Cartoons on the Bay è il festival internazionale dedicato all’animazione, ai media per ragazzi e al transmedia promosso da Rai e organizzato da Rai Com. Ogni anno richiama in Italia alcuni tra i più interessanti autori, artisti e professionisti del settore, offrendo un’occasione unica per incontrare le voci che stanno contribuendo a ridefinire il linguaggio dell’animazione contemporanea.

Tra gli ospiti dell’edizione 2026 c’era anche Jack Fanburg, filmmaker, animatore e sceneggiatore statunitense, creatore della serie indipendente Trouble in Paradise. Fanburg appare come un artista sui generis: difficile da incasellare, imprevedibile nei modi e sorprendentemente autentico. Durante una conversazione può apparire quasi impacciato, come se stesse inseguendo i propri pensieri un passo alla volta, lasciandosi guidare più dall’istinto che da un discorso preparato. Ma è proprio dietro questa spontaneità che emerge la sua caratteristica più interessante. Fanburg non ostenta la propria sensibilità; anzi, sembra quasi nasconderla dietro l’umorismo, l’autoironia e l’assurdità delle sue storie. Eppure basta osservare più da vicino il suo lavoro per coglierne la profondità. Le sue animazioni sono attraversate da temi come la dipendenza, la fragilità umana, la ricerca di sé e il bisogno di trovare una via d’uscita dai momenti più bui. È lì che affiora tutta la delicatezza del suo sguardo e la dolcezza di un autore che ha trasformato esperienze personali difficili in racconti capaci di far sorridere, commuovere e riflettere allo stesso tempo.

A Cartoons on the Bay ha presentato The Duke of Sorenburgh, uno degli episodi più ambiziosi di Trouble in Paradise, serie animata che segue le avventure di Mike Peacockski, un improbabile pavone alle prese con criminali, viaggi surreali e, soprattutto, i propri demoni interiori. Durante la nostra conversazione abbiamo parlato della nascita del progetto, del suo peculiare processo creativo, del rapporto tra animazione e intelligenza artificiale e di come la sua esperienza personale con l’alcolismo abbia influenzato il modo in cui racconta storie. Ne è nato un dialogo sincero che, proprio come le sue opere, alterna comicità, assurdo e riflessioni profondamente umane.

Let’s start with The Duke of Sorenburgh. For readers who may not be familiar with it, how would you describe the project in a few words?

Jack Fanburg: Dark comedy. To give you a better idea, it’s the story of a peacock fighting his inner demons. I usually describe it as BoJack Horseman meets Archer. It’s an adult animated series with a lot of humor, but it also explores addiction, recovery, and personal struggles. The project actually started while I was studying at the University of California. For my thesis, every student had to pitch an idea, and the selected projects would be produced by different teams. My original vision was a live-action story set in Brooklyn. I wanted to play with the contrast between larger-than-life characters representing sins and a more grounded environment.

At first, the team assigned to my project didn’t really connect with the tone or the sense of humor I had in mind. Eventually, I decided to build a different team and produce it independently. It was during Covid, and animation turned out to be the perfect medium for making it happen. After the first project was completed, it just kept growing. It developed a life of its own. Today we’re producing Season Five, with around thirty episodes completed so far. I’m hoping we can eventually find distribution in Italy because the response here has been incredibly encouraging.

A major part of the series also focuses on addiction. Mike Peacock struggles with alcoholism, and one of the themes we explore is how people often use alcohol to cope with pain, only to find themselves trapped by it. The core message is that the only way out is through, you have to face it.

Can you tell us a bit about your writing process? Do you usually start with the character, or do you begin with the message you want to tell?

Jack Fanburg: My writing process is actually pretty unusual. I don’t have a giant whiteboard covered in notes or a traditional system. I’m very ADHD, so ideas tend to come from random moments in life. For example, one episode began when I was drinking a martini in a famous hotel in London that Hemingway used to visit. I remember looking at the drink and thinking, What if this martini came alive and became a portal to another world? That single image sparked an entire storyline.

Most of the time I spend a lot of time thinking before I write anything down. I’ll walk around, observe people, imagine scenes, and let ideas connect naturally. Once I can see the whole story in my head, that’s when I start writing. Something else I’ve noticed is that writer’s block often comes from problems I created myself earlier in the story. Sometimes I’ll realize I never explained something or left a loose end unresolved. Then suddenly the solution appears, and that solution becomes a new story opportunity.

Was there a moment during production when the project evolved in an unexpected way?

Jack Fanburg: Absolutely. I think obstacles are often what create the best opportunities. Animation is unique because literally anything is possible. That’s exciting, but it also means you have to define every rule of your world. If you don’t tell the audience, or your animators, how the world works, nobody knows.

I remember there was a point in the series where Mike Peacocksi was wearing an ankle monitor. Later on, I completely forgot about it. Then, seasons later, I found myself writing a scene where characters were trying to locate him. Suddenly I remembered: Wait, he has a tracking device. What started as a forgotten detail became the solution to an entirely different story problem.

That kind of thing happens all the time. I also draw a lot of inspiration from classic literature. One episode is called Peacock’s Odyssey, which is directly inspired by Homer’s Odyssey. There are references to Cyclopes, sirens, and the classic hero’s journey throughout the episode.

You’ve spoken openly about alcoholism and addiction. How do you balance entertainment with such serious themes?

Jack Fanburg: It’s personal for me. A lot of people can enjoy alcohol casually, but for me it was different. The truth is that being here today is directly connected to getting sober. If I hadn’t stopped drinking, I probably wouldn’t be here. I might not even be alive.

So when I write about addiction, I’m writing from experience. I never want it to feel preachy, but I also don’t want to avoid the reality of it. Humor helps people engage with difficult subjects, and animation gives you a unique way to explore those ideas.

Animation is evolving rapidly, both creatively and technologically. What development interests you the most?

Jack Fanburg: Probably AI, and that’s not the answer people usually expect. The reason isn’t because I love AI. Actually, I don’t. What concerns me isn’t even the conversation about jobs being replaced. Technology has always changed industries.

What worries me more is how people consume entertainment today. Everything is happening through phones and endless scrolling. The entertainment landscape has become incredibly competitive and centralized. It’s difficult for independent creators to get noticed.

What gives me hope, though, is that I see more people wanting real experiences again. Younger generations are increasingly looking for ways to disconnect from their phones and reconnect with the world around them.

I know people who deliberately use flip phones. I know people who put their devices away during trips and navigate with physical maps. Those experiences are becoming valuable again. I hope that trend extends to entertainment as well going to theaters, attending festivals, and experiencing stories together instead of alone on a screen.

Which artists or writers have influenced you the most?

Jack Fanburg: I grew up loving The Simpsons. What I admire about it is that it’s funny on multiple levels. Anyone can enjoy it, but if you’re paying close attention, there are layers of intelligence underneath the jokes.

Oddly enough, some of my biggest motivation also came from watching shows that I thought could have been better. I would watch something on television and think, If this got made, maybe I can do this too. Maybe I can create something even stronger. That feeling pushed me to start writing seriously and to believe I could build my own projects.

One last question: what do you hope viewers take away from your work?

Jack Fanburg: I’m a huge believer in escapism. When I was struggling with addiction and alcoholism, entertainment helped me survive some very dark periods. Watching a show, a movie, or an animated series gave me a temporary escape from everything I was dealing with. That’s why I believe entertainment has value simply as entertainment.

Life constantly throws challenges at us. If something I create can help someone forget their problems for ten minutes, make them laugh, or give them a break from whatever they’re carrying, then I feel like I’ve accomplished something meaningful.

L’ispettore Zenigata si reca prima al Castello di Dracula in Transilvania per verificare la notizia della possibile morte di Lupin III e dopo in Egitto, sempre sulle tracce dell’infallibile ladro che è in realtà vivo e vegeto. Lui e la sua banda infatti sono sulle tracce di antiche reliquie che concederebbero l’immortalità; Lupin sta facendo un favore a Fujiko, la quale sta lavorando a sua volta per conto di un misterioso cliente conosciuto come Mamo.
In questo modo il protagonista mette le mani sulla leggendaria Pietra Filosofale ma prima di consegnarla al mandante ne realizza una copia, scatenando l’ira di Mamo quando scopre la verità. Da quel momento per Lupin avrà inizio un’avventura a perdifiato in giro per il mondo, dove tra liti con i suoi storici compagni Jigen e Goemon, flirt più o meno improbabili con Fujiko e il solito Zenigata sempre alle sue calcagna, dovrà trovare il modo di fermare quel potente villain che sembra nascondere molti segreti dietro il suo grottesco aspetto: tutto questo e molto altro in Lupin III – La pietra della saggezza.

Di qua e di là

Dalla Transìlvania alle piramidi, sin dai primi minuti Lupin III – La pietra della saggezza mette in chiaro la sua anima “turistica”, con svariate location sparse in giro per il mondo a fare da sfondo a quest’avventura del popolare personaggio, tra le più visionarie mai realizzate. Ci troviamo di fronte non soltanto al primo lungometraggio pensato per il cinema, ma anche ad un’opera ricca di sfumature e invecchiata meglio di molte altre anche posteriori, con gli anni Settanta – la pellicola ha visto la luce delle sale nipponiche nel 1978 – che entrano di prepotenza all’interno della narrazione con la loro carica libera e surreale, in grado di offrire diverse sfumature non soltanto dal punto di vista narrativo ma anche nella relativa “messa in scena”, tanto che i cento minuti di visione sono colmi di passaggi affascinanti.
Dalla citazione della relatività di Escher e delle sue famose scale al richiamo all’universo hollywoodiano e del cinema classico – con Alain Delon, Marilyn Monroe e Humprey Bogart apertamente citati nei dialoghi – dalla comparsa di figure storiche come Hitler e Napoleone in una sorta di anticipatore delle macabre atmosfere del Fairytale (2022) di Aleksander Sokurov fino al tema centrale dell’immortalità, la sceneggiatura mette un sacco di carne al fuoco e in maniera incredibilmente coesa. Dall’inizio alla fine ci si aspetta sempre un qualcosa di originale e fino all’epilogo l’azione non manca, all’insegna di quel tipico e rocambolesco divertimento che da sempre caratterizza il franchise.

Un mix riuscito

Un character design che si rifà all’immaginario classico ci accompagna in questa girandola action, tra elicotteri armati di mitra e giganteschi camion, inseguimenti nei cunicoli delle piramidi o nei rivoli stantii delle fogne, con la presenza di Jigen e Goemon quali fondamentali partner-in-crime, anche se qui forse rispetto ad altre occasioni il loro minutaggio è più limitato, in favore di una maggior presenza della splendida Fujiko, anche al centro di un paio di sequenze hot tutte da vedere.
Tra viaggi nel subconscio e discorsi sulla clonazione, Lupin III – La pietra della saggezza cerca di inserire argomenti e spunti maturi e profondi, con un’anima quasi horror a caratterizzare la spettacolare resa dei conti finale, per un film che, come spesso accade con ciò che dal piccolo schermo sbarca sul grande, cerca subito di spiazzare lo spettatore, tanto che nella prima scena si prospetta addirittura la morte del protagonista.
Un intrattenimento spumeggiante, brioso e perché no anche cattivo quando serve, che non tradisce le basi di una saga che da lì in poi avrebbe continuato a mietere successi anche nel formato cinematografico come tutti, fan e non, ben sappiamo. Qui gli ingredienti che hanno reso Lupin III un’icona immortale nel mondo dell’animazione sono tutti ampiamente presenti, colonna sonora inclusa, e il nostro consiglio non può che essere quello di fare una capatina in sala per riscoprirne una pagina importante della sua Storia.

La prima avventura per il grande schermo dell’iconico ladro (ora di ritorno nei cinema, in una scintillante versione in 4K grazie a Nexo Digital e Yamato) è anche uno dei racconti più visionari e originali che lo vedono protagonista, figlio di quelle atmosfere surreali e sensuali degli anni Settanta e ricco di suggestioni narrative, che si vanno ad incastrare in una trama “internazionale”. Lupin e la sua banda girano infatti mezzo mondo nella loro disfida contro il potente e misterioso Mamo, con la bella Fujiko al solito quale figura scatenante delle rocambolesche situazioni che vedono il Nostro malcapitatamente coinvolto. Squarci visionari e azione pirotecnica, con l’immaginario classico ad ogni modo ampiamente rispettato anche nella contaminazione con spunti più maturi del solito, in una sceneggiatura che non si fa mancare niente ed espande in grande le atmosfere della serie televisiva, trasformando il debutto cinematografico in una sorta di unicum affascinante e da riscoprire.

Nel labile confine tra realtà e finzione possono le illusioni prender vita? Perfect Blue (パーフェクトブルー), l’opera prima del maestro dell’animazione giapponese Satoshi Kon è uscito nei cinema italiani il 22-23-24 aprile, ma, dato il grande successo, sono previste delle repliche in alcune sale selezionate. Il lungometraggio d’esordio del compianto regista, scomparso prematuramente nel 2010, è distribuito in versione restaurata in 4K da Nexo Digital e Yamato Video. La pellicola fa parte della stagione 2024 del progetto esclusivo Anime al Cinema, sempre di Nexo Digital e Yamato Video in collaborazione con i media partner Radio Deejay, MYmovies.it, Lucca Comics&Games e ANiME GENERATION(Amazon Prime Video). Prodotto dal noto studio Madhouse e dalla Rex Entertaiment, vanta la consulenza speciale di Katsuhiro Ōtomo, autore del celeberrimo Akira(アキラ manga 1982-1990 – Film 1988), del quale lo stesso Kon era stato precedentemente assistente. Il film, datato 1997, uscì nelle sale giapponesi il 28 febbraio 1998, preceduto dalle proiezioni in anteprima il 5 e l’8 agosto 1997 al Fast-Asia Film Festival di Montréal, in Canada, dove vinse il premio Best Asian Film. In Italia, fino ad oggi, era inedito nei cinema, in quanto pubblicato esclusivamente per il mercato home video, prima in VHS nel 1999 e successivamente in formato DVD nel 2005. Perfect Blue è liberamente ispirato all’omonimo romanzo(Perfect Blue: Complete Metamorphosis) del 1991 di Yoshikazu Takeuchidi, del quale è stato realizzato anche un live-action nel 2002.

La ventunenne Mima Kirigoe, idol parte del terzetto di cantanti  j-pop Charm, decide di dare una svolta alla sua carriera abbandonando la musica per diventare attrice. Ottenuto un ingaggio per un ruolo nella serie drammatica “Doppio Legame”, la giovane si confronta non solo con lo scontento di alcuni suoi vecchi fan, ma con un mondo ben diverso e più spietato di quello patinato a cui era abituata. Episodi di minacce da parte di un stalker arrabbiato della sua scelta professionale, la scoperta di un sito web in cui vengono narrate dettagliatamente le sue giornate ed una serie di gravi incidenti sul set accrescono le perplessità ed i turbamenti di Mima. Fagocitata dalla cascata di eventi, preda delle sue stesse paure ed emozioni, la giovane inizia a perdere contatto con la realtà e confusa da una serie di allucinazioni la sua identità si sgretola. Chi è la vera Mima Kirigoe?

Un’eclettica stanza degli specchi

Perfect Blue è uno psyco-thriller, capolavoro del cinema d’animazione. Sebbene sia il primo film di Satoshi Kon presenta una maturità inusuale ed uno stile sperimentale unico. Il regista fonde e confonde sapientemente realtà e finzione, in una giostra continua che disorienta sia la protagonista che lo spettatore. Atipica, esplicita ed avveniristica, è una pellicola caratterizzata da una profonda complessità psicologica e da un’atmosfera decisamente inquietante. La sceneggiatura, curata da  Sadayuki Murai, è ben definita ed articolata, dai dialoghi taglienti ed incisivi, contraddistinti da un’essenzialità bilanciata, capace di nascondere preziose informazioni nella moderazione verbale. Ogni parola, infatti, ha un suo peso specifico, che può rivelarsi cruciale per la trama, contribuendo non solo alla psicologia dei personaggi, bensì diventa un componente costruttivo del clima straniante della pellicola. Anche la scelta dei luoghi e delle ambientazioni è calibrata sulle stesse logiche, seguendo uno schema, ricco di rimandi e significati, ben preciso. La narrazione ad alta tensione è orchestrata con cura, lasciando costantemente lo spettatore sul filo del rasoio, in balia del disorientamento claustrofobico che permea il film.

Punti chiave dell’audace regia di Kon sono le riprese ed il montaggio, che prendono ispirazione da registi come Alfred Hitchcock, David Lynch e Terry Gillian. Le visuali distorte, effetto dei giochi di prospettiva e la profondità di campo, le angolazione delle inquadrature si coniugano sapientemente con un editing fatto di scene sovrapposte, tagli improvvisi alternati a transazioni fluide che costruiscono lo spazio ed il tempo cinematografico richiamando le opere di Escher. Una costruzione intricata e poliedrica finalizzata a rappresentare, in modo emotivamente coinvolgente, il surreale quanto suggestivo delirio identitario della protagonista. L’approccio di Kon è intenso e spietato, atto a sovvertire continuamente i piani della verità e della finzione sino a renderli indistinguibili. La capacità di riprodurre sul grande schermo, ancorché in versione animata, psicologie tanto complesse è divenuta tratto peculiare del noto regista che, in sordina, ha fatto scuola. Diversi cineasti, infatti, si sono fortemente ispirati al lavoro di Satoshi Kon, trai quali spiccano nomi celeberrimi quali Christopher Nolan, Darren Aronofsky e Michel Gondry. Proprio Nolan e Aronofsky, peraltro, hanno omaggiato Kon inserendo nelle loro pellicole sequenze pressoché identiche a quelle lungometraggi dell’animatore nipponico, tra le quali, in riferimento a Perfect Blue, la scena di Mima nella vasca da bagno che ritroviamo ne Il Cigno Nero(2010).

Perfect Blue: un caleidoscopio sensoriale

Perfect blue è realizzato interamente in tecnica tradizionale, caratterizzato da animazioni di alto livello ed uno stile grafico distintivo. Il film, difatti, presenta un’estrema cura in determinati particolari visivi, come le merci negli scaffali del supermercato frequentato da Mima, ed un ottima definizione di luci, ombre e rilievi. Fluidi ed estremamente naturali i movimenti, particolarmente ammirabili, per esempio, nelle coreografie delle Charm. Al contempo, tuttavia, si contrappongono la staticità delle folle rappresentate e la mancanza di dettagli dei volti delle persone in esse ritratte, ad eccezione, parziale, dei personaggi noti. Un suggestivo ed antitetico dualismo che amplifica l’ansia e la solitudine dei personaggi. Un contrasto ricercato, dal profondo valore simbolico e psicologico, ulteriore connotato del taglio sperimentale di Kon.

La giostra di contrapposizioni non si limita al comparto visivo. Un sapiente uso del suono, fatto da variazioni, distorsioni e dissonanze, punteggia le scene amplificandone l’effetto delirante e psicotropo. La colonna sonora, curata da Masahiro Ikumi, alterna orecchiabili e zuccherose canzoni j-pop a musiche ambientali di tensione, industriali e dal sound noise che ben si coniuga, fino a fondersi, con i rumori. Questo connubio tra sinfonie e suoni diametralmente opposti, in correlazione alle sequenze mostrate sullo schermo, arricchisce l’atmosfera disturbante e vertiginosa che caratterizza la pellicola. Una confusione ulteriormente sviluppata dal gioco creato da alcuni brani che oscillano dall’essere elementi sonori diegetici ad extradiegetici.  Lodevole il doppiaggio italiano, sia sotto il profilo tecnico che espressivo, curato da Raffaele Farina.

Tra incubo e realtà: l’identità frantumata

La forte carica innovativa che contraddistingue Perfect Blue non si limita all’aspetto strutturale e tecnico. Le tematiche trattate e la prospettiva con cui vengono analizzate riflettono lo stile avanguardista di Satoshi Kon. Il centro tematico del film ruota attorno al concetto di identità e perdita di sé. Un’immersione introspettiva profondamente psicologica, che ci porta letteralmente nei meandri più oscuri della mente. Esplora l’esistenzialismo e la complessità dell’essere umano, soprattutto in rapporto alla comunità. Kon eviscera le luci è e le ombre del popolo giapponese, ne anatomizza sagacemente i contrasti, esponendoli crudamente agli occhi degli spettatori. Ne esalta il connotato negativo attraverso l’effetto disturbante, al clima di inquietudine che non è che un riflesso dei turbamenti della psiche. Lo fa, non a caso, giocando ripetutamente con le contrapposizioni, sfruttando quell’ambiguità narrativa che caratterizza l’intera pellicola. Il lungometraggio è permeato da una profonda critica alla società nipponica, che ad oggi, a quasi trent’anni di distanza, risulta straordinariamente attuale. Il tutto arricchito da diversi rimandi e citazioni.

Lapalissiano è il biasimo sul fenomeno delle idol giapponesi. Giovani, spesso adolescenti, la cui effimera carriera nel modo dello spettacolo s’incentra più sulla loro immagine che sul talento, anche quando ne sono provviste. Come da nome idol(idolo), diventano un mero simulacro al quale la loro stessa identità viene sublimata. Una figurazione che le vuole virginali ed immacolate, in piena contrapposizione alla sessualizzazione dei loro corpi ottemperata dal pubblico. I fan, infatti, differentemente da quelli delle pop star ed attrici, vantano un platea interamente o quasi maschile, dall’età e status sociale eterogenei. Un dualismo ipocrita e nocivo, marchiato del profondo sessismo che ancora oggi affligge la cultura giapponese. Una maschilismo talmente profondo ed intrinseco che non distingue neppure il sesso dallo violenza, dallo stupro, focalizzando la reputazione e l’onore delle donne esclusivamente nell’immagine e all’uso che viene fatto dei loro corpi ad opera degli uomini. Kon attraverso la lente deformata di questa visione, ce ne mostra le aberrazioni, proponendoci implicitamente un’ottica femminista sulla questione. Le allucinazioni ed i deliri onirici di Mima, la sua crisi identitaria, nascono anche dal contrasto tra l’essere padrona di sé stessa, delle sue scelte professionali con il retaggio educativo giapponese, personale ed indotto. I turbamenti di Mima in merito alla scena di stupro del serial non sono legati esclusivamente al disagio provato nel girare la sequenza, che lei stessa razionalizza inizialmente come semplice recita. Il problema nasce dalle implicazione che tale scelta, per i deviati canoni giapponesi, ha sulla sua immagine, che ne esce sporcata. Ciò crea un conflitto tra la sua personalità pubblica e quella privata. Da qui la frattura e l’incapacità della giovane di distinguere la realtà dalla finzione. Kon ci immerge nella psiche e nelle emozioni della protagonista, mostra, utilizzato simboli come specchi e riflessi, il dualismo innescatosi nella mente della ragazza, ma anche il suo travagliato percorso alla scoperta della vera Mima. Un viaggio che non a caso termina proprio con il suo volto immortalato in uno specchietto retrovisore.

La crisi di Mima, tuttavia, è influenzata altresì dallo stalking e le minacce di un ammiratore, forieri di quella visione sessista già enunciata, che amplifica i turbamenti della giovane in merito alle sue scelte professionali. La paura costante e l’intrusione nella sua vita privata la spingono oltre il limite, mettendo in discussione chi sia veramente. Un fanatismo che diventa anch’esso aspetto tematico di Perfect blue. Connesso al mondo delle idol, ma estendibile a fronte di ogni passione, Kon si pone estremamente critico verso l’ossessione di alcuni individui verso “l’oggetto” della loro bramosia. Alla base vi è sempre una fragilità identitaria che il regista esplicita attraverso i connotati fisici di Maniac che risultano sommari, scialbi e trasandati. Figurazione del lato oscuro e pericoloso della celebrità ed al contempo dell’anonimato, in duplice simbolismo complesso. Un ulteriore contrasto esplicitato dal regista, che s’incentra opponendo l’idolatria estrema e tossica all’impersonalità traviata. Maniac, privo di autenticità, è una mera maschera, schiavo dei suoi desideri deviati e reconditi che lo rendono incapace di distinguere realtà e finzione.

La figura dello stalker offre un’ulteriore argomento d’analisi di Perfect Blue: l’uso di internet. Avveniristico il ritratto che ne fa Kon, considerando che all’epoca a dell’uscita del film il suo impiego era ancora ai suoi albori. Il regista, profeticamente, ne denuncia i possibili pericoli, che ad oggi, con l’avvento dei social media risuonano estremamente attuali. Nel lungometraggio, come nella realtà, il filtro dello schermo permette la manipolazione delle identità. Gli individui possono nascondersi dietro pseudonimi o profili falsi, che ne favoriscono comportamenti illeciti  e/o aggressivi. Più spesso, però, è l’immagine del proprio sé che può essere distorta a piacimento, alterata ad hoc per il pubblico. Le esistenze online e offline si sovrappongono, portando a una confusione che non affligge solo il mistificatore di turno, ma anche il suo seguito con conseguenze spesso dannose. La presenza sul web può essere manipolata, la privacy compromessa e la nostra autenticità offuscata. Satoshi Kon ha anticipato queste ansie, offrendo una visione quanto mai  inquietante e premonitrice.

Perfect Blue è un’opera prima di grandissimo livello, oltremodo matura ed avveniristica tanto per le tematiche trattate quanto per la sua costruzione, che ha giustificatamente consacrato Satoshi Kon nell’olimpo dell’animazione giapponese fin dal suo debutto. Un thriller di estrema complessità psicologica, dall’atmosfera disturbante e disorientante, strutturato su una straordinaria ed intricata ambiguità narrativa, una giostra di specchi e sguardi che trascende il confine tra realtà e finzione. Riflessione intensa sul concetto di identità e sulla fragilità dell’animo umano, è un’esperienza cinematografica imperdibile per gli appassionati.

In preparazione all’uscita di Inside out 2, atteso per il 14 giugno 2024, Disney Pixar ha deciso di trasmettere, per la prima volta sul grande schermo, i tre lungometraggi Red, Soul e Luca.

Come di consueto, ogni lungometraggio sarà preceduto da un corto che ne arricchirà l’esperienza: Red sarà anticipato da SparkShort Kitbull, Soul avrà SparkShort La Tana mentre Luca sarà accompagnato da Pennuti spennati.

Red – 7 marzo 2024

Uscito originariamente in streaming l’11 marzo 2022 per colpa della pandemia, il film parla di una ragazza tredicenne di nome Mei Lee alle prese con l’adolescenza e con tutti i cambiamenti che ne conseguono. La madre Ming, troppo protettiva e autoritaria, non la lascia mai sola e la mette spesso in imbarazzo, causandole tanti problemi: ogni volta che Mei si emoziona troppo, infatti, si trasforma in un gigantesco panda rosso.

D’altro canto, il corto SparkShort Kitbull di Pixar Animation Studios racconta la nascita della bella amicizia tra un gattino randagio molto indipendente e un pitbull.

Soul – 11 aprile 2024

Uscito per la prima volta il 25 dicembre 2020 e vincitore del premio Oscar come miglior film d’animazione, Soul parla di Joe Gardner, un insegnante di musica di scuola media che ha l’occasione di suonare nel migliore locale jazz della città. Un imprevisto, però, lo porterà nell’Ante-Mondo, un luogo dove le anime nascono e si sviluppano. È in questo posto che incontra un’anima di nome 22, l’unica a non essere interessata alla vita: Joe proverà a convincerla che la vita è speciale mentre trova le risposte alle domande della sua stessa esistenza.

In La Tana, una giovane coniglietta compirà un viaggio per costruire la tana dei suoi sogni: non sapendo come fare e non volendo chiedere aiuto, finirà molto spesso nei guai.

Luca – 25 aprile 2024

Uscito il 18 giugno 2021 su Disney+, il film è ambientato in una bellissima riviera italiana dove un giovane ragazzo di nome Luca impara a conoscere le bellezze del divertimento estivo insieme al suo migliore amico Alberto e alla sua amica Giulia. Luca nasconde, però, un terribile segreto: è, in realtà, un mostro marino di un altro mondo.

Il cortometraggio Pennuti Spennati parla di vari uccellini che si prendono gioco di un uccello più grande che ha deciso di posizionarsi nella loro tana.