a lanciare battute stupide nel mezzo dei combattimenti. Sì, continua a comportarsi come qualcuno che probabilmente spenderebbe gli ultimi soldi per pizza e gelato invece di pagare l’affitto dell’agenzia. Ma finalmente emerge anche il lato fragile del personaggio. La serie ricorda che dietro il cacciatore di demoni coatto c’è un uomo che ha perso praticamente tutto. E soprattutto, la presenza di Vergil permette a Dante di smettere di essere solo il protagonista cool della situazione. Ogni loro interazione aggiunge peso emotivo alla stagione. C’è una scena in particolare, senza entrare troppo negli spoiler, in cui Dante smette completamente di scherzare e lascia uscire tutta la frustrazione repressa verso il fratello. È probabilmente il momento in cui la serie si avvicina di più alla scrittura emotiva di Devil May Cry 3. E per un fan storico della saga, vedere finalmente quell’atmosfera replicata in un adattamento Netflix è quasi surreale.

Lady continua a funzionare, Arius anche… ma non sarà mai il White Rabbit

Lady rimane uno dei personaggi più interessanti della serie. La sua storyline legata a DARKCOM e alla propaganda anti-demoni prova ad aggiungere sfumature politiche all’universo narrativo, mostrando un mondo umano sempre più paranoico e militarizzato. Il problema è che la scrittura, a volte, diventa troppo esplicita. Ci sono momenti in cui sembra quasi che la serie abbia paura che lo spettatore non capisca il sottotesto, quindi decide di urlartelo direttamente in faccia con dialoghi molto poco sottili. Non rovina il personaggio, ma crea qualche sbilanciamento narrativo. Detto questo, Lady continua a essere importante e finalmente non viene trattata solo come “la tipa con il lanciarazzi gigante”.

Uno degli aspetti più curiosi della stagione riguarda il villain principale. Arius è volutamente molto più semplice rispetto al White Rabbit della prima stagione. Vuole potere, controllo e dominio. Fine. E sapete una cosa? In parte è quasi un bene. La prima stagione aveva provato a costruire un antagonista complesso, ma senza riuscire davvero a gestirlo fino in fondo. Qui invece la serie accetta il fatto che Devil May Cry non abbia sempre bisogno di villain filosofici. A volte basta un pazzo megalomane che vuole diventare una divinità demoniaca. Graham McTavish, poi, dà al personaggio una presenza enorme grazie alla voce. Ogni dialogo sembra carico di minaccia. Il problema è che Arius non riesce mai davvero a diventare memorabile. Funziona come motore narrativo, ma non lascia il segno come dovrebbero fare i grandi villain della saga. Non siamo ai livelli di Mundus. Non siamo ai livelli di Vergil. E nemmeno vicino al White Rabbit.

Devil May Cry Stagione 2: analisi ecnica

Qui bisogna essere onesti: visivamente la seconda stagione è molto superiore alla prima. Studio Mir ha chiaramente avuto più tempo e più budget per lavorare sugli episodi. Le scene d’azione sono spettacolari. I combattimenti hanno finalmente quel mix di eleganza, caos e follia che definisce Devil May Cry. La regia usa molto meglio gli spazi, le armi e i movimenti dei personaggi. Le sequenze tra Dante e Vergil sono semplicemente devastanti. Ci sono episodi interi che sembrano costruiti come una boss battle giocabile. Anche l’uso del CGI è migliorato. Rimane il punto debole della produzione, soprattutto in alcuni modelli demoniaci che continuano a stonare con l’animazione tradizionale, ma l’integrazione è decisamente più naturale rispetto alla prima stagione. Non siamo ancora ai livelli di fluidità assoluta di Jujutsu Kaisen o Demon Slayer, ma quando Devil May Cry decide di esagerare, riesce davvero a impressionare.

Ora arriviamo probabilmente all’aspetto più divisivo della stagione. La colonna sonora. Capisco perfettamente cosa stesse cercando di fare la serie. Devil May Cry è sempre stato profondamente legato all’estetica rock e metal dei primi anni 2000. E sì, sentire Papa Roach, Evanescence o Limp Bizkit durante un massacro demoniaco può essere incredibilmente divertente. Il problema è che la serie lo fa troppo spesso. Ogni episodio sembra avere almeno un momento in cui parte una canzone intera a volume massimo per ricordarti quanto tutto sia “cool”. E dopo un po’ diventa quasi involontariamente comico. Ci sono scene in cui la soundtrack funziona benissimo, soprattutto durante alcuni combattimenti chiave. Ma altre volte sembra quasi un AMV di YouTube del 2007 trasformato in una serie Netflix. Meno sarebbe stato molto più efficace, nonostante ascoltare la voce di Amy Lee mi fa innamorare ogni volta.

Finalmente sembra davvero Devil May Cry

La seconda stagione migliora moltissimo nella gestione dei personaggi, ma continua ad avere qualche problema di scrittura. Alcune sotto-trame vengono chiuse troppo velocemente. Alcuni sviluppi sono prevedibili. E certe scene esistono chiaramente solo per arrivare a una sequenza action spettacolare. A volte si percepisce quasi la mano dello showrunner che pensa: “Questa cosa non ha molto senso… però sarebbe fichissima da vedere animata.” Fortunatamente, stavolta il nucleo emotivo regge molto meglio tutto il resto. Quando la serie si concentra sul rapporto tra Dante e Vergil, funziona davvero. Quando invece prova a gestire contemporaneamente geopolitica, guerra interdimensionale, complotti aziendali, propaganda e conflitti familiari… ogni tanto perde equilibrio.

Ed è questo il punto fondamentale. La prima stagione sembrava una serie action ispirata a Devil May Cry. La seconda stagione sembra finalmente Devil May Cry. Non perfetto. Non sempre coerente. Non sempre ben scritto. Ma autentico. C’è quella miscela di tragedia familiare, ironia tamarra, combattimenti assurdi e malinconia nascosta che ha sempre definito la saga Capcom. La serie capisce finalmente che Dante non è solo un buffone. Che Vergil non è solo il fratello edgy. Che Lady non è solo “quella armata”. E che Devil May Cry funziona quando dietro il caos esiste un vero dolore emotivo.

Un altro elemento che i fan della saga apprezzeranno è il modo in cui la stagione inserisce riferimenti ai giochi. A differenza della prima stagione, qui i richiami sembrano molto più naturali. Non sono buttati dentro solo per strappare il meme facile. Ci sono pose iconiche, movimenti ripresi direttamente dai giochi, citazioni visive e perfino inquadrature che sembrano uscite da una cutscene di Devil May Cry 3 o 5. Ma soprattutto, la serie capisce finalmente una cosa fondamentale: Il fanservice funziona solo se prima costruisci i personaggi. Ed è esattamente ciò che accade qui.

La seconda stagione di Devil May Cry non è un capolavoro assoluto. Continua ad avere problemi di ritmo, qualche eccesso stilistico e una certa tendenza a esagerare con soundtrack e scene “rule of cool”. Ma rispetto alla prima stagione è un salto enorme. Più fedele allo spirito della saga. Più forte emotivamente. Più consapevole dei suoi personaggi. E finalmente capace di capire cosa renda Devil May Cry così amato dopo oltre vent’anni. Il vero trionfo della stagione è Vergil, che diventa il centro emotivo e spettacolare dell’intera narrazione. Ma anche Dante ritrova finalmente quell’equilibrio tra ironia e tragedia che aveva reso immortale il personaggio nei videogiochi. STUDIO MIR alza il livello dell’animazione, i combattimenti sono spettacolari e, nonostante i difetti, la serie riesce finalmente a sembrare parte autentica dell’universo creato da Capcom. Non tutto funziona. Non tutti i villain lasciano il segno. E Netflix dovrebbe davvero calmarsi con il nu metal sparato ogni venti minuti. Ma per la prima volta, guardando questa serie, viene davvero voglia di rigiocare Devil May Cry 3 e Devil May Cry 5 appena finiscono i titoli di coda. E sinceramente? È probabilmente il complimento più grande che si possa fare a questo adattamento.

Tutte le notti, quando l’acquario si svuota dei visitatori e il silenzio torna a regnare tra le vasche illuminate, l’anziana Tova Sullivan si arma di acqua e strofinacci e inizia a pulire le impronte lasciate sui vetri dalle orde di bambini che ogni giorno affollano la struttura. La protagonista di Creature luminose è una vedova che vive da sola in una cittadina costiera, reduce da una dolorosa tragedia nel suo passato.

L’unico essere con cui condivide quella sensazione di solitudine e a cui confessa i suoi dispiaceri è Marcellus, un polpo gigante del Pacifico esposto in una delle teche: un mollusco che osserva il mondo che lo circonda, sognando di riassaporare prima o poi la libertà perduta. L’arrivo di Cameron, un ragazzo destinato a prendere il posto di Tova nella gestione dell’acquario, rischia di scatenare dinamiche del tutto imprevedibili…

Dalla carta allo schermo

Adattamento dell’omonimo romanzo di Shelby Van Pelt, pubblicato nel 2022 e diventato in breve tempo uno dei bestseller più inaspettati dell’anno, cerca di mantenere nel passaggio al grande schermo gli ingredienti che ne avevano fatto la fortuna su carta, ma l’approccio finisce per apparire eccessivamente didascalico per essere anche genuino.

In Creature luminose, nuova esclusiva del catalogo Netflix, ci troviamo davanti a una storia sull’elaborazione del lutto e sul senso di famiglia, narrata per gran parte dal punto di vista di un cefalopode, ovvero quel polpo di cui vi abbiamo parlato nella sinossi. Una premessa a dir poco bizzarra, che cerca di variare parzialmente il classico melodramma di provincia con delle note pseudo-ecologistiche, con tanto di finale che spinge a riflettere – a dire il vero un po’ superficialmente, dato l’epilogo che sottolinea il ripetersi di certe logiche – sulla cattività e sull’esposizione degli animali al grande pubblico.

Creature luminose: cosa brilla e cosa no

Tralasciando i discorsi più o meno esistenzialisti, messi in bocca anche allo stesso mollusco che filosofeggia in più occasioni quale osservatore impassibile (e impossibile) delle umane disavventure dei protagonisti, Creature luminose ha uno scopo ben preciso, ovvero arrivare al cuore del grande pubblico con una relativa semplicità. E se riesce in alcune occasioni nell’intento di commuovere il merito è tutto di Sally Field, che si offre pienamente a questa figura tormentata dal senso di colpa, prossima a imbattersi in una rivelazione che potrebbe cambiare tutto per sempre.

Un La forma dell’acqua (2017) svuotato della sua anima horror e fantastica e connotato in un contesto precisamente realistico, con il legame tra questa canuta inserviente e quella presenza tentacolare che va incontro all’arrivo del “terzo incomodo”, il Lewis Pullman di Thunderbolts (2025) che appare relativamente spaesato in un personaggio, va detto a sua parziale discolpa, già marcatamente povero nei suoi sviluppi narrativi. Unicamente mezzo di rinascita per la protagonista nonché elemento chiave nell’improbabile colpo di scena. che cerca di suscitare ulteriormente sussulti in quel pubblico che ha ceduto alla trappola retorica dell’assunto.

Un approccio pensato con precisione

La regista Olivia Newman – che ricordiamo per un’altra trasposizione letteraria, ovvero il sopravvalutato La ragazza della palude (2022) – si limita a svolgere un compitino di routine, dimostrando di aver imparato la lezione dai classici del genere ma senza quel guizzo particolare in grado di elevare il film a un qualcosa di più. Il frequente voice-over di Marcellus non aiuta, aumentando una sensazione di artificiosità nella gestione introspettiva della storia e dei personaggi, indirizzando lo spettatore su quei sentieri lacrimevoli prossimi a venire.

In una narrazione che ha comunque costruito un’atmosfera sospesa, coerente con lo stato emozionale di queste figure in cerca di risposte o di catarsi. La sceneggiatura mette in ordine con pazienza i fili narrativi, riannodandoli nella succitata coincidenza che sa tanto di meccanismo narrativo oliato ad hoc, colpa questa da condividere col romanzo alla base che pur rendeva la soluzione meno esplicita e diretta.

E paradossalmente il racconto funziona meglio quando i protagonisti ignorano ancora ciò che li attende, con alcuni passaggi amabilmente nervosi che permettono di far fuoriuscire i loro lati più fragili e di spingere il pubblico a un minimo di immedesimazione. Peccato che questo equilibrio tra momenti più leggeri e altri più sofferti sia alquanto instabile e che Creature luminose ceda troppo facilmente a un’enfasi spesso gratuita.

Chi si ricorda il polpo Paul, che nel 2010 venne usato per predire i risultati delle partite dei Mondiali di calcio? Ebbene qui è un suo simile, il saggio Marcellus – d’altronde la specie è considerata tra le più intelligenti della Terra – a raccontare e osservare, con tanto di elucubrazioni di sorta, la storia dell’anziana inserviente Tova e del giovane Cameron, due anime sole pronte a incrociare i loro destini in maniera inaspettata. Creature luminose sfrutta l’acquario cittadino come base narrativa per dar vita a un racconto, adattamento dell’omonimo romanzo, che riflette sulla perdita e sul senso di colpa, in una trama che però si espone troppo e dice tutto senza filtri alla ricerca di lacrime e facili commozioni, con la sensazione che sia il meccanismo retorico a prendere il sopravvento sulla spontaneità emotiva.

Spy Kids parla di due bambini, Carmen e Juni, che fanno una scoperta a dir poco bizzarra: la madre e il padre sono agenti segreti! Quando i genitori svaniranno, toccherà ai ragazzini correre al loro soccorso e vivere avventure inconsuete.

La visione di un pazzo totale

Robert Rodriguez non è per caso amico del Maestro Quentin Tarantino, condividendo con quest’ultimo una follia intrinseca che gli permette di trasformare un soggetto tanto assurdo in un’opera fresca e spassosa. Spy Kids, infatti, altro non è che un gioco con lo spettatore, soprattutto quello cresciuto con franchises del calibro di 007 o Mission Impossible: rivediamo gadgets, cattivi megalomani, parentele inaspettate, azione esagerata. Il tutto risulta però estremamente ingigantito, strappando a chi guarda decine di sane risate che Robert Rodriguez accompagna con la sua consueta regia serrata e colma d’azione, arricchita a questo giro da vere e proprie gags ben dosate.

Un film attuale… più o meno

La mia generazione è cresciuta con questa pellicola e, nel rivederla, non può che provare un certo batticuore. Tuttavia, non sono sicuro che uno spettatore del presente possa ricavarne la medesima sensazione: Spy Kids è infatti molto invecchiato. L’estetica era volutamente sopra le righe, con effetti gommosi e una computer grafica già all’epoca parecchio strana a vedersi: ora come ora, purtroppo, l’impressione è semplicemente quella di un prodotto ingenuo e comparabile alla serie dei Power Rangers, con tanto di creature dal design balengo (seppur a tratti quasi horror, aspetto a modo suo geniale). Se si riesce ad entrare nella mentalità di quel preciso periodo storico, è ancora possibile divertirsi grazie a una narrazione simpatica, ma la contestualizzazione è quanto mai necessaria. Anche l’umorismo non è precisamente quello che ci aspetteremmo nel decennio corrente, con bambini che le prendono come in un corto dei Looney Tunes!

Personaggi memorabili?

Se c’è un elemento tipico di questi film d’avventura, sono i personaggi iconici: pensiamo alla banda dei perdenti in Ita, ai Goonies dell’omonima pellicola e così via. I due protagonisti di Spy Kids sono indubbiamente simpatici ed è evidente come Alex Vega e Daryl Sabara si siano divertiti molto nell’interpretare Carmen e Juni e, non da meno, si sono applicati Antonio Banderas, Carla Gugino e Danny Trejo nell’impersonare le varie spie adulte.
Abbiamo pure alcuni villains incredibilmente spassosi, tra i quali un istrionico Floop il cui volto appartiene a un Alan Cumming (Nightcrawler di X-Men 2 e, a quanto sembra, destinato a ricomparire in Avengers 5 – Doomsday) che faceva palesemente fatica a rimanere serio.
Tuttavia, riguardando il film ho potuto constatare che, tirando le somme, non si può parlare di personalità destinate a divenire iconiche. La loro caratterizzazione è infatti estremamente basilare e, pur funzionando, non offre nulla di anche solo vagamente unico. È un problema? No: quante opere sono piacevoli senza mai diventare dei classici? Ciò non toglie che, rispetto ad alcuni suoi colleghi dell’epoca, Spy Kids sia rimasto legato al suo periodo, per quanto il franchise sia perdurato in qualche modo pure negli anni successivi.

<hr /> Nonostante le mie critiche, non ritengo Spy Kids un prodotto sgradevole: anzi, è perfetto per una serata spensierata in compagnia di attori famosi, bambini coraggiosi e un’azione tanto frenetica quanto parodistica. Quello che vi dico, semplicemente, è di aspettarvi un film figlio dei suoi anni che non è riuscito a superare il tempo in maniera indenne e che, già all’epoca, non era certo un capolavoro. Rimane un piccolo cult di nicchia e, se voleste vederlo, è disponibile un’edizione Blu-Ray (a volte abbinata a Sin City dello stesso regista), oppure potete rivolgervi a Netflix o a Prime Video. Apple TV e Google Play ne offrono una versione digitale sia noleggiabile che acquistabile. <hr />

Il mondo di The Sims 4 si prepara ad accogliere un nuovo crossover. Dal 14 maggio saranno disponibili due nuovi kit realizzati in collaborazione con Netflix e Shondaland e ispirati all’universo della serie Bridgerton. The Sims 4 Abiti da Ballo in Maschera di Lady Bridgerton Kit e The Sims 4 Sala da Ballo in Maschera di Lady Bridgerton Kit, pensati per portare nei Sims l’atmosfera elegante e misteriosa dei balli in maschera dell’alta società. I contenuti saranno disponibili su PC tramite EA app, Steam ed Epic Games Store e su Mac tramite Origin. Le console interessate saranno PlayStation 5, PlayStation 4, Xbox Series X|S e Xbox One, ampliando così l’accessibilità a tutta la community.

I nuovi kit introducono una selezione di contenuti estetici pensati per enfatizzare il lato più raffinato e teatrale della vita sociale dei Sim. Gli abiti sono caratterizzati da linee eleganti e dettagli sontuosi, mentre i cappotti su misura e le maschere elaborate aggiungono un elemento di mistero e identità nascosta, perfettamente in linea con il tema del ballo in maschera.

Anche gli ambienti giocano un ruolo centrale. Le nuove sale da ballo sono decorate con grande attenzione ai dettagli. Lampadari imponenti, composizioni floreali e arredi opulenti richiameranno le atmosfere Regency tipiche dell’universo di Bridgerton. L’obiettivo è quello di offrire ai giocatori un’esperienza immersiva che mescoli romanticismo, socialità e scenografie d’impatto. Per chi desidera vivere l’esperienza in modo completo, il Ballo in Maschera di Lady Bridgerton Bundle raccoglie entrambi i kit insieme a tre oggetti esclusivi ispirati ai momenti più iconici dell’alta società, pensati per arricchire ulteriormente la personalizzazione e le storie dei Sim.

Segnaliamo inoltre l’arrivo di un evento a tempo limitato in The Sims 4, che partirà il 12 maggio. L’iniziativa permetterà di sbloccare più di 22 ricompense tra elementi di moda, oggetti d’arredo e un nuovo tratto dedicato ai Sim più ambiziosi e desiderosi di distinguersi nella scena sociale. Con questa nuova collaborazione, il life-simulator The Sims 4 continua quindi a espandere il proprio catalogo di contenuti a tema culturale e pop. Intreccia così il suo gameplay con uno dei fenomeni televisivi più riconoscibili degli ultimi anni come Bridgerton, distribuito da Netflix.

Netflix ha deciso di premere sull’acceleratore per la seconda stagione di Devil May Cry e il nuovo trailer speciale pubblicato oggi punta dritto al cuore dei fan più nostalgici… e rumorosi. Perché sì, Dante sta tornando. Ma questa volta lo farà accompagnato da una colonna sonora che sembra uscita direttamente dagli anni d’oro di AMV, combo impossibili e pomeriggi passati a massacrare demoni su PlayStation 2.

Il nuovo video ha infatti svelato “See U in Hell”, brano inedito dei Papa Roach realizzato appositamente per la seconda stagione della serie animata Netflix. E non è finita qui: nella traccia compare anche Hanumankind, rapper indiano che aggiunge un’energia ancora più aggressiva e moderna al pezzo. Il risultato? Esattamente il tipo di caos musicale che ci si aspetterebbe da Devil May Cry.

Il trailer alterna scene ad altissima tensione, combattimenti furiosi e nuove immagini dedicate allo scontro tra Dante e Vergil, mentre la nuova canzone accompagna il tutto con un’atmosfera sporca, adrenalinica e tremendamente “2000s”. In pratica: il mood perfetto per la saga di Capcom. E diciamolo chiaramente: riportare i Papa Roach dentro un progetto action legato a demoni, katane gigantesche e rivalità familiari è una scelta che sembra uscita da un portale temporale aperto nel 2004.

La cosa più interessante è che Netflix sembra aver capito perfettamente quale identità dare alla serie. Dopo una prima stagione che aveva già convinto gran parte dei fan grazie allo stile visivo e al tono sopra le righe, questa seconda stagione sembra voler alzare ulteriormente il livello dello spettacolo. Anche perché stavolta la posta in gioco è enorme. Lo scontro tra Dante e Vergil sarà infatti il cuore emotivo della nuova stagione, ma dalle anticipazioni emerse nelle ultime settimane è chiaro che ci sarà spazio anche per minacce molto più grandi. La guerra tra il mondo umano e quello demoniaco sembra pronta a esplodere definitivamente, mentre il ritorno di figure iconiche dell’universo di Devil May Cry promette di trasformare tutto in un massacro spettacolare.

Nel frattempo, “See U in Hell”  pubblicata ufficialmente oggi 7 maggio, pochi giorni prima del debutto della nuova stagione. Una strategia perfetta per alimentare ancora di più l’hype attorno alla serie. Debutto che arriverà invece il 12 maggio su Netflix. E se il trailer pubblicato oggi è davvero il tono che ci aspetta nei nuovi episodi… preparatevi. Perché Dante sembra pronto a trasformare questa stagione in un concerto metal pieno di sangue, demoni e caos totale.