Quando nel 2019 Euphoria debuttò su HBO, probabilmente pochi avrebbero immaginato che sarebbe diventata una delle serie televisive più influenti e discusse della sua epoca. Il racconto di adolescenti sospesi tra dipendenze, identità, sesso, trauma e ricerca di sé riuscì a intercettare una generazione intera, trasformandosi rapidamente in un fenomeno culturale oltre che televisivo. A distanza di quattro anni dalla seconda stagione, e dopo una lunga serie di rinvii produttivi, cambiamenti creativi e inevitabili trasformazioni personali dei suoi protagonisti, la terza stagione è finalmente arrivata sugli schermi nella primavera del 2026, assumendo fin da subito i tratti di una conclusione annunciata. Euphoria 3 giunge quindi alla fine il 1 giugno, e dopo le nostre prime impressioni all’epoca dell’uscita del primo episodio (che potete ritrovare a questo link), non ci resta ora che trarre le nostre personali conclusioni e opinioni su quanto abbiamo visto nel corso degli episodi della stagione finale. Come sempre, evitando spoiler per coloro che non avessero ancora recuperato tutti gli episodi.

Euphoria 3: giovani adulti smarriti, un po’ come la serie stessa

Ci troviamo davanti a un’opera profondamente diversa da quella che aveva conquistato pubblico e critica negli anni precedenti. Non si tratta semplicemente di una naturale evoluzione narrativa, o di un salto temporale, elemento che già era stato annunciato dagli autori e che porta i personaggi oltre gli anni del liceo. Piuttosto, si percepisce una vera e propria mutazione del DNA della serie, quasi come se Sam Levinson avesse deciso di abbandonare definitivamente il racconto generazionale, per avvicinarsi a territori più cupi, criminali e fatalisti. Una scelta coraggiosa, certamente, ma che divide inevitabilmente gli spettatori tra chi apprezzerà il tentativo di reinventare la formula e chi rimpiangerà l’intensità emotiva e l’immediatezza delle prime stagioni. Come avevamo anticipato, il salto temporale rappresenta il fulcro di questa nuova fase narrativa.

Rue, Jules, Cassie, Nate, Maddy e gli altri protagonisti non sono più adolescenti intrappolati nei corridoi di una scuola superiore, ma giovani adulti chiamati a confrontarsi con le conseguenze delle proprie scelte e con un mondo che non offre più le protezioni tipiche dell’adolescenza. In teoria si tratta di un terreno fertile per sviluppare nuove sfumature psicologiche e approfondire ulteriormente personaggi già molto complessi. Chi lo sa. A oggi però possiamo solo vedere l’interesse della stagione volto a costruire situazioni estreme, invece che indagare davvero l’evoluzione interiore dei suoi protagonisti. Zendaya rimane il cuore pulsante dell’intera operazione: la sua Rue continua a essere un personaggio straordinariamente magnetico, capace di trasmettere fragilità e autodistruzione con una naturalezza che pochi interpreti contemporanei possiedono. Anche quando la sceneggiatura prende direzioni discutibili, la presenza dell’attrice riesce quasi sempre a mantenere viva l’attenzione dello spettatore. È una performance che conferma ancora una volta quanto il successo di Euphoria sia stato costruito anche sul talento eccezionale della sua protagonista, ormai diventata una delle figure più importanti della televisione e del cinema contemporaneo.

Un cast gestito non nel migliore dei modi

Tuttavia, proprio il percorso di Rue rappresenta uno degli elementi più controversi dell’intera stagione. Senza entrare eccessivamente nel dettaglio degli eventi finali, è evidente come Levinson abbia scelto una direzione estremamente dura, quasi spietata, per concludere la storia del personaggio. Una scelta che vuole probabilmente richiamare la realtà brutale delle dipendenze e la difficoltà di trovare una vera redenzione, ma che rischia anche di apparire eccessivamente pessimista rispetto al lungo percorso emotivo, costruito nelle stagioni precedenti. Diversi osservatori hanno interpretato questo finale come un gesto volutamente provocatorio, destinato a lasciare il segno più per il suo impatto emotivo che per la sua coerenza narrativa. Se Zendaya continua a dominare la scena, lo stesso non si può dire per molti degli altri personaggi. Uno dei problemi principali di Euphoria 3 riguarda infatti la gestione del suo vastissimo cast.

Dopo anni di attesa, gli spettatori si aspettavano che ogni protagonista ricevesse una conclusione soddisfacente e adeguata al proprio percorso. Invece la stagione appare spesso frammentata, costretta a distribuire il tempo narrativo tra numerose sottotrame che raramente riescono a convergere in modo organico. Alcuni personaggi fondamentali nelle prime due stagioni risultano sorprendentemente marginalizzati, mentre altri vengono coinvolti in sviluppi che sembrano più funzionali allo shock che alla costruzione psicologica. Jules è forse il caso più emblematico: nelle prime stagioni rappresentava uno dei pilastri emotivi e identitari della serie, un personaggio attraverso cui esplorare temi di genere, desiderio e trasformazione personale. In questa terza stagione, invece, il suo spazio si riduce sensibilmente, lasciando la sensazione che gli autori non abbiano realmente saputo come proseguire il suo percorso. Una mancanza che pesa, soprattutto considerando quanto fosse centrale nella definizione dell’universo narrativo originale di Euphoria.

Regia di alta qualità ed emozioni intense

Dal punto di vista estetico, invece, la serie continua a mantenere standard elevatissimi. La fotografia rimane una delle più riconoscibili della televisione contemporanea, dove ogni episodio è costruito con una cura visiva quasi cinematografica, tra luci al neon, inquadrature elaborate e una ricerca estetica che continua a distinguere Euphoria dalla maggior parte delle produzioni seriali odierne. Anche quando la narrazione perde equilibrio, l’apparato tecnico resta impressionante. Ci sono sequenze che potrebbero essere estratte singolarmente e considerate piccoli cortometraggi d’autore per composizione visiva, uso del colore e costruzione atmosferica. La colonna sonora poi svolge ancora una volta un ruolo fondamentale. La musica non accompagna semplicemente le immagini, ma contribuisce a definire gli stati d’animo dei personaggi e l’identità stessa della serie. È uno degli elementi che permette a Euphoria 3 di conservare una certa continuità con il passato, nonostante i profondi cambiamenti narrativi.

In numerosi momenti, la combinazione tra immagini e musica raggiunge livelli di intensità emotiva davvero notevoli, ricordando perché questa produzione sia stata considerata per anni un punto di riferimento stilistico. Il vero problema emerge però nella scrittura. Sam Levinson sembra sempre più attratto dall’eccesso e dalla provocazione. Nelle prime stagioni tali elementi erano controbilanciati da una sincera attenzione verso i personaggi e le loro vulnerabilità. In questa terza e ultima parte, invece, spesso si ha l’impressione che la ricerca dello shock prevalga sull’approfondimento emotivo. Violenza, criminalità, tragedie e colpi di scena si susseguono con una frequenza tale da ridurre l’efficacia dei singoli eventi, e quando tutto diventa estremo, paradossalmente nulla riesce più a sorprendere davvero. Un cambiamento di tono che segnala un progressivo abbandono verso la sua natura originaria di dramma generazionale, per trasformarsi in qualcosa di molto diverso.

Una serie imprevedibile e che sa ancora dare emozioni forti

Nonostante queste criticità, non possiamo dire che Euphoria 3 sia un fallimento in toto. La stagione continua a offrire momenti di grande televisione, alcuni dialoghi conservano la capacità di cogliere paure e desideri di una generazione, cresciuta nell’epoca dei social media e dell’esposizione permanente. Alcune interpretazioni raggiungono livelli eccellenti, e soprattutto permane quella sensazione di imprevedibilità che ha sempre caratterizzato la serie. Anche nei suoi momenti più discutibili, Euphoria continua a essere un prodotto che suscita reazioni forti, che divide, che genera dibattito. In un panorama televisivo spesso dominato da formule prevedibili, non è un merito da sottovalutare. Guardando il quadro complessivo, Euphoria 3 appare come un’opera profondamente imperfetta ma impossibile da ignorare.

È una stagione che alterna intuizioni brillanti a scelte discutibili, momenti di grande intensità emotiva a passaggi narrativi poco convincenti. Soprattutto, è una conclusione che sembra riflettere perfettamente le contraddizioni della serie stessa. Fin dall’inizio Euphoria è stata amata e criticata per gli stessi motivi: la sua tendenza all’eccesso, la sua estetica esasperata, la sua volontà di raccontare emozioni estreme senza filtri. Una piccola, importante nota che non poteva mancare: l’ombra della scomparsa di Angus Cloud aleggia inevitabilmente sull’intera stagione. L’attore, interprete dell’amato Fezco, è mancato nel 2023 e la sua assenza si avverte profondamente. Il personaggio rappresentava uno dei pochi punti di riferimento emotivi relativamente stabili, all’interno di un universo dominato dal caos e dall’autodistruzione. La serie sceglie di confrontarsi indirettamente con questa perdita, generando alcuni dei momenti più toccanti dell’intera stagione.

Sono online i teaser poster di Spider-Man: Brand New Day, il nuovo capitolo della saga con Tom Holland protagonista nel ruolo di Peter Parker / Spider-Man. Le nuove immagini mobilitano milioni di fan del sequel più atteso di sempre. Il film è diretto da Destin Daniel Cretton e nel cast, oltre Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal, Tramell Tillman, Michael Mando e Mark Ruffalo.

Il primo trailer del film è stato lanciato con un evento mondiale senza precedenti: un passaggio del testimone durato 24 ore che ha seguito l’alba intorno al globo. Tom Holland ha guidato il lancio, invitando una selezione di fan di Spider-Man da tutto il mondo a condividere le proprie storie personali su cosa rappresenta per loro l’Uomo Ragno, prima di rivelare ognuno in esclusiva un frammento del trailer ufficiale. Ogni partecipante ha poi passato il testimone al successivo, invitando il pubblico a seguire l’evento attraverso i fusi orari, mentre i fan di Spider-Man di tutto il mondo si univano per celebrare un “Brand New Day”. Per l’Italia il fan che ha rivelato il frammento del trailer è stato Mattia Villardita, un giovane che porta sorrisi e gioia come volontario negli ospedali, indossando il suo inseparabile costume di Spider-Man.

Trama e trailer

Dopo lo straordinario successo mondiale di Spider-Man: No Way Home, Spider-Man: Brand New Day segna un capitolo completamente nuovo per Peter Parker e Spider-Man. Sono passati quattro anni dagli eventi di No Way Home, e Peter è ora un adulto che vive in completa solitudine, avendo volontariamente cancellato se stesso dalla vita e dai ricordi di chi ama. Combattendo il crimine in una New York che non conosce più il suo nome, si è dedicato interamente alla protezione della sua città — uno Spider-Man a tempo pieno — ma con l’intensificarsi delle sue responsabilità, la pressione scatena una sorprendente evoluzione fisica che mette a repentaglio la sua stessa esistenza, mentre una nuova e misteriosa serie di crimini dà origine a una delle minacce più pericolose che abbia mai affrontato.

Spider-Man: Brand New Day sarà al cinema dal 29 luglio prodotto da Sony Pictures e distribuito da Eagle Pictures.  Resta aggiornato sulle prossime novità seguendo la nostra sezione di entertainment.

Dopo anni di attesa, rinvii e silenzi, Euphoria è pronta a tornare. La terza stagione della serie HBO ideata da Sam Levinson finalmente torna sugli schermi, riaccendendo un interesse che, in realtà, non si è mai davvero spento. Perché Euphoria non è solo una serie: è diventata un fenomeno culturale, estetico e (soprattutto) generazionale. E proprio per questo, il suo ritorno rappresenta molto più di una semplice nuova stagione, rappresenta una prova.

Al centro ritroviamo Zendaya, ormai volto simbolo dello show e figura chiave nel racconto di Rue. Il suo percorso, rimasto sospeso tra fragilità e tentativi di rinascita, sarà inevitabilmente uno dei punti più delicati della nuova stagione. Ma la vera domanda è: da dove ripartirà davvero Euphoria?

La nuova storia e il cast

Dalle prime immagini possiamo osservare un salto temporale, una scelta che sembra cambiare radicalmente l’impianto narrativo della serie. Niente più liceo, niente più dinamiche adolescenziali come fulcro centrale: i personaggi potrebbero trovarsi catapultati in una fase adulta, costretti a confrontarsi con conseguenze più concrete e definitive. Una svolta quasi obbligata, considerando il tempo passato sia nella realtà che nella finzione.

Nel frattempo, anche il cast resta uno dei punti più importanti. Negli ultimi anni non sono mancate voci su cambiamenti, uscite e nuovi ingressi, segno di una produzione tutt’altro che lineare. Ed è proprio questa instabilità a rendere Euphoria 3 ancora più imprevedibile: una stagione che potrebbe sorprendere, ma anche spiazzare. Dietro le quinte, il percorso è stato complesso. Tra impegni sempre più fitti degli attori, le morti inaspettate di ben due personaggi (Angus Cloud  e Eric Dane), riscritture e aspettative altissime dopo il successo delle prime due stagioni, la serie si trova ora davanti a una sfida cruciale, quella di giustificare la propria esistenza dopo così tanto tempo. La terza stagione si arricchirà anche di numerose guest star di alto profilo. Tra i nomi già confermati figurano Sharon Stone, Rosalía, Natasha Lyonne, Kadeem Hardison, Marshawn Lynch e Trisha Paytas.  MMentre il cast

La musica cambia

Anche la musica segna un cambio importante per la serie. Dopo aver definito il suono delle prime stagioni, Labrinth non è più coinvolto nello stesso modo nel progetto, segnando una rottura importante con il passato di Euphoria. Al suo posto arriva Hans Zimmer, come dichiarato da HBO, chiamato a costruire una nuova identità sonora. Un passaggio che potrebbe spostare la serie verso un’impronta più cinematografica… forse destinata a cambiare in modo evidente il tono emotivo della nuova stagione.

 

Visualizza questo post su Instagram

 

Un post condiviso da HBO Max (@hbomax)

Euphoria: una serie cult

L’hype è rimasto intatto per alcuni, nonostante i quattro anni di assenza, mentre per altri è decisamente sceso.  Tuttavia, Euphoria continua a vivere nei social, nell’immaginario visivo e nel linguaggio di una generazione. Ma trasformare questa eredità in una nuova stagione all’altezza è tutt’altro che scontato. Il rischio è evidente: tornare senza evolversi abbastanza, oppure cambiare troppo e perdere la propria identità. Nel mezzo, una sola possibilità, quella di reinventarsi.

Se riuscirà a trovare questo equilibrio, Euphoria 3 potrebbe diventare non solo un ritorno, ma una vera e propria rinascita. In caso contrario, rischia di essere ricordata come la stagione che è arrivata troppo tardi. E per una serie che ha sempre raccontato l’urgenza del presente, sarebbe il paradosso più grande. La nuova stagione sarà disponibile dal 13 aprile su Sky e Now. Nel frattempo, se vuoi scoprire tutte le uscite più interessanti del momento, dai un’occhiata al nostro speciale su cosa non perdere ad aprile tra film e serie TV.

Dai grandi ritorni, come Euphoria, alle nuove serie da non perdere, come The Testaments, aprile 2026 si presenta come un mese sorprendentemente compatto per lo streaming. Non è solo la quantità a definire il calendario, ma la rilevanza delle uscite: tra stagioni attese, debutti che cercano spazio e film pronti a sorprendere, aprile offre un panorama ricco e, soprattutto, variegato. In questo equilibrio tra conferme e novità, orientarsi diventa fondamentale. Ecco una lista di opere da non perdere in streaming questo mese.

Euphoria – Stagione 3

Avevamo lasciato Rue nei guai, la ritroveremo nelle stesse condizioni? La terza stagione di Euphoria è attesissima e uscirà il 13 aprile disponibile su HBO Max, SKY e NOW. Il trailer della nuova stagione promette emozioni, rabbia e un viaggio inaspettato. Zendaya torna nei panni della protagonista più outsider degli ultimi anni, riportando su schermo il disagio, la dipendenza e, in qualche modo, la voglia di essere visti. La terza stagione di Euphoria torna dopo più di quattro anni dalla terza, lasciando i fan in evidente stato di curiosità.

The Boys – Stagione 5

Con la quinta stagione, The Boys arriva alla sua resa dei conti definitiva. La serie che ha demolito il mito dei supereroi dall’interno si prepara a chiudere il cerchio, spingendo ancora più in là il suo sguardo cinico e politico. Lo scontro tra Homelander e Billy Butcher non è più solo personale, ma diventa il riflesso di un mondo ormai fuori controllo, dove il potere non ha più bisogno di nascondersi. Dopo anni di escalation, è qui che tutto deve trovare una forma, o crollare definitivamente. La nuova stagione sarà disponibile su Amazon Prime Video a partire dall’8 aprile.

The Testaments

The testaments  si prepara a essere il sequel di una delle serie più amate (e discusse) degli ultimi anni, The Handmaid’s Tale. Ambientata anni dopo gli eventi originali, la serie torna a esplorare Gilead da nuove prospettive, ampliando il racconto e spostando lo sguardo su una generazione diversa, cresciuta dentro il sistema. Più che una semplice continuazione, è un’evoluzione che promette di interrogare ancora una volta potere, identità e resistenza. Sarà disponibile su Dinsey+ a partire dall’8 aprile.

Beef – Streaming stagione 2

Beef – Lo scontro torna dal 16 aprile 2026 su Netflix, con una seconda stagione che abbandona i protagonisti originali per raccontare una nuova storia, mantenendo però intatta la sua identità: trasformare il disagio quotidiano in qualcosa di imprevedibile e distruttivo. Dopo il successo della prima stagione, la serie amplia il suo sguardo senza tradire il tono, continuando a muoversi sul sottile confine tra commedia nera e tragedia emotiva. Più che replicare, Beef prova a rilanciare, partendo da nuove ossessioni, ma con la stessa lucidità.

La legge di Lidia Pöet – Stagione 3 streaming

La legge di Lidia Poët torna dal 15 aprile 2026 su Netflix, con una terza stagione che continua a seguire il percorso della prima avvocata d’Italia tra casi giudiziari e battaglie personali. La serie prosegue nel suo equilibrio tra racconto storico e intrattenimento, cercando di approfondire ulteriormente il personaggio e il contesto in cui si muove. Più che cambiare direzione, consolida il proprio tono, puntando su continuità e riconoscibilità.

Star Wars: Maul

Star Wars: Maul arriva il 6 aprile 2026 su Disney+, riportando al centro uno dei personaggi più iconici e oscuri dell’universo creato da George Lucas. La serie esplora gli anni successivi alla sua ascesa nel mondo criminale, approfondendo il lato più strategico e tormentato del personaggio. Un racconto che promette di espandere ulteriormente le zone d’ombra della galassia, puntando su un tono più cupo e introspettivo rispetto ad altri progetti del franchise.

Margo ha problemi di soldi

In arrivo il 15 aprile 2026 su Apple TV, Margo ha problemi di soldi racconta la storia di una giovane madre alle prese con difficoltà economiche che finiscono per influenzare ogni aspetto della sua vita. Tratta dall’omonimo romanzo e interpretata da Elle Fanning e Michelle Pfeiffer, la serie usa questa condizione come lente per osservare precarietà, identità e sopravvivenza emotiva nella contemporaneità. Quando il padre, con cui non ha più contatti, rientra nella sua vita offrendole aiuto, Margo apre un account OnlyFans seguendo i suoi consigli legati al wrestling professionistico: il successo arriva, ma porta con sé una domanda inevitabile: quanto costa davvero esporsi allo sguardo costante di internet? Tra toni da “dramedy” e uno sguardo più intimo, il racconto si costruisce attorno a scelte obbligate, errori e tentativi di ripartire.

Stranger Things: Storie dal 1985

In arrivo il 23 aprile 2026 su Netflix, Stranger Things: Storie dal 1985 espande l’universo della serie creata dai Duffer Brothers con un racconto animato ambientato nel cuore degli anni ’80. Più che un semplice spin-off, la serie prova a esplorare nuove storie e personaggi all’interno di Hawkins, mantenendo intatta l’atmosfera tra nostalgia e mistero che ha reso il progetto originale un fenomeno globale. Una serie che guarda al passato per continuare a far vivere il suo mondo, tra suggestioni note e nuove possibilità narrative.

Unchosen

In arrivo il 21 aprile 2026 in streaming su Netflix, Unchosen è una di quelle serie che, almeno sulla carta, incuriosiscono subito. Forse perché parte da un’idea semplice ma potentissima: cosa succede quando è un sistema a decidere chi merita e chi no? Il racconto segue un gruppo di persone “escluse”, messe ai margini da un meccanismo che pretende di essere oggettivo, ma che finisce inevitabilmente per definire vite e possibilità. È il tipo di storia che può facilmente scivolare nel già visto, ma se trova il tono giusto potrebbe dire qualcosa di molto attuale, soprattutto su quanto siamo disposti ad accettare che qualcun altro, o qualcosa, scelga per noi.

Cosa vedere in streaming: Apex

Apex parte da una premessa molto semplice: una caccia all’uomo. Ed è proprio in questa semplicità che si gioca tutto, perché il film sceglie di concentrarsi su ritmo, tensione e dinamiche di sopravvivenza senza complicare troppo la struttura. Il risultato è un racconto diretto, che punta a tenere alta la pressione e a costruire il confronto tra preda e predatore scena dopo scena. In arrivo il 24 aprile 2026 su Netflix, è uno di quei titoli che funzionano se riescono a restare compatti fino alla fine.

Malcolm: Che Vita!

Il ritorno di Malcolm è uno di quelli che non hanno bisogno di troppe spiegazioni. Più che un semplice sequel, è un’operazione che gioca tanto sulla memoria di una delle sitcom più amate degli anni 2000, riportando in scena personaggi e dinamiche che hanno segnato un’epoca (e dei ragazzi). C’è curiosità, inevitabilmente, ma anche il rischio di confrontarsi con qualcosa che appartiene molto al suo tempo. Resta però difficile ignorarlo: è uno di quei ritorni che, nel bene o nel male, vale la pena vedere. Per cui, save the date: il 10 aprile in streaming su Disney+.

Il Sindaco di Roma Roberto Gualtieri ha ricevuto ieri in Campidoglio le star internazionali Zendaya e Robert Pattinson, protagonisti del film The Drama – Un segreto è per sempre di Kristoffer Borgli. L’incontro si è svolto nella prestigiosa Sala Rossa, celebre sede dei matrimoni civili, in perfetta sintonia con il tema del film – una commedia romantica dai risvolti inaspettati che racconta le sfide di una coppia impegnata nei preparativi delle nozze.

Zendaya e Pattinson hanno infatti scelto di presentare il film in Italia e la loro visita in Campidoglio, simbolo iconico della Capitale, sottolinea il legame indissolubile fra il grande cinema internazionale e Roma, dove la sera di giovedì 26 si è svolto un affollatissimo Gala Première.

Il film e quando vederlo

The Drama – Un segreto è per sempreè sorprendente commedia romantica tra passione, segreti e rivelazioni, che vede per la prima volta insieme sul grande schermo Zendaya (Spider-Man: No Way Home, Challengers) e Robert Pattinson (Tenet, The Batman, la saga Twilight).

 Prodotto da A24 e scritto e diretto da Kristoffer Borgli,  il film sarà nei cinema italiani dal 1 aprile 2026, due giorni prima dell’uscita americana, con I Wonder Pictures. Nell’attesa di vedere The Drama nelle sale, resta aggiornato sulle prossime novità seguendo la nostra sezione entertainment.

Il nuovo trailer di The Drama – Un segreto è per sempre svela una commedia sentimentale in cui l’amore si incrina proprio quando dovrebbe consacrarsi. Protagonisti Zendaya (Spider-Man: No Way Home, Challengers) e Robert Pattinson (Tenet, The Batman, la saga Twilight), nei panni di una coppia il cui matrimonio viene travolto, a pochi giorni dal fatidico sì, da un segreto oscuro custodito per anni. Il film, scritto e diretto dal regista di culto Kristoffer Borgli e prodotto da A24, arriverà in Italia con I Wonder Pictures il 2 aprile 2026, in contemporanea con l’uscita americana prevista per il 3 aprile.

Le due star, amatissime dal pubblico mondiale, appaiono nel film per la prima volta insieme, inaugurando un sodalizio che proseguirà con The Odyssey e Dune: Part Three: una coppia iconica che ha già generato dibattito online e social.

Il trailer e la storia

Dopo un gioco innocente che innesca una spirale di dubbi e sospetti, Emma (Zendaya) e Charlie (Robert Pattinson) affrontano la vigilia del matrimonio fra passione e tensioni, segreti scomodi e rivelazioni. The Drama – Un segreto è per sempre è un’affascinante commedia romantica che esplora le sliding doors dell’esistenza e la verità nelle relazioni, perché a volte anche la persona che pensiamo di conoscere meglio resta sempre un mistero.

Con il suo mix di romanticismo, tensione e umorismo tagliente, The Drama promette di trasformare il matrimonio più atteso dell’anno in un’esplosione emotiva imprevedibile. Mentre aspettiamo l’uscita nelle sale italiane, ci godiamo il trailer.

Resta aggiornato sulle prossime novità seguendo la nostra sezione entertainment.

Universal Pictures ha annunciato il cast di Shrek 5 in un nuovo video, un teaser trailer condiviso sui suoi canali YouTube e su Instagram. “La crème de la crème di Molto Molto Lontano sta arrivando!” è il claim dell’annuncio, che rivela il ritorno degli immancabili Mike Myers, Eddie Murphy e Cameron Diaz, che torneranno a interpretare i loro amati personaggi di Shrek, Ciuchino e della Principessa Fiona nel film, mentre Zendaya si unirà al cast nel ruolo della figlia adolescente della coppia.

Non ci sono molte altre informazioni al riguardo, ma c’è una curiosità in ballo: nel 2017 Zendaya aveva pubblicato sull’allora Twitter un post in cui affermava di vedere fin troppo spessoi film della saga, e l’account Instagram della saga ha ora rilanciato il post al suon di “Questo post è invecchiato bene“. All’epoca un nuovo film non era neanche stato annunciato! Il quinto film di Shrek arriverà nei cinema il 23 dicembre 2026, con un significativo rinvio (inizialmente era previsto per il primo luglio, data ora passata a Minions 3).

Sinossi:
Non avete mai incontrato un eroe come Shrek, il tenero orco che ha conquistato tutto il mondo con… la più bella favola mai raccontata. La serie di film d’animazione prodotta dalla DreamWorks Animation ha avuto un successo globale e Shrek vinse nel 2002 il Premio Oscar come Miglior Film d’Animazione e 1 Premio BAFTA come Miglior Sceneggiatura Non Originale.

Luca Guadagnino (regista nostrano oramai celebre, salito alla ribalta grazie a film di successo come Chiamami con il tuo nome e Bones and All (Leone d’Argento per la regia a Venezia ‘79), per la sua ottava, mirabolante regia – dal titolo “Challengers” – riparte dal tennis e apre agli sfidanti in amore sfruttando in primis un cast di grido (su tutti la lanciatissima e super sexy Zendaya Maree Stoermer Coleman, protagonista di Dune), affiancata da due attori magnetici e di talento come Josh O’Connor (The Crown, La Chimera) e Mike Faist (West Side Story), e il tema sempre narrativamente eccellente del triangolo amoroso qui declinato all’ambiente iper-competitivo del tennis agonistico. Un film che avrebbe dovuto aprire la kermesse veneziana 2023 ma che, a causa del prolungarsi dello sciopero dei sindacati degli attori di Hollywood, ha dovuto rinunciare alle luci della ribalta lidensi, e che è invece poi uscito nelle sale italiane solo a 2024 inoltrato (distribuzione Warner Bros.).

Challengers: Call me by “your game”

Stati Uniti. Art e Patrick, il primo biondo e dallo sguardo limpido, il secondo moro con il ghigno birichino, si conoscono da sempre e condividono una passione sfrenata e un grande talento per il tennis. Caratteri e modi diversi di stare al mondo ma anche di giocare, ordinato e preciso uno scapestrato e potente l’altro, Art e Patrick sono due facce della stessa medaglia che vivono attitudine e competizione con intenso senso della sfida ma anche grande devota amicizia, perfino una certa simbiosi. Almeno fino all’arrivo, travolgente, della sexy e “felina” Tashi Duncan, anche lei mirabolante promessa del tennis mondiale. La festa d’incontro con la ragazza dei loro sogni (ma non solo dei loro – “chi non s’innamorerebbe di te” è il leitmotiv del film) diventa così momento catartico tanto nella loro amicizia quanto per le ramificazioni della loro vita. La sfida, fino a quel momento combattuta alla pari sui campi da gioco, si sposterà prepotente – e a tratti impari – verso le grazie della magnetica Tashi e alla conquista delle sue selettive attenzioni. E da quel momento in poi nulla sarà come prima. Eppure, nel diventare oggetto del desiderio dei due giovani tennisti, Tashi Duncan riuscirà poi a riportare attenzione e focus sui campi da tennis e sul senso ultimo della vittoria, da sempre una sua ossessione, divenuta ancor più pressante all’indomani dell’infortunio che la muterà da promettente giocatrice in volitiva allenatrice. Fuori e dentro ai campi, il triangolo amoroso e sportivo subirà slanci, arresti, cambi di rotta, strategie, e momenti di svolta a dir poco febbrili, facendo emergere la verità speculare (metaforizzata anche negli occhiali a specchio indossati da Tashi sugli spalti e sul manifesto del film) che descrive il tennis, e ogni singola partita, come grande allegoria della vita e delle sue intricate relazioni. Si vince e si perde, ma non bisogna mai smarrire il controllo, e la visione, del proprio individuale senso del gioco.

Game-set-match

Con questo film Luca Guadagnino mette a segno un’altra vittoria e scala un altro gradino del suo personale ranking cinematografico. Con l’aiuto in scrittura dell’esordiente ma talentuoso sceneggiatore e drammaturgo americano Justin Kuritzkes, un montaggio che denota grande uso e senso del ritmo, e una mirabile colonna sonora elettronica a cura di Reznor e Ross che rende autentica la voce della febbrile tensione che anima il complesso rapporto tra i tre protagonisti, Challengers rapisce lo spettatore nel turbinio di eventi ed emozioni che animano gli intrecci della storia costantemente in bilico tra sport ed eros. Il tennis raccontato e analizzato come relazione interpersonale, da osservare con la stessa complice malizia e da giocare con la medesima mutevole difficoltà, che si intreccia poi con il caos esterno della vita e con le forme di controllo e manipolazione che sempre contraddistinguono (almeno in parte) le relazioni tra persone, l’intimità (fatta di luci e ombre) del complesso dei rapporti. Come un tornado che muove impetuoso attraverso il fuoco e il ghiaccio di Patrick e Art, dribblando e manipolando ambienti competitivi e testosteronici con sorprendente agio, la Tashi di Zendaya è donna magnetica e multiforme, a tratti perfino crudele, che attira su di sé mille sguardi ma poi, infine, impone il dominio del suo sguardo sul prossimo (la sua presenza sugli spalti durante i momenti decisivi sono elemento catalizzante e totalizzante del film). E in questo sottile gioco di potere, Guadagnino gioca une delle sue partite migliori, muovendo con superba e spiccata mano autoriale le fila di un gioco, che gioco non è, ma che s’impone agli occhi come tale. Nel ritmo pulsante e trascinante che governa il film, Challengers esercita tutta l’ossessiva attrattiva che assume la vita quando dominata da un senso ultimo di potere e controllo, di vittoria e supremazia a ogni costo. Abbagliati come i due protagonisti dall’entrata in scena di una Tashi in blu elettrico, allo stesso modo osserviamo ipnotizzati l’esegesi di questo discorso amoroso che proietta il romanticismo erotico di Jules et Jim a un altro livello sensoriale: ben più fisico, psichedelico e ad alto tasso di seduzione di qualsiasi altro triangolo amoroso mai visto sul grande schermo.

Per la sua ottava regia, Luca Guadagnino si cimenta con un film che parla del connubio sport-seduzione, ma che poi apre a uno spettro ben più ampio e variegato di tematiche ed emozioni. Potere, controllo, attrattiva, ambizione, devozione, sono tuti tasselli di un unico gigante caleidoscopio di colori e musiche (sublime il commento sonoro) che Guadagnino mescola per ottenere 130 minuti di puro cinema d’intrattenimento, capace di ipnotizzare lo spettatore a suon di dritti, rovesci, superbi colpi da campione e infimi colpi bassi. Un trio – nonché triangolo – di protagonisti ben assortiti e molto affiatati serve perfettamente uno script che trova la sua vera originalità nella dinamica atletica, corporea e musicale, tutti elementi che confluiscono verso un’unica potentissima scena finale di resa dei conti, match dei match, partita liberatoria dal giogo delle pressioni competitive. Una girandola emotiva davvero seducente che saprà, senza mezzi termini, far parlare di sé, e – ancora una volta – del suo talentuoso regista.

Dune, dalle scritture di Frank Herbert, alla penna di altri che ne hanno raccolto l’eredità, fino ad arrivare alla trasposizione cinematografica ispirata di Denis Villeneuve (e tutto il conseguente carrozzone di merchandise allegato) Un testo “sacro” della fantascienza moderna che come una folata di sabbia rovente viene a portarci l’eco della venuta di un falso messia. Di sfondo l’aridità dell’animo umano coinvolto in una guerra di potere, un dramma dinastico fagocitato dalla ossessione per il controllo della Spezia, una sostanza stupefacente in grado di prevedere il futuro ma anche di controllare economicamente l’universo. Qui, a piccoli passi sapientemente poggiati sul terreno, con rispetto, senza voler svegliare un mostro di pregiudizi riservati nel tempo anche solo dal cercare di rendere giustizia a questo testo senza età pubblicato nel 1965 (aveva “fallito” David Lynch, ci aveva rinunciato Jodorowsky) il regista canadese firma la sua versione del primo libro della saga e ne fa un colossal autoriale a gusto personale, diviso in tre film, parliamo della seconda parte, Dune: Parte 2.

Dune – Parte Due: La diaspora

Il giovane rampollo del ducato Atreides, Paul, sopravvive ad un colpo di stato e dopo l’assassinio di sua padre trova rifugio nel deserto presso la tribù dei Fremen, astuti guerrieri, abili filosofi discendenti di un popolo nomade, figli di una diaspora che li ha portati sul pianeta di Arrakis. Sono alla ricerca di un liberatore, un Messia che li guiderà verso la creazione di un “pianeta verde”. I Fremen sono gli unici esseri umani in grado di vivere nell’atroce deserto di Dune, grazie ad una rigidissima disciplina circa il consumo dell’acqua contenuta nel corpo umano (neanche una lacrima deve essere versata, neppure durante un rito funebre) e alle tute distillanti, una particolare attrezzatura in grado di preservare i fluidi corporei e sfruttarli per permettere il riciclo d’acqua necessario a sopravvivere dove c’è solo la luce del sole. Paul è addestrato nell’arte della guerra e i confronti corpo a corpo, ma è totalmente impreparato ad una vita lontana dai suoi nobili natali del suo ospitale e rigoglioso pianeta d’origine. Covando del legittimo rancore verso gli assassini di suo padre, trova rifugio tra le braccia di Chany Kynes, una sua coetanea, figlia del popolo dei Fremen, di cui inevitabilmente si innamora. Ma altre forze in gioco si muovono per il controllo della Spezia…

Pedine bianche, pedine nere la scacchiera prende forma

Il duca Leto, padre di Paul, è stato assassinato a tradimento. I responsabili sono le altre forze in gioco durante questa faida degenerata. Uno dei temi principali di tutto il ciclo di Dune è l’importanza e lo strapotere della “paura”. La personificazione del terrore instillato da questo sentimento è la famiglia degli Harkonnen, nella persona del barone Valdimir Harkonnen (interpretato da Stellan Skasrsgard) e dei suoi litigiosi nipoti Rabban (Dave Bautista) e il na-barone Feyd-Rautha (Austin Butler). Violenti, succubi della loro stessa avidità, con la percezione di essere invulnerabili, vantano un arsenale di armi avanzatissime. Un’altra forza in gioco è l’Impero retto dall’oramai avvizzito Shaddam IV (interpretato in questa versione da Cristopher Walken) e sua figlia, la principessa Irulan (Florence Pugh) che attraverso la redazione dei suoi diari ci riporta gli accadimenti di questa storia. Nell’orecchio dell’Imperatore bisbigliano le appartenenti alla Sorellanza Bene Gesserit, senza la quale nessuna pedina si muoverebbe a dovere.

Una Guerra concettuale

Per capire Dune bisogna conoscere le Bene Gesserit. Nel primo film il regista sembrava aver trascurato queste figure, erano come delle ombre nere, delle parche che controllano il destino di ogni personaggio: in questo invece il loro ruolo diventa chiaro. La Bene Gesserit è una sorellanza esoterica di donne in grado, grazie ad una dottrina particolare, di condizionare fisicamente e mentalmente il volere degli altri. Lady Jessica (Rebecca Ferguson) la madre di Paul, è una di loro: ella è convinta che suo figlio sia il “Kwisatz Hadeherac” un salvatore, il messia, “colui che può essere in più luoghi contemporaneamente”, che può plasmare intere dimensioni e viverle. Per molti Paul è un abominio: al fine di selezionare un patrimonio genetico perfetto, secondo un progetto segreto di selezione, Jessica avrebbe dovuto partorire una figlia femmina. I Fremen si dividono tra chi riconosce il potenziale di Paul e chi lo disconosce. La religione e la stregoneria (se così possiamo chiamarla) sono in Dune più forti delle armi stesse.

Riscrivere un mito secondo le esigenze moderne

Non c’è dubbio sul fatto che Denis Villeneuve abbia preso per mano i due attori scelti per fare i protagonisti tra i più amati e chiacchierati di Hollywood. Laddove ha saputo sfruttare un budget relativamente contenuto per un kolossal (190 milioni di dollari) per ottenere dei risultati migliori e sorprendenti rispetto ai blockbuster degli ultimi dieci anni, ha fatto una scelta furba per il casting principale: Paul Atreides è interpretato da Timotheé Chalamet e Chani è interpretata da Zendaya. Possono risultare una scelta “sbagliata”, modaiola e azzardata (che personalmente non condivido, ndr.) perché non sono in grado di portare sulle spalle un ruolo così diverso su carta, da quello che è il loro vissuto. Chani è un personaggio passivo nel romanzo, mentre Zendaya è una forza della natura, Paul è un condottiero, dotato di carisma e determinazione per quanto giovanissimo, decisamente lontano dal tipo di figura proposta dal simpatico e al contempo dolente Chalamet. Tuttavia sforzandosi di entrare in un ottica di conservazione, essendo diretto ad una nuova generazione, notando un notevole sforzo da parte del protagonista di risultare efficace (in lingua originale sembra voler buttare fuori tutta l’aria dei suoi polmoni nell’ultima parte del film) è sensata. Il film, con la sua durata di 165 minuti (quasi tre ore) viene fortemente smosso dagli effetti visivi di livello e dal comparto sonoro: il mastodontico verme delle sabbie viene preannunciato da un suono che dai realizzatori è stato spiegato così: “Inizialmente si era pensato a produrre come un rumore di insetto, non generando l’aspettativa di un verme gigantesco. Denis Villeneuve però non voleva spaventare il pubblico con il verme” prosegue: “Se il verme, viaggia tra la sabbia, deve essere vibrante: nel deserto hanno registrato le vibrazioni della sabbia a varie profondità. (…) l’idea era quella di avere un suono che ricordasse un insetto piccolo, delicato, che non dia l’idea di un “vermone” gigante e raccapricciante.” Il vero motivo per cui però la durata del film viene digerita con facilità è la colonna sonora scritta da Hans Zimmer, che ha perfino rinunciato alla sua storica collaborazione con Cristopher Nolan per dedicarsi alla stesura dei brani di Dune. Ha fatto questa scelta durante la produzione della parte uno, non se ne è pentito con la parte due dove ha rafforzato le note per incalzare il ritmo delle scene d’azione. Il compositore a dichiarato durante un intervista a The Playlist: “Dune è stato il mio libro preferito durante l’adolescenza” ha proseguito “Non ho mai visto il primo film di Dune, quindi ho un punto di vista fresco che si basa solo sul libro”. E il brano “A time of quiet between the storms” è da brividi.

Se il primo film era un lungo prologo, questo è la parte centrale: manca la conclusione e come in ogni capitolo di mezzo, questo può esser visto come un inevitabile difetto; almeno fino a quando non vedremo il progetto compiuto nella sua interezza, con la speranza di non restare delusi. Non basta a paragonarlo a Star Wars Episodio VI: L’Impero colpisce ancora, come spesso si fa con i film di genere che non hanno una conclusione e sono stretti dentro ad una trilogia, perché per quanto Dune e Star Wars siano il padre e la madre della Space Opera moderna, l’impronta del film è del tutto diversa. Siamo di fronte ad un film che ha il gusto della SciFi europea, in particolare quella francese: le illustrazioni per Dune di Moebius sono il pane quotidiano del regista. Sfogliamo un albo dai colori acri e un fumetto retrò: una intera sequenza (quella sul pianeta Giedi Primo) è in bianco e nero. Villeneuve è un regista romantico che è convinto che far sentiere i pensieri dei personaggi con degli intensi primi piani senza che le battute vengano recitate sia un espediente apprezzabile anche oggi. Ha descritto così il suo film: “La prima parte è un film contemplativo, mentre la seconda parte è un film di guerra epico e infarcito d’azione”. In definitiva Dune: parte due contribuisce ad alimentare il mito delle storia di Paul Muad’Dib Usul, non si sostituisce all’opera originale, omaggia in più di una occasione il film di Lynch e fa tornare in mente queste parole di Herbet: “Non si può capire un processo arrestandolo. La comprensione deve fluire insieme col processo, deve unirsi a esso e fluire con esso.”

Più di un mese fa è uscita nelle sale di tutto il mondo la trasposizione di una delle saghe fantascientifiche più famose di tutti i tempi. Il film ha spaccato in due la critica e il pubblico, tra chi definisce Dune Part One un capolavoro e chi invece l’ha reputato noioso e fine a sé stesso.

Adesso il regista Denis Villeneuve avrà l’occasione di mettere tutti d’accordo in quanto è stato ufficializzato nelle ultime ore il seguito del film che si chiamerà semplicemente Dune Part Two, con uscita prevista per il 2023.

Finora molti di noi già erano al corrente del fatto che ci sarebbero stati dei sequel, però nella giornata di ieri c’è stata data ulteriore conferma da Legendary Pictures. A quanto pare i lavori per ora non sono nemmeno cominciati ma ci aspettiamo che inizieranno presto vista la mole di lavoro necessaria per portare a termine un progetto sicuramente molto ambizioso.

Nel cast saranno nuovamente presenti Timothée Chalamet nei panni di Paul Atreides, Rebecca Ferguson che reinterpreterà Lady Jessica Atreides, Zendaya nelle vesti di Chani e Stellan Skarsgård come Vladimir Harkonnen. Per ora non si hanno altre informazione a riguardo di Dune Part Two ma noi di VMAG vi invitiamo a rimanere collegati con noi per scoprire altre notizie sul sequel del lavoro di Denis Villeneuve.

Fonte: Polygon