Quando James S.A. Corey, nome collettivo con cui si firma la coppia di scrittori statunitensi Daniel James Abraham e Ty Corey Franck, ha dato vita all’universo letterario della saga di The Expanse, la fantascienza ha subito una profonda scossa tellurica; erano ben lontani i viaggi fantastici a bordo di vascelli luccicanti capaci di piegare lo spaziotempo con tecnologie quasi soprannaturali, poiché la sua narrativa impose una virata brutale verso il realismo più crudo, nel quale fisica newtoniana detta le rigide leggi del movimento cosmico, l’accelerazione può uccidere di colpo un uomo e l’assenza di gravità prolungata deforma lo scheletro in maniera irreversibile.

La grandezza delle sue cronache è nascosta tra le pieghe di una spietata analisi sociopolitica, capace di trasformare in qualsiasi momento il sistema solare in una polveriera pronta a esplodere a causa delle aspre divisioni tra Terra, Marte e la Cintura. Lo straordinario affresco così dipinto ha tratteggiato nuovi canoni per la space opera moderna, nella quale risalta anzitutto come il vero pericolo dello spazio profondo sia l’animo umano, con le eterne meschinità e le insaziabili brame di potere che lo contraddistinguono.

La potenza di un simile immaginario risiede nella capacità di rimanere ancorato a terra: il suo è un racconto di operai che rischiano la vita per un carico di ghiaccio e di fazioni governative intrappolate in una guerra fredda interplanetaria che non ammette vincitori. Ogni dinamica interna contribuisce a creare un contesto incredibilmente coeso, dal funzionamento degli stivali magnetici alla gestione burocratica delle stazioni minerarie, dove non c’è margine per soluzioni romanzesche miracolose.

L’impatto culturale dell’epopea di Corey ha creato una community di appassionati incredibilmente esigente e io stesso, da amante integerrimo di questo universo, mi sono abituato a pretendere  anche dalThe Expanse Osiris Reborn:le opere derivate un cospicuo grado di precisione scientifica. Pochissime altre produzioni hanno saputo offrire i medesimi standard standard nel corso degli ultimi decenni; confrontarsi con un simile colosso significa accettare una sfida produttiva enorme, dove ogni minimo dettaglio deve rispettare una bibbia narrativa scritta con il sudore dei milioni di lavoratori della Cintura.

The Expanse Osiris Reborn: c’è una tempesta in arrivo

È proprio in questo delicatissimo equilibrio che va ad inserirsi il lavoro già oggetto di una mia prima analisi di qualche tempo fa; nella precedente anteprima avevo cercato di decifrare queste enormi ambizioni, che promettevano un adattamento interattivo capace di non scendere a compromessi, pertanto la closed beta rappresenta l’effettivo banco di prova per toccare con mano la solidità della struttura ludica.

La transizione dalle pagine scritte e dalle sequenze filmate al codice di gioco richiede una sensibilità autoriale non comune, in particolare quando si decide di posizionare la cronologia degli eventi in un punto nevralgico e cruciale per l’intera saga interplanetaria. L’esperienza accumulata durante la presente prova ravvicinata mi ha confermato che le intenzioni degli sviluppatori sono ottime: non vogliono creare un semplice prodotto su licenza, ma espandere l’universo narrativo inquadrandolo da una prospettiva inedita.

La collocazione temporale scelta per l’avventura è tutt’altro che casuale, poiché si inserisce parallelamente agli eventi delle prime tre stagioni della serie televisiva; è un periodo è caratterizzato da un caos politico totale e dal disperato tentativo di comprendere la Protomolecola, in mezzo al quale mi sono trovato a muovere i primi passi nei panni di un mercenario d’alto bordo: un capitano della Pinkwater Security coinvolto in eventi troppo grandi per lui.

Le vicende prendono il via subito dopo il catastrofico e agghiacciante incidente della stazione Eros, a seguito del quale il protagonista e il suo gemello J si ritrovano in una condizione di fuggiaschi braccati da forze corporative spietate, un posizionamento che consente di percepire costantemente l’eco delle imprese della Rocinante: i proclami di James Holden risuonano nei corridoi metallici tramite i notiziari, mentre l’equipaggio al nostro servizio tenta semplicemente di sopravvivere ai margini di uno scompiglio destinato a cambiare il futuro dell’umanità.

Non ci sono leggi quaggiù, solo regole di sopravvivenza

La closed beta ci scaraventa nel pieno dell’azione, permettendoci di esplorare una porzione introduttiva della trama; la mia strampalata squadra deve fare i conti con l’irruzione delle forze della Protogen all’interno di un avamposto della Pinkwater. La tensione è palpabile fin dai primi scambi di dialoghi con i personaggi non giocanti, come il direttore O’Connell e la misteriosa Luciana, che contribuiscono a cementare quel senso di minaccia incombente tipico di ogni avamposto.

La scrittura si dimostra assolutamente in grado di delineare un mondo dove la sopravvivenza economica e biologica viaggiano sullo stesso, identico, disperato binario. Se volete degli eroi senza macchia non è qui che dovete cercarli, perché troverete soltanto sopravvissuti che cercano di negoziare un briciolo di libertà o di vendere i propri servizi al miglior offerente, mentre l’ombra di un’arma biologica aliena minaccia di cancellare ogni traccia di civiltà dai server della base mineraria.

La missione mi ha impegnato per un lasso di tempo compreso tra i quarantacinque minuti e l’ora e mezza, durata che varia a seconda del livello di difficoltà e dell’approccio scelto, all’interno del quale emerge con forza la volontà di mettere in scena i conflitti morali tipici dell’opera. Il fulcro della narrazione si palesa quando ci ritroviamo messi alle strette dalle forze speciali nemiche, un frangente che ci costringe a valutare alternative repentine che modificano lo svolgimento immediato della fuga.

Personalmente, sono stato in bilico tra impiegare le mie doti diplomatiche per spingere la guarnigione alla rivolta aperta contro gli invasori oppure ordinare al comandante locale di assecondare le richieste della Protogen, una flessibilità che dimostra quanto l’essenza profonda della produzione voglia rimanere ancorata a una gestione complessa delle scelte, e che una volta sciolto mi ha permesso di scivolare nell’ombra verso i condotti di aerazione per raggiungere la nave.

The Expanse Osiris Reborn: le scelte che facciamo definiscono chi siamo

Per comprendere appieno la portata del progetto è fondamentale ribadire il pedigree dello studio di sviluppo; parliamo di Owlcat Games, un team che ha legato il proprio nome ai giochi di ruolo isometrici di stampo più classico, con comparti espositivi monumentali a corredo di sistemi complessi e gratificanti come Pathfinder: Kingmaker, Pathfinder: Wrath of the Righteous e Warhammer 40,000: Rogue Trader, del quale da poco è uscita la terza espansione.

Il loro logo è oramai sinonimo di impianti algoritmici incredibilmente eterogenei, schede personaggio colme di statistiche e una gerarchizzazione ruolistica che richiede ore di studio per essere compresa appieno. Vedere le loro competenze nel dettaglio numerico abbandonare la visuale dall’alto in realtà mi ha lasciato alquanto perplesso, poiché temevo che la complessità tipica dello studio potesse diluirsi in favore di dinamiche più commerciali e accessibili.

La mia prova pratica ha dissipato in parte questi timori, dimostrando che sotto la veste grafica moderna batte il cuore di un vero GDR; la transizione tecnologica è evidente e viene supportata dall’utilizzo dell’Unreal Engine 5, una scelta che ha permesso ai designer di abbandonare i vecchi stilemi della proiezione parallela, così da poter abbracciare una gestione degli spazi e della verticalità assolutamente inedita per le loro produzioni.

La terza persona ha imposto allo studio anche di modificare radicalmente le regole non scritte delle interazioni fra personaggi, con l’ausilio di animazioni facciali e di un doppiaggio integrale che cercano di conferire un taglio molto più maestoso alla presentazione. Per quanto si possa ancora avvertire una certa rigidità strutturale nei movimenti sia dei personaggi che della telecamera, gli sforzi profusi per mantenere intatta la profondità del racconto sono l’elemento principale di continuità con il passato del team.

L’ispirazione e il modello di riferimento risultano fin troppo evidenti, dato che a uno sguardo distratto questa incarnazione digitale di The Expanse potrebbe essere scambiata per un nuovo spin-off della gloriosa trilogia di Mass Effect firmata da BioWare; l’impostazione di base prevede un capitano dall’aspetto personalizzabile che si muove all’interno di avamposti spaziali e conversa con ramificazioni dialogiche dagli impatti variabili sui comprimari, mentre gli scontri a fuoco tattici si basano sull’utilizzo metodico dei ripari ambientali, omaggio diretto a quel periodo ricco di sparatutto ruolistici.

Tuttavia, Osiris Reborn cerca di prendere le distanze dai canoni dello sci-fi digitale introducendo una forte componente di realismo tecnologico che esclude qualsiasi potere mistico o forza biotica in favore di gadget puramente militari. Non mi sono sfuggite inoltre alcune suggestioni che richiamano la pianificazione tattica di titoli come The Division, insieme all’esplorazione ambientale di Dead Space, specialmente quando mi sono ritrovato a camminare nel vuoto assoluto circondato dal rumore attutito dei miei passi magnetici.

Il silenzio dello spazio è il più letale dei nemici

La possibilità di modificare le caratteristiche del protagonista promette di essere uno dei punti di forza della versione definitiva, dato che con la build attuale ho potuto gustare solo un assaggio limitato a causa dell’assenza dell’editor completo. Nel gioco finale potremo definire ogni singolo aspetto del nostro alter ego, a partire dalle sue origini cosmiche tra Terrestre, Marziano o Cinturiano. Com’è facile immaginare, tale decisione modificherà le statistiche di partenza e cambierà persino l’aspetto del nostro gemello J.

L’adozione di un sistema di avanzamento privo di classi rigide permette un grado di libertà che ricorda da vicino gli approcci visti in titoli come Elden Ring. La scelta dell’archetipo iniziale permette di optare per figure come l’Ufficiale o l’Hacker, che servono unicamente a delineare il pacchetto di dotazioni iniziale, poiché la progressione lascia totale autonomia nella distribuzione dei punti abilità.

Lo sviluppo del nostro alter ego avviene mediante una netta separazione tra i talenti dedicati al combattimento e le abilità sociali; le alberature dedicate agli scontri a fuoco si dividono in categorie come Tiratore, Esperto di Gadget, Survivalista e Leader. Ciascun ramo è ricco di nodi passivi e attivi: il sistema permette di specializzarsi nell’uso di armi specifiche o nel supporto della squadra.

I nodi posizionati al terzo livello di queste ramificazioni fungono da veri e propri poteri speciali, capaci di ribaltare l’esito di una battaglia se combinati con le facoltà dei compagni. Ad esempio, il talento Uccisioni Consecutive riduce drasticamente i tempi di recupero di tutte le abilità attive per ogni nemico eliminato, un fattore che permette ai giocatori più aggressivi di concatenare attacchi tecnologici senza sosta. In questo modo, ho potuto mantenere un controllo costante sul campo di battaglia.

Altrettanto fondamentale è il comparto delle abilità di esplorazione, che comprende parametri vitali come Persuasione, Ingegneria, Percezione, Atletica e Sabotaggio Cibernetico; sono valori utili per sbloccare percorsi alternativi, perché le capacità esplorative si riflettono in modo diretto sulle nostre potenzialità offensive.

L’investimento di punti nella prestanza fisica, per dire, non si limita a consentirci di spostare casse pesanti per scovare aree segrete, ma garantisce un incremento permanente del cinquanta per cento ai danni inflitti nei combattimenti corpo a corpo. Questo genere di incastri utili in termini pratici dimostrano la volontà degli sviluppatori di creare un sistema di progressione organico: ogni singola preferenza espressa all’interno della mia scheda acquista un peso specifico tangibile.

The Expanse Osiris Reborn: nella Cintura, se cadi sei morto

Il sistema di combattimento abbandona la rigidità dei turni o la visuale isometrica per abbracciare un’impostazione da sparatutto in terza persona in tempo reale supportata da una forte componente tattica; la gestione degli scontri richiede un uso intelligente e costante dei ripari ambientali, mentre le manovre di avvicinamento e aggancio automatico ricordano da vicino i grandi esponenti del genere, tra i quali spicca nuovamente la saga di Mass Effect.

Possiamo passare da una copertura all’altra semplicemente direzionando lo sguardo e tenendo premuto il pulsante di scatto, cosicché il personaggio possa eseguire l’azione di riposizionamento in modo autonomo. Tuttavia, a differenza di molti esponenti del genere, The Expanse introduce una notevole verticalità; il sistema offre la possibilità di puntare e colpire i bersagli a prescindere dalla loro posizione elevata, impedendo ai nemici di essere completamente al sicuro dietro i ripari.

Per mitigare la frenesia degli scontri a fuoco, gli sviluppatori hanno introdotto una funzione di rallentamento temporale molto particolare, una sorta di riduzione generale dei movimenti che però non arresta del tutto quanto accade sullo schermo. Attivando questa modalità tramite la croce direzionale, il tempo subisce una decelerazione significativa, grazie alla quale siamo in grado di analizzare la situazione e pianificare le mosse successive.

Mentre il mondo circostante si muove al rallentatore, è possibile selezionare i bersagli e ordinare ai compagni di squadra di attivare abilità specifiche o di concentrare il fuoco su un nemico particolare. Di fatto, è una scelta di design che mantiene costante la pressione psicologica; un’esitazione prolungata all’interno della pausa tattica può comunque tradursi nel subire pesanti danni, poiché i proiettili continuano la loro letale traiettoria fluttuante fino a raggiungere i bersagli designati.

La closed beta mette in evidenza un’interessante interazione con lo scenario circostante, che Owlcat Games ha definito una dinamica orientata alle esplosioni e alla distruzione ambientale; molti dei ripari presenti nelle arene non sono permanenti e le coperture possono essere fatte a pezzi dal fuoco concentrato delle armi, costringendo tutti a spostarsi di continuo per non rimanere in balia del fuoco incrociato.

Possiamo sfruttare molti altri elementi dei fondali a nostro vantaggio, ordinando ad esempio a un alleato di utilizzare le sue competenze ingegneristiche su una conduttura di gas esposta per provocare una fiammata improvvisa, capace di stanare un intero gruppo di cecchini nemici. Tale livello di interattività ha il potenziale per convertire ogni scontro in una sorta di enigma dinamico, dove la conoscenza della mappa diventa fondamentale per volgerlo a favore della squadra, specialmente alle difficoltà più elevate.

In questo universo, ogni decisione si paga col sangue

Il vero fiore all’occhiello dell’intera esperienza risiede, a mio avviso, nelle sezioni ambientate in assenza di gravità: quando ci ritroviamo nel vuoto cosmico, il gioco modifica radicalmente le regole di movimento che sussistevano fino a pochi istanti prima, costringendoci a fare i conti con l’assenza di un piano calpestabile fisso che rende obbligatorio l’uso degli stivali magnetici per non fluttuare via nell’oscurità.

Le escursioni calamitate costeggiando le paratie esterne infondono un senso di disorientamento spaziale incredibilmente fascinoso, soprattutto quando ci ritroviamo a spostarci lungo le tre dimensioni, magari a testa in giù, rispetto alla prospettiva di partenza. Sono fasi in cui la fisica degli oggetti cambia quasi del tutto, le granate necessitano di piccoli sistemi di propulsione autonomi per raggiungere il bersaglio, e ogni nemico eliminato fluttua realisticamente nell’oscurità infinita creando macabre coreografie.

La cura elargita nei riguardi della differenziazione dentro e fuori dalle strutture si riflette nel sound design claustrofobico; nel vuoto dello spazio, infatti, il rumore dei colpi e delle esplosioni viene pesantemente ovattato, mentre a dominare la scena sono unicamente i rumori prodotti dal protagonista: ho potuto percepire con estrema chiarezza il mio respiro affannato e il sordo rimbombo metallico dei passi, le cui vibrazioni si propagano attraverso la tuta.

In questo modo, la componente sonora amplifica a dismisura la sensazione di isolamento e di costante pericolo che caratterizza la vita dei lavoratori della Cintura. Le tracce portano la firma di un ispiratissimo Paweł Perepelica e accompagnano le rispettive sequenze con sonorità cupe ed elettroniche, integrate alla perfezione con gli effetti ambientali; la musica regala un’atmosfera incredibilmente angosciosa, fedele altresì allo spirito della serie.

L’equipaggiamento include una vasta gamma di bocche da fuoco, divise tra primarie e secondarie, che ho ampiamente riadattato e potenziato presso i banchi di lavoro sparsi per le mappe; il sistema di modifica è strutturato attraverso cinque diversi gradi di evoluzione, con ciascuno di essi legato al consumo di materiali di recupero che ho scovato mediante la semplice esplorazione.

Raggiungere il quinto grado di potenziamento significa sbloccare bonus passivi di enorme portata che possono alterare le tecniche di ingaggio, soprattutto nei passaggi più impegnativi. L’ultimo upgrade che ho installato per il fucile a pompa garantisce una riduzione del quarantacinque per cento di tutti i danni in ingresso quando l’arma è imbracciata; la modifica trasforma il personaggio in un vero e proprio ariete da sfondamento, capace di reggere l’impatto con le truppe corazzate.

The Expanse Osiris Reborn: la rotta è tracciata, ma la strada è ancora lunga

Nonostante l’indubbio ascendente che ha esercitato su di me, l’analisi di questa closed beta mi impone di evidenziarne anche le numerose screziature; la pecca principale riguarda la complessiva legnosità del sistema di movimento, a cui si sposa l’imprecisione dell’aggancio alle coperture, entrambe peculiarità che, in uno sparatutto tattico, dovrebbero rappresentare il pilastro fondamentale della porzione giocabile.

Il nostro alter ego tende spesso a incastrarsi nelle sporgenze anche microscopiche degli elementi scenici o a rifiutarsi di abbandonare un riparo durante i momenti più concitati della battaglia, esponendosi inevitabilmente al fuoco nemico. Anche l’impossibilità di accovacciarsi liberamente al di fuori dei punti di copertura prefissati rappresenta una limitazione frustrante, un impedimento che di fatto riduce la nostra discrezionalità quando tentiamo un approccio furtivo, impedendoci di studiare le linee di tiro ideali.

Altro fattore che mi ha sollevato forti perplessità riguarda l’attuale stato dell’intelligenza artificiale, tanto quella che governa i nemici quanto quella dei miei alleati sul campo; nel corso delle sparatorie, mi è capitato di assistere a comportamenti del tutto innaturali da parte dei primi, con soldati ostili che d’un tratto correvano dritti verso la nostra posizione senza coprirsi né prestare la benché minima considerazione nei confronti dei miei compagni di squadra, posizionati a pochi centimetri da loro.

Analogamente, i compagni gestiti dal computer mostrano una fastidiosa tendenza a muoversi all’aperto senza alcuna protezione, o a bloccarsi in mezzo ai corridoi durante le fasi di ritirata strategica. È una lacunosa carenza di reattività che spezza l’illusione di trovarsi al comando di una squadra di professionisti; i difetti delle routine comportamentali inaspriscono i combattimenti in senso negativo, degradandoli a scommesse frustranti dove l’avversario più ostico sono le incongruenze del codice.

La gestione dei menu e dell’interfaccia utente mostra inoltre il fianco ad altre critiche evidenti durante le ore passate in compagnia della beta; la veste grafica generale è pulita e in linea con lo stile fantascientifico dell’opera, tuttavia ho avvertito la pesante mancanza di una schermata riepilogativa globale, che rende la gestione delle risorse inutilmente macchinosa.

Per verificare quali armi o modifiche siano state raccolte esplorando i cadaveri dei nemici, siamo obbligati a navigare manualmente all’interno di ogni singola sottocategoria di equipaggiamento, un frazionamento superfluo e inefficace delle informazioni che ostacola il confronto tra i nuovi ritrovamenti e quelli già in dotazione; l’impostazione aumenta a dismisura la frequenza dei passaggi interni, che finiscono per spezzare il ritmo dell’esplorazione.

Stiamo solo costruendo la macchina, non sappiamo ancora cosa farà

Un discorso a parte va fatto sul comparto tecnico nudo e crudo e sulle performance generali della build, che ha purtroppo evidenziato una palese instabilità e il bisogno di un massiccio lavoro di ottimizzazione; malgrado le prove effettuate su una configurazione hardware di fascia alta e su una PS5 Pro, i cali di fluidità si sono manifestati con ragguardevole assiduità, in particolar modo nel passaggio tra ambienti interni ed esterni.

I ritardi nel caricamento delle texture superficiali e i continui glitch visivi legati alle animazioni facciali durante i dialoghi tendono a minare la spettacolarità visiva che l’utilizzo dell’Unreal Engine 5 dovrebbe garantire. Per carità, trattandosi di una build preliminare compilata a grande distanza dalla release commerciale, sono difetti che tutto sommato rientrano nella norma, e mi auguro che le problematiche tecniche possano comunque venire sanate e migliorate a dovere nei mesi a venire.

Piuttosto, mi sento di muovere una critica particolarmente sentita nei confronti della recitazione vocale dei gemelli protagonisti, un elemento vitale per un gioco che fa della narrazione il proprio asse portante. Nella closed beta, l’abilità oratoria di quasi tutti i personaggi è fin troppo piatta, sentimento peraltro condiviso da buona parte della community globale. Le voci peraltro sono prive delle caratteristiche sfumature dialettali dei Cinturiani.

La reazione degli sviluppatori non si è fatta attendere, denotando un’attenzione encomiabile verso il volere degli appassionati. Il team ha infatti annunciato la decisione di procedere a una sostituzione totale degli attori: l’obiettivo è effettuare un ridoppiaggio completo dei due personaggi principali in vista della versione finale, un segnale che dimostra quanto la fase di test serva attivamente a correggere la rotta.

La famiglia di Dragon Quest Monsters si prepara ad accogliere il nuovo capitolo della sua longeva serie dedicata all’allevamento e al reclutamento dei mostri. Square Enix ha annunciato Dragon Quest Monsters Il Regno Sfiorito, in arrivo il 3 dicembre 2026 simultaneamente su Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC tramite Steam e Microsoft Store. Si tratta del nuovo (e ultimo) episodio della celebre saga spin-off che, sin dagli anni Novanta, ha saputo conquistare milioni di giocatori grazie a una formula capace di fondere esplorazione, combattimenti a turni e collezionismo.

Questa volta gli sviluppatori hanno deciso di puntare fortemente sulla nostalgia dei fan storici, riportando in scena due personaggi amatissimi provenienti da Dragon Quest V: La sposa del destino. Le protagoniste dell’avventura saranno infatti Bianca e Nera, storiche figure dell’iconico capitolo pubblicato originariamente nel 1992 e ancora oggi considerato uno dei migliori episodi della serie principale.

Una nuova avventura per Bianca e Nera, in un mondo che pullula di segreti

In Dragon Quest Monsters Il regno sfiorito le due ragazze non saranno semplici comprimarie o personaggi secondari, ma vere protagoniste dell’intera esperienza. Entrambe si ritrovano ad affrontare una situazione drammatica: i rispettivi padri sono gravemente malati e l’unica speranza sembra essere rappresentata dalle leggendarie Foglie della Vita, reliquie capaci di guarire qualsiasi male.

Il destino le farà incontrare durante la ricerca di una cura, spingendole a collaborare nonostante le profonde differenze caratteriali. Bianca viene descritta come una ragazza energica, impulsiva e sempre pronta ad aiutare gli altri, mentre Nera rappresenta l’eleganza, la calma e la gentilezza. Due personalità opposte che promettono di dare vita a una dinamica narrativa particolarmente interessante.

Il viaggio delle protagoniste prende una svolta decisiva quando incontrano una misteriosa creatura chiamata Ovattino, che le convince a raggiungere il regno di Vizzalbero, luogo in cui secondo la leggenda crescono le preziose Foglie della Vita. Una volta arrivate, però, le due scoprono una verità terribile: il regno è stato infatti devastato da una forza oscura che ha quasi completamente annientato la fonte del loro potere.

Da qui prende il via una missione destinata a condurre Bianca e Nera attraverso ogni angolo di questo mondo fantastico, con l’obiettivo di riportare in vita le Foglie della Vita e salvare non solo i loro padri, ma forse l’intero regno. Uno degli aspetti più promettenti emersi dal materiale mostrato riguarda senza dubbio la varietà degli ambienti. Il mondo di gioco sembra infatti voler offrire una notevole diversificazione paesaggistica, passando da spiagge tropicali illuminate dal sole a enormi campi coltivati popolati da ortaggi giganteschi, fino a fondali oceanici e misteriosi relitti sommersi.

L’esplorazione sarà resa ancora più interessante dalla presenza del ciclo giorno-notte, una caratteristica che influenzerà direttamente la fauna locale. Alcuni mostri compariranno infatti soltanto in determinate fasce orarie, mentre altri modificheranno il proprio comportamento in base all’ora del giorno. Square Enix promette inoltre numerosi dungeon, elementi interattivi e segreti nascosti che inviteranno i giocatori a scandagliare ogni angolo della mappa. Si tratta di una filosofia che da sempre caratterizza la serie Dragon Quest, ma che nei capitoli Monsters assume un valore ancora maggiore grazie alla continua ricerca di nuove creature da reclutare.

Dragon Quest Monsters Il Regno Sfiorito: oltre 500 mostri da collezionare e sintetizzare

Il cuore pulsante dell’esperienza resta naturalmente il sistema dei domamostri, elemento distintivo dell’intera saga. Bianca e Nera potranno stringere amicizia con centinaia di creature differenti e costruire una squadra personalizzata da utilizzare durante le battaglie. Secondo quanto comunicato da Square Enix, saranno presenti oltre 500 mostri reclutabili. Non mancheranno le mascotte storiche della serie, come gli immancabili Slime, ma saranno introdotte anche creature completamente inedite, create appositamente per questo episodio.

Il reclutamento continuerà a rappresentare uno degli aspetti più appaganti del gameplay. Alcuni mostri potranno essere convinti ad unirsi alla squadra dopo uno scontro, mentre altri potrebbero addirittura chiedere spontaneamente di entrare nel gruppo. A fare ritorno sarà anche il celebre sistema di sintesi, meccanica che da decenni rappresenta il marchio di fabbrica della serie Monsters. Combinando due creature differenti sarà possibile generarne una nuova, spesso più potente e rara. Un sistema che storicamente ha dato vita a migliaia di combinazioni possibili e che dovrebbe tornare ancora più profondo in questo nuovo capitolo.

Le novità rispetto ai precedenti titoli, e cosa rimane di una saga con oltre 25 anni di storia

Sebbene dal materiale mostrato non siano emersi troppi dettagli su tutte le novità, alcune differenze rispetto agli episodi precedenti risultano già evidenti. La prima riguarda senza dubbio la presenza di due protagoniste selezionabili. I giocatori potranno scegliere se controllare Bianca o Nera e cambiare personaggio durante l’avventura oppure concentrarsi esclusivamente sulla propria preferita. Si tratta di una soluzione inedita per la serie, che tradizionalmente proponeva un unico protagonista.

Anche l’impostazione narrativa sembra ricevere maggiore attenzione rispetto al passato. Storicamente i capitoli di Monsters hanno sempre privilegiato la crescita della squadra e la raccolta delle creature rispetto alla trama. Il regno sfiorito, invece, sembra voler sviluppare un racconto più articolato e maggiormente incentrato sui rapporti tra i personaggi. Dal punto di vista tecnico, inoltre, l’uscita simultanea su tutte le principali piattaforme moderne rappresenta uno dei lanci più ambiziosi mai realizzati per uno spin-off di Dragon Quest, segno della crescente importanza che Square Enix attribuisce alla serie.

Per comprendere l’importanza di questo annuncio è utile ricordare il peso storico della serie Dragon Quest Monsters. Il primo capitolo, Dragon Quest Monsters Terry’s Wonderland, debuttò nel 1998 su Game Boy e fu spesso considerato la risposta di Square Enix al fenomeno Pokémon, pur distinguendosi per una filosofia molto diversa. Piuttosto che catturare semplicemente le creature, Monsters puntava infatti sulla loro crescita e soprattutto sulla sintesi, meccanica che permetteva di creare mostri sempre più potenti attraverso incroci e fusioni.

Nel corso degli anni la serie ha introdotto protagonisti provenienti da diversi capitoli principali di Dragon Quest. Terry, Cobi, Tara, Joker, Erik e Mia sono soltanto alcuni degli eroi che hanno guidato i vari episodi. La scelta di affidare ora il ruolo principale a Bianca e Nera rappresenta quindi un gradito ritorno a uno dei capitoli più amati dai fan. Un’altra curiosità riguarda il design dei mostri. Come da tradizione, molte creature continuano a basarsi sui celebri bozzetti realizzati dal compianto Akira Toriyama, autore che per quasi quarant’anni ha contribuito a definire l’identità visiva dell’intera saga Dragon Quest.

Con oltre 500 mostri da reclutare, una nuova storia che riporta sotto i riflettori due personaggi amatissimi e un mondo che promette grande varietà nell’esplorazione, Dragon Quest Monsters Il Regno Sfiorito sembra avere tutte le carte in regola per diventare un progetto ambizioso e accessibile anche ai neofiti della saga. Resta ancora da scoprire quanto profonde saranno le novità introdotte sul fronte del gameplay e quanto spazio verrà dedicato alla componente online, ma le premesse sono decisamente incoraggianti. Per i veterani della saga rappresenta un’occasione per ritrovare due volti storici di Dragon Quest V sotto una nuova luce, mentre per i nuovi giocatori potrebbe essere il punto di ingresso ideale in una delle serie spin-off più longeve e apprezzate del panorama JRPG, con nuove dinamiche e un focus incentrato anche sul fronte narrativo. L’appuntamento è fissato per il 3 dicembre 2026, data in cui guideremo Bianca, Nera e centinaia di mostri all’avventura, nel tentativo di riportare la vita in un regno minacciato dall’oscurità.

Durante la Summer Game Fest 2026, Milestone ha colto l’occasione per presentare Hot Wheels Infinite Rush, gioco arcade chiaramente legato all’omonimo brand di modellini automobilistici con cui lo studio milanese vanta già una documentata storia collaborativa. A questo giro, però, la dimensione creativa di Milestone ha imboccato una direzione diversa, facendosi guidare verso un format maggiormente incentrato sull’esplorazione free roaming di mappe aperte. La prima impressione rimanda immediatamente a serie come Forza Horizon, Need for Speed e Mario Kart World, realtà che hanno implementato questa modalità con gradi di successo molto variabili, trionfando o deludendo i fan in virtù di elementi che, pur minuti, hanno saputo impattare significativamente sulla godibilità del gameplay – punto cardine di qualsiasi gioco di corse che si rispetti.

Difficile, ora come ora, stabilire quale traguardo finirà con il tagliare Hot Wheels Infinite Rush: se verrà ricordato tra i vincitori o annoverato tra quei titoli che hanno tentato di reinventare la ruota senza che ve ne fosse la necessità. Avendo avuto modo di provare il gioco con mano, posso però offrire una prima lettura della sua destinazione, ovvero del pubblico che più potrebbe farsi avvolgere dalla giocabilità proposta da un titolo che, a suo modo, rompe con i suoi immediati predecessori, affacciandosi a una fase che in un certo senso possiamo definire sperimentale. Magari non in assoluto, ma nel contesto.

Hot Wheels Infinite Rush: un gioco da bambini grandi

Controller alla mano, Hot Wheels Infinite Rush si dimostra estremamente accessibile e accogliente, a partire dal lato estetico. L’ambientazione prende le distanze dal topos del brand: non si affida al classico escamotage per cui le piste per le macchinine si snodano in ambientazioni verosimili con proporzioni enfatizzate, bensí simula vere e proprie città giocattolo – “parchi a tema” in cui tutto è plasticoso e leggero, animato da un traffico di modellini automobilistici che sfilano placidamente lungo sentieri vivacemente colorati. Piuttosto che concentrarsi su come le piste delle Hot Wheels si inseriscano nel mondo, Milestone ha dunque deciso di puntare su quell’universo immaginifico in cui i playset tematici suggeriscono mondi isolati dalla realtà e pienamente autosufficienti.

Al lancio sono previsti quattro biomi differenti: Wheelswood, ispirato a Hollywood e alle metropoli statunitensi in generale; Tentacle Bay, con un look decisamente più costiero; Drifty, ambientato tra rocce e deserti; Temples, una città che richiama l’oriente, strizzando l’occhio in particolare a Tokyo. A queste si aggiungerà una quinta area interamente dedicata al marchio Ferrari. E no, non si potrà usare la versione giocattolo della nuova Ferrari elettrica, l’ho chiesto. Questa criminale mancanza deriva dal fatto che gli sviluppatori possono riprodurre solo i giocattoli effettivamente commercializzati da Mattel: finché l’azienda non si degnerà di regalare al mondo la sua versione della Ferrari elettrica, questa non potrà essere gloriosamente tradotta nella sfera videoludica.

Per quanto riguarda il mio hands-on, ho avuto accesso esclusivamente a Wheelswood, scenario che é comunque al centro della campagna promozionale del gioco e rappresenta un po’ il volto dell’intero progetto. Mi sono trovato davanti a una mappa che ibrida un’urbanistica inventata di sana pianta con punti di interesse che replicano, o richiamano in modo evidente, i playset realmente in commercio. Trattandosi del bioma più sobrio, la metropoli baloccosa finisce con l’ospitare alcuni dei giocattoli più “sobri” del brand, quali il parcheggio e la caserma dei pompieri, tuttavia non manca di proporre anche elementi più eccentrici, tra cui un gigantesco gorilla in stile King Kong, impegnato a scalare grattacieli e scagliare detriti.

Mille cose da fare, tutte di corsa

La componente freeroaming offre la possibilità di completare tutta una serie di sfide e missioni direttamente all’interno della mappa: elementi che vanno dal fronteggiare un corridore controllato dal computer al consegnare un’automobile in tempi record causandole il minor danno possibile alla carrozzeria, passando ovviamente anche per quest più caotiche, che incentivano invece la distruzione di massa. Si tratta di operazioni minori, utili a raccogliere collezionabili e a sbloccare nuove vetture, ma che di fatto sono poco più che intermezzi rispetto a ciò che il titolo identifica come “eventi“, ovvero le gare vere e proprie.

In questo caso, una schermata di caricamento trasporta il giocatore su una pista arancione nello stile dei classici Hot Wheels, la quale viene generata attorno e attraverso il bioma che si sta visitando al momento. Quei pochi tracciati da me provati si sono dimostrati in grado di integrare efficacemente ambienti urbani con sezioni inserite appositamente per l’occasione, capaci di stravolgere da cima a fondo le dinamiche di guida viste nel contesto automobilistico piú sobrio della normale navigazione. Con tracciati di plastica sospesi nel cielo e curve paraboliche che massimizzano le possibilità di drift, gli eventi spaziano tra gare di varia natura, ma sono tutte caratterizzate da un sapore prettamente arcade.

La cosa più interessante è però forse la gestione delle vetture stesse. Hot Wheels Infinite Rush presenta una classificazione che ricorda un po’ le categorie di peso del pugilato: gli eventi sono accessibili esclusivamente a categorie specifiche. Le tipologie di veicoli si dividono in Versatili, i bilanciati; Speeder, gli specialisti dell’accelerazione; Drifter, maestri delle curve; Titan, inarrestabili mezzi pesanti. Milestone mi ha confermato che non è prevista la possibilità per le diverse categorie di affrontarsi in maniera ibrida: le gare sono pensate apposta per valorizzare ogni singola sezione, pertanto il giocatore dovrà crearsi una “Rush Squad” selezionando quattro veicoli appartenenti alle diverse categorie, così da essere sempre pronto a ogni sfida. Il sistema prevede inoltre elementi di personalizzazione dei bolidi, sia nelle prestazione che nelle estetiche, un’opzione che non sono riuscito a collaudare personalmente, ma che mi aspetto sia integrata in maniera superficiale, se non altro per non intaccare la riconoscibilità del brand.

L’odore della gomma bruciata la mattina presto

Nella manciata di tempo concessami per testare il gioco, i contenuti di Wheelswood erano già tutti integralmente disponibili: tutte le missioni erano accessibili, tutte le aree giocabili, ogni macchina sbloccata. Non ho dunque avuto modo di collaudare in prima persona le modalità di progressione del gioco; tuttavia il team mi ha anticipato la presenza di una modalità che potremmo generosamente etichettare come “storia”. O, per meglio dire, mi è stato riferito che ogni bioma contiene al suo interno tre miniboss e un boss da sconfiggere, ognuno specializzato in una delle quattro categorie di guida menzionate in precedenza.

Se siete tra coloro che non sono fan del binomio auto e free roaming, Hot Wheels Infinite Rush potrebbe però stuzzicare il vostro appetito con il “track builder”, il creatore di piste personalizzabili che promette a ogni giocatore di sviluppare tracciati forsennati pienamente in linea con le proprie aspettative. In tal senso si sa ancora molto poco, tuttavia le esperienze passate con editor di mappe e giochi di guida arcade lasciano ben sperare, soprattutto se l’obiettivo finale è quello di godersi il gioco con gli amici e di buttare via la propria vita dietro a piste tanto esilaranti quanto orribili nel design. E parlo dall’alto di uno che ha dedicato fin troppo tempo a creare aree di combattimento personalizzate in Far Cry 3 e tornei velocisti su LittleBigPlanet Karting.

Ultimo, ma non ultimo, non posso che investire una parola positiva sulla cura maniacale che Milestone ha riposto nella riproduzione delle varie macchinine. Considerando la loro lunga esperienza con il brand, la cosa non dovrebbe stupire troppo, eppure rimango a bocca aperta nel vedere come i modelli digitali riescano a replicare l’estetica dei vari materiali. Quelle selezionabili in game non sono riproduzioni in scala di vere automobili, ma repliche di giocattoli, con forme leggermente smussate e materiali troppo leggeri per essere confusi con le loro controparti di riferimento. Lo studio materico è davvero impressionante e si estende a ogni elemento scenico: ogni volta che si urta contro una palma o contro una ringhiera, il gioco restituisce un feedback visivo e sonoro che trasmette alla perfezione l’idea di essersi scontrati con un pezzo di plastica cava, un oggetto di scena estrapolato da un playset per bambini.

Milestone riprende per l’ennesima volta in mano il brand Hot Wheels e l’esperienza maturata negli anni si percepisce tutta. Hot Wheels Infinite Rush mira però a stravolgere la formula consolidata offrendo dinamiche basate su free roaming e biomi, una strategia che a tempo debito potrebbe rivelarsi un’intuizione brillante per svecchiare il genere, o al contrario un’aggiunta ridondante che distrae dai punti di forza del titolo: la riproduzione delle macchinine giocattolo e le gare in puro stile arcade. Il tempo trascorso a testare il gioco mi suggerisce che il talento tecnico non manca; resta ora da vedere se le componenti più legate alle scelte autoriali e alla direzione artistica sapranno confermarsi allo stesso livello. 

Rhythm Paradise è una di quelle serie che “sai che arriverà, ma non sai QUANDO”. Il filone di giochi rhythm game targato Nintendo è da sempre stato, per alcuni, una tappa improrogabile per qualunque (o quasi) console della Grande N fin dalla sua prima release per Game Boy Advance nel 2006 e via dicendo, sperimentando con le funzionalità della Touch Generation di DS, 3DS e Wii, con quest’ultimo che divenne a modo suo un cult intramontabile, tuttora rigiocato nei modi più disparati: in speedrun, ottenendo qualsiasi medaglia e persino da bendati. Una nicchia di fanatici del ritmo nata soprattutto grazie alla collaborazione con il cantante e compositore Tsunku, che riuscì a esportare generi musicali atipici e di puro stampo nipponico con successo, unendoli a personaggi, scenette e soluzioni di game design a modo loro iconiche. Per questo, con il ritorno dell’artista al timone della produzione di Rhythm Paradise Groove 10 anni dopo l’ultimo capitolo e tutto il passato travagliato dell’artista (costretto a fare a meno delle corde vocali a causa di un tumore alla laringe), il mio entusiasmo era alle stelle, raggiungendo poi i limiti dell’universo conosciuto una volta varcate le porte del Videogames Party di Milano, location di una sessione di prova che mi ha permesso di mettere mano ad alcuni degli innumerevoli minigiochi annunciati durante lo scorso Nintendo Direct e darvi le prime impressioni sul ritorno del rhythm game più pazzo di tutti. Ma ora torniamo con i piedi per terra e iniziamo a contare i vari “1-2-3-4” per tenere il ritmo. Fidatevi, ne avremo bisogno.

Rhythm Paradise Groove: il rhythm game in stile “Nintendo”

Per chi non conoscesse la serie Rhythm Paradise nelle sue dinamiche (male!) eccovi un piccolo rimpasto che può essere applicato a ogni titolo della serie: stiamo parlando di un mix di rhythm game e minigiochi alla WarioWare, in cui i giocatori non seguono una specifica narrativa, ma piuttosto prendono parte a coreografie episodiche che ritraggono situazioni e scenari uno più pazzo dell’altro e basati sull’uso di uno o massimo due input: A, B e, a volte, un’unione di questi. Per esempio, uno dei minigiochi più iconici della serie, Packing Pests, prevedeva che il giocatore utilizzasse i due tasti del Wii Remote per prendere al volo i ninnoli da impacchettare o scacciare via le cimici. Tutto questo, seguendo il ritmo dettato non solo dalla musica ma anche da eventuali personaggi secondari che andranno a variare il flow del gioco o – come preferisco definirlo io, da persona con un senso del ritmo poco affinato – “rotture di scatole”, le principali artefici di centinaia, se non migliaia, di “Miss” o “Almost” che si reiteravano all’interno di una singola run e che avrebbero influito negativamente sulla valutazione finale. Al termine di ogni minigioco si veniva infatti valutati con un punteggio “nascosto” agli occhi del giocatore, che aumentava o diminuiva a seconda del tempismo e del flow generale del proprio ritmo e che variava dai “Bene” ai “Molto bene”, ovvero i classici “pat pat sulla spalla” che confermano la tua bravura ma senza particolari meriti, agli ovvi “Riprova” nel momento in cui si è completamente fuori ritmo, arrivando infine al tanto agognato “Ottimo” con tanto di medaglia d’oro e il “miglior finale” possibile tra le possibili varianti di quel determinato minigioco.

Stiamo quindi parlando di una formula che punta tutto sulla rigiocabilità e sul miglioramento delle proprie abilità e che – almeno da quanto è parso all’interno della sessione di prova di Rhythm Paradise Groove – sembra essere tornata in tutta la sua “meravigliosa cattiveria”. Durante la prova ho avuto modo di giocare ai primi 4 minigiochi introduttivi tra cui è incluso il primo Remix corale, un minigioco speciale in cui i vari livelli precedenti si danno il cambio tra di loro seguendo una melodia più elaborata e incalzante, un po’ come se agisse da “esame finale” prima di accedere alla colonna successiva del menu principale e progredire con nuovi minigiochi sempre più pazzi e complicati, rimanendo comunque semplici nel loro funzionamento. Passando da salti del cerchio di gruppo a pranzi movimentati assieme ai nostri amici felini e perché no tranquille giornate di pioggia, i minigiochi mostrati fino ad ora sono risultati coerenti con la curva di difficoltà proposta in altri capitoli della serie e testimoni di come possano sì essere passati 10 anni dalla sua ultima iterazione, ma quella sensazione di “pace interiore” che si prova dopo aver ottenuto una medaglia alla fine di un livello comunque tosto alla prima giocata rimane un momento di pura catarsi e soddisfazione.

Beatspell: Final Beatasy I

Fin dagli anni 90 con la Gunblade di Squall in Final Fantasy VIII ma anche in chiave odierna con titoli come YIIK: A Postmodern RPG e Clair Obscur: Expedition 33, una delle principali aggiunte presenti all’interno del genere dei giochi di ruolo a turni è stata quella di inserire minigiochi all’interno del loro combat system per fornire ulteriori bonus agli attacchi, utilizzando QTE ritmati per aggiungere quel qualcosa in più all’azione di gioco. Perché ne sto parlando all’interno di un articolo su Rhythm Paradise Groove? Perché dopo anni e anni di saccheggi al genere dei videogiochi musicali, in questo titolo assisteremo ad una “chiusura del cerchio”, attraverso la modalità Beatspell. Senza andare troppo nei dettagli su storia o personaggi, Beatspell è di fatto un vero e proprio JRPG interno a Rhythm Paradise Groove, con tanto di progressione dedicata ed un combat system basato sull’unione dei classici input A e B del Joy-Con all’interno di uno “schema del ritmo romboidale” in 8 tempi. Mi spiego meglio: durante i combattimenti all’interno di Beatspell, la musica di gioco sarà un elemento diegetico al gameplay e andrà a scandire il ritmo del rombo presente di fianco al nostro protagonista. A seconda dell’input e del tempismo dato, sarà possibile scatenare una serie di incantesimi – siano essi offensivi e difensivi – per poter fronteggiare i pericoli che ci si porranno davanti. Durante la prova ho avuto modo di provare giusto i primi livelli, ma tutto sommato Beatspell ha il potenziale per rivelarsi una piacevole pausa dai vari minigiochi tradizionali, anche se non sembrano (per ora) esserci particolari “ottimizzazioni” a livello di build del personaggio o possibilità per effettuare delle partite in puro “no damage”, che avrebbero aggiunto un ulteriore impreziosimento per quella che è a conti fatti una chicca molto interessante.

Rhythm Party Hell aka. Come rovinarsi le amicizie a ritmo di musica

Non mancheranno anche i minigame e il classico Café ospitato dal solito Barista accessibili all’interno dell’Angolo delle Medaglie, dove l’accumulo di una quantità sufficiente di riconoscimenti sbloccherà varie attività extra tutte basate sul ritmo o su un particolare strumento musicale. Inoltre, queste attività extra potranno essere giocate fino a un massimo di 4 giocatori, trasformando Rhythm Paradise Groove in un effettivo party rhythm game “a la” Mario Party, ma con la prerogativa di dover saper tenere il tempo meglio di chiunque altro per primeggiare, cogliendo il tempismo migliore in gare d’atletica salterina sui parabrezza di un’auto, sparatorie in stile Puzzle Bubble o cerette letali a cipolle antropomorfe, in una modalità che potrebbe far riaffiorare o esacerbare i traumi di una vita passata davanti ai titoli Hudson a suon di cartellate in faccia tra i nostri “non più tanto amichevoli” amici.

Anche se, rimane il dubbio sul come e quando questi minigiochi saranno disponibili, in un sistema di sbloccaggio che ricorda molto i lati più negativi di un certo Crash Bash. Insomma, si spera che se decidessi di invitare degli amici a casa il giorno stesso del lancio del gioco, sarebbe carino avere qualcosa da giocare tutti insieme fin da subito. Ma al di là di questo, una parte dell’esperienza di Rhythm Paradise si può anche declinare nel “couch co-op” da telecomando, in cui ci si passa il Joy-Con in sequenza tra un livello e l’altro.

In definitiva, Rhythm Paradise Groove si è presentato all’appuntamento del Videogames Party in una forma iniziale veramente incredibile. Tutto ciò che da neofita della serie avevo già riscontrato nei titoli precedenti come Fever su Wii sembra essere tornato, ma sotto una luce nuova e soprattutto in una forma più smagliante che mai. Un ritorno alla formula base senza particolari stravolgimenti ma che celebrano la forza principale del titolo: l’irriverenza immortale che trasuda da ogni artwork, musica o situazione di gioco. Qualche dubbio resta, soprattutto sulla gestione dei contenuti sbloccabili e del comparto multiplayer, che potrebbe influenzare la fruizione nelle prime ore di gioco. Tuttavia, il cuore dell’esperienza sembra rimanere saldo e inamovibile. Se queste premesse verranno confermate, Rhythm Paradise Groove potrebbe rappresentare non solo un ritorno riuscito, ma l’ennesima dimostrazione di come questa serie abbia ancora un ritmo tutto suo all’interno del genere.

Se volgo lo sguardo all’indietro, verso la straordinaria e tormentata storia delle proprietà intellettuali che hanno definito il cammino dell’azienda di Kyoto, mi rendo conto di come il destino della saga di Fire Emblem sia uno dei più affascinanti e atipici in assoluto: nata dall’intuizione e dal genio di Shouzou Kaga sotto l’egida di Intelligent Systems sul finire degli anni ottanta, il debutto effettivo è avvenuto sull’indimenticabile Famicom con Shadow Dragon and the Blade of Light, un titolo che ha gettato le fondamenta dell’intero genere dei giochi di ruolo tattici di stampo nipponico. Per un lunghissimo periodo, tuttavia, questa complessa struttura ludica ha faticato a trovare una sua dimensione stabile al di fuori dei confini giapponesi, rimanendo per molte generazioni un piccolo gioiello per pochi eletti amanti della pianificazione bellica più spietata. Capitoli leggendari come Genealogy of the Holy War e Thracia 776 su Super Famicom sono rimasti a lungo un miraggio per noi occidentali, che potevamo soltanto sognare di mettere le mani su quelle tragiche storie di guerra, tradimenti politici e legami di sangue indissolubili. La svolta per i mercati internazionali è arrivata solo grazie all’inclusione di personaggi iconici come Marth e Roy in Super Smash Bros. Melee, spingendo finalmente l’azienda a pubblicare in occidente Fire Emblem: The Blazing Blade su Game Boy Advance, un esordio che ha dimostrato la bontà del corso intrapreso.

Nonostante le ottime premesse e la pubblicazione di pietre miliari del calibro di Path of Radiance su GameCube e del suo diretto seguito Fire Emblem: Radiant Dawn sulla fortunatissima Wii, il brand ha vissuto un momento di profonda crisi commerciale. La vera e propria rinascita planetaria è arrivata quando la via dell’oblio sembrava ormai segnata e la chiusura del franchise era un’opzione concreta sul tavolo dei dirigenti nipponici: il miracolo si è compiuto in seguito alla pubblicazione di Fire Emblem Awakening su Nintendo 3DS, un esperimento magistrale che ha saputo trovare il perfetto equilibrio tra la tradizione più rigida e una forte accessibilità, introducendo la modalità senza morte permanente e un focus marcato sulle relazioni interpersonali. Da quel momento in avanti, il brand è diventato una pietra angolare insostituibile per la casa di Mario, capace finalmente di muovere milioni di copie in tutto il mondo con capitoli strutturati come Fire Emblem Fates e l’ambizioso esperimento di Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia. L’evoluzione della serie ha vissuto il suo picco narrativo e commerciale sulla precedente console ibrida grazie a Fire Emblem: Three Houses, un titolo monumentale che ha saputo conquistare critica e giocatori attraverso una complessa narrazione divisa in tre percorsi differenti e una forte componente gestionale scolastica ispirata ai migliori simulatori di vita, per quanto fosse leggermente manchevole in termini di gameplay.

L’ultimo capitolo arrivato sul mercato, tuttavia, mi aveva lasciato addosso una forte sensazione di amaro in bocca che non sono mai riuscito a scrollarmi di dosso del tutto, nonostante le indubbie qualità della produzione. Se da un lato il sistema di combattimento di Fire Emblem Engage era incredibilmente elaborato, rifinito e appagante, dall’altro l’intera impalcatura narrativa, la caratterizzazione psicologica dei comprimari e il design generale dei protagonisti ricalcavano fin troppo un coacervo di tropi da fumetto adolescenziale, privi di una reale consistenza drammatica. Avevo quasi il timore che il team di sviluppo volesse rinunciare definitivamente a quella maturità politica, a quel respiro epico e a quelle tinte oscure che avevano decretato il successo planetario delle avventure vissute nel continente di Fódlan, nel tentativo di catturare l’attenzione di una fascia di pubblico completamente diversa. Con mio sommo sollievo, l’ultimo Nintendo Direct ha spazzato via buona parte delle mie perplessità residue in pochi minuti, mostrandoci i primi, corposi dettagli del qui presente Fire Emblem Fortune’s Weave. L’annuncio della data di uscita della nuova iterazione ha riacceso immediatamente l’entusiasmo della vecchia guardia, svelando un ritorno a tonalità decisamente più mature e un legame esplicito con l’immaginario più amato dell’ultimo decennio.

La presentazione ha evidenziato fin da subito un grande riguardo nella ricostruzione di quell’atmosfera solenne che avevamo tanto apprezzato in passato, mettendo in chiaro come l’estetica eccessivamente pop dell’episodio precedente sia stata accantonata in favore di un approccio visivo più sobrio ed elegante. Il character design, che sembra tornato in mano a Chinatsu Kurahana dopo Three Houses, abbandona le stravaganze cromatiche passate per riabbracciare armature realistiche, volti espressivi e tonalità calde che richiamano immediatamente i fasti delle migliori produzioni fantasy della compagnia. La sensazione, guardando le prime interazioni tra i personaggi e la magnificenza delle ambientazioni cittadine, è quella di un’opera che vuole porsi come progresso concettuale della formula che ha fatto la fortuna della saga nell’era dell’alta definizione. Ciascun fotogramma trasuda una solennità che mancava da troppo tempo nei capitoli principali, segno della volontà di approfondire tematiche etiche e morali di grande spessore, riconquistando al contempo quella fetta di estimatori che, come me, erano rimasti scottati dalla deriva precedente. Non a caso, il sottotitolo giapponese è Banshi Senko, un’espressione idiomatica derivante da un antico proverbio cinese, che si traduce letteralmente in “diecimila viola, mille rossi”: il suo significato simbolico è “una moltitudine di fiori di vari colori” o, più in generale, “una grande varietà di colori brillanti”, intesa come la moltitudine di vie, scelte e percorsi che si potranno intraprendere nel corso della storia.

Fire Emblem Fortune’s Weave: è una questione di vita o di morte

Seppur relativamente conciso, il nuovo trailer ha fornito qualche informazione aggiuntiva sul nuovo mondo e sui sistemi di gioco, e assieme a quello di presentazione dello scorso settembre ha sollevato un immenso polverone di teorie e congetture tra gli appassionati, desiderosi di decifrare ogni singolo elemento dell’ambientazione di turno. Sappiamo ufficialmente dalle informazioni rilasciate che l’avventura si svolge all’interno del prospero e vasto Impero di Dagda, una terra situata al di fuori dei confini territoriali del Fódlan, ma legata indissolubilmente alla medesima linea temporale del capitolo di maggior successo della scorsa generazione. La gigantesca e maestosa capitale di Dagsion farà da sfondo principale a un imponente scontro di proporzioni continentali noto come Torneo dei Gladiatori, una manifestazione marziale orchestrata direttamente dal Sovrano Divino, il quale promette di esaudire il desiderio più recondito dei vincitori. Questa affascinante premessa ha spinto i gruppi di discussione a ipotizzare che la competizione non sia un semplice passatempo per nobili, ma un elaborato e oscuro rituale volto a incanalare l’energia spirituale dei partecipanti per preservare una continuità millenaria. Le discussioni si stanno concentrando sulla reale natura di una simile contesa, ipotizzando che dietro la facciata dei desideri si nasconda un prezzo spaventoso che i quattro protagonisti saranno costretti a pagare.

Ulteriore elemento di discussione che sta letteralmente togliendo il sonno alla community è l’apparizione fugace e carica di mistero di una Sothis in versione adulta, i cui dialoghi criptici fanno esplicito riferimento a un inquietante regno sotterraneo denominato Oltretomba. Molti ritengono che la divinità stia cercando disperatamente un modo per rimediare alle drammatiche conseguenze dei conflitti del passato, agendo come una sorta di osservatrice superiore in un’era distante diversi secoli dagli eventi che abbiamo vissuto in precedenza. La teoria più accreditata e discussa sui social suggerisce che l’Impero di Dagda stia vivendo una finta epoca d’oro concessa da divinità tutt’altro che benevole, e che il torneo sia l’unico strumento per selezionare un campione mortale in grado di spezzare questo circolo vizioso. Il fulcro delle varie congetture risiede nel legame tra la stabilità della superficie e i segreti celati nelle profondità della terra, un dualismo che promette una narrazione ricca di imprevisti e capovolgimenti di fronte.

A complicare un quadro narrativo già di per sé estremamente denso vi è la figura enigmatica di Eshmel, un misterioso essere angelico vestito con candidi abiti bianchi che fungerà da nostro Avatar, la cui presenza sulla copertina ufficiale ha scatenato speculazioni opposte in ogni angolo del web. Alcuni dettagli emersi dalle prime analisi indicano che Eshmel potrebbe non essere un combattente attivo sul campo nel senso classico del termine, bensì un’entità spirituale destinata a guidare ed elevare i leader mortali attraverso le insidie mortali delle arene imperiali. Le supposizioni si dividono attualmente tra chi lo vede come un custode benevolo inviato dalla stessa Sothis per proteggere i prescelti e chi, in modo decisamente più cupo, sospetta che possa trattarsi di un emissario diretto del Sovrano Divino con il compito segreto di sorvegliare lo svolgimento degli scontri e far rispettare le regole del torneo. L’ambiguità morale di questa figura fluttuante promette di essere il vero asse portante dei colpi di scena della campagna principale.

L’analisi approfondita dei dialoghi presenti nei materiali promozionali ha inoltre rivelato una serie di dettagli che collegano la mitologia di Dagda alle antiche leggende appena menzionate nei vecchi capitoli, espandendo in modo considerevole le tradizioni e il folclore del mondo di gioco. La presenza di templi dedicati alle divinità ancestrali dimenticate e le scritte in caratteri arcaici visibili sui monumenti della capitale Dagsion suggeriscono che dovremo districarci tra dogmi religiosi contrastanti e fazioni politiche pronte a tutto pur di ottenere il favore dell’Avatar. La scrittura dei dialoghi sembra voler ricalcare la complessità dei testi visti in Three Houses, dove non esisteva una netta divisione tra bene e male, ma ogni fazione portava avanti le proprie ragioni con ferrea convinzione. È un potenziale spessore narrativo che lascia ben sperare per la presenza di scelte morali in grado di influenzare realmente lo sviluppo degli eventi e i rapporti tra i commilitoni.

Ciò che cerco è un grande potere

La struttura narrativa di questa nuova iterazione abbandona le divisioni scolastiche e le accademie militari per abbracciare le storie incrociate di quattro attori principali, ciascuno spinto da motivazioni personali profondamente diverse per prendere parte alla competizione. Il primo che abbiamo avuto modo di conoscere nel dettaglio è Cai, un giovane di umili origini proveniente dal remoto e pacifico villaggio di Ribeira, il cui unico obiettivo è vincere l’ambita competizione per ottenere la liberazione del padre, ingiustamente imprigionato dalle autorità imperiali. Accanto a lui troviamo Dietrich, uno spadaccino dall’eleganza glaciale e dal passato tormentato, perennemente alla ricerca di avversari formidabili per mettere alla prova la propria tecnica con la lama e superare i limiti della sua natura umana. La diversità dei punti di partenza offre una varietà di approcci psicologici che garantisce una notevole profondità alla progressione della storia.

Le restanti due figure che completano il quartetto non sono certamente da meno in quanto a carisma e complessità psicologica: Theodora è una fiera sovrana, determinata a realizzare il sogno secolare del suo regno d’origine, e così sceglie di sua sponte di farsi carico del fardello politico e delle speranze di un intero popolo oppresso. Leda, al contrario, è una tormentata musicista mossa da un sinistro, feroce e implacabile desiderio di vendetta, che utilizza l’arte delle note e dello stiletto come strumenti letali per raggiungere il fine che la guida e la ossessiona all’interno delle arene della capitale. Durante lo svolgimento della campagna principale potremo selezionare uno di loro quattro come leader principale, modificando in modo sensibile l’ordine degli eventi della trama, le missioni a nostra disposizione e le interazioni con gli altri sfidanti. La sensazione è quella di trovarsi di fronte a un intarsio nel quale ogni elemento rivela una sfaccettatura diversa di un complotto molto più grande.

Il cardine della progressione e della vita quotidiana del nostro esercito tra una sfida ufficiale e l’altra viene rappresentato da un imponente centro nevralgico situato nel cuore di Dagsion, dove gestiremo la routine delle nostre truppe attraverso un sistema di calendario che richiama le migliori intuizioni gestionali della serie. All’interno di questo vasto e circostanziato campo d’addestramento potremo pianificare le sessioni di allenamento dei commilitoni, stringere legami di amicizia e di supporto con potenziali alleati per convincerli a unirsi alle nostre fila e preparare meticolosamente i personaggi alle insidie delle arene. Non mancherà inoltre la gradita possibilità di uscire dalle imponenti mura cittadine per esplorare una mappa del mondo liberamente navigabile, ricca di nodi stradali, missioni secondarie e covi di briganti dove accumulare risorse preziose ed equipaggiamento. La gestione di un tempo limitato prima di ogni incontro ufficiale aggiunge una squisita tensione strategica a tutta la componente gestionale.

Il campo marzio non è soltanto un luogo di fredda pianificazione numerica, ma un vero e proprio palcoscenico in cui assistere allo sviluppo dei rapporti sociali tra i membri della nostra armata, poiché sarà possibile organizzare banchetti, sessioni di studio tattico e attività ricreative per incrementare l’affinità tra i guerrieri, sbloccando i celebri dialoghi di supporto che da sempre costituiscono l’orditura del coinvolgimento emotivo della serie. La profondità di queste interazioni sembra voler scavare a fondo nei traumi e nelle aspirazioni di ciascuno dei soldati che combatte per noi, un quadro umano sfaccettato che contrasta fortemente con la superficialità dell’episodio precedente. La cura riposta nella scrittura di queste scene secondarie promette di farci amare ogni singolo componente della nostra variegata milizia.

Fire Emblem Fortune’s Weave: voglio eliminarlo con la mia spada

Sul fronte strettamente pratico, l’introduzione della meccanica che dà il nome al gioco promette di scardinare le certezze consolidate anche dei generali più scafati e veterani della vecchia guardia. Il sistema, battezzato Intreccio della Fortuna, consente infatti di piazzare delle vere e proprie scommesse tattiche sull’esito immediato delle azioni di combattimento, permettendoci di alterare i tassi di critico, i danni inferti o la probabilità di successo delle manovre a fronte di un rischio calcolato. È una dinamica che si sposa magnificamente con l’introduzione delle Arti Fiammeggianti, potentissimi attacchi speciali caratteristici per ogni eroe che richiedono il sacrificio di una parte dei propri punti vita per essere eseguiti, modificando un apposito indicatore su schermo. L’inclusione di queste variabili legate al rischio immediato trasforma ogni turno in una partita a scacchi ad altissima tensione emotiva.

Gli sviluppatori hanno dimostrato di aver ascoltato con grande attenzione le critiche del pubblico reintroducendo la durabilità delle armi, un elemento tradizionale la cui totale assenza aveva fortemente impoverito la gestione dell’inventario nell’episodio precedente. Torneranno in auge anche i Segni, i misteriosi poteri magici legati ai lignaggi di sangue nobiliari, e l’utilizzo strategico degli Stratagemmi, introdotti sempre in Three Houses con i battaglioni di supporto, che consentono di eseguire complesse manovre ad ampio raggio per disorientare le formazioni nemiche. La fluidità del sistema di crescita rappresenta un’ulteriore e radicale svolta per il franchise, poiché i personaggi non saranno più incatenati a classi rigidamente predeterminate dall’inizio alla fine della loro evoluzione. La libertà di sbloccare le competenze in base al tempo effettivo speso con un’arma apre le porte a una personalizzazione totale del nostro esercito.

La spettacolarità del campo di battaglia verrà ulteriormente esaltata dalla presenza di nuovissime classi mai viste prima d’ora, tra cui spiccano i cavalieri in sella alle maestose creature volanti Ornius e i conducenti di pesanti carri da guerra da sfondamento. Le arene del Torneo dei Gladiatori saranno caratterizzate da trappole dinamiche, fiammate improvvise e pericoli ambientali in grado di mutare drasticamente l’assetto della mappa nel corso dei turni, costringendoci ad adattare continuamente la nostra linea difensiva. L’impatto visivo generale trae concreto vantaggio dalle straordinarie capacità hardware della nuova piattaforma ibrida Nintendo, con ritratti dei personaggi finalmente animati in tempo reale durante i dialoghi e animazioni in combattimento che vantano una naturalezza mai vista prima d’ora nella serie. Il ritorno a un approccio strategico così punitivo e sfaccettato potrebbe rappresentare la risposta perfetta a chi cercava un’esperienza di gioco più approfondita.

L’interfaccia è stata completamente ridisegnata per ospitare una quantità impressionante di dati tattici senza mai risultare caotica o di difficile lettura per l’utente. Potremo visionare in ogni istante le linee di tiro dei nemici, le zone d’influenza dei boss dell’arena e le percentuali esatte di attivazione delle abilità passive dei nostri soldati. Una simile, totale trasparenza delle informazioni, unita alla complessità delle nuove variabili di gioco, sembra conferire al titolo un’eccellenza strategica che non si vedeva dai tempi delle produzioni per console casalinghe della metà degli anni duemila. La profondità delle opzioni che abbiamo a disposizione garantisce che non esisterà mai un’unica via predeterminata per strappare la vittoria nelle circostanze più complesse.

Per questo motivo, non posso morire

L’arrivo sul mercato dell’attesissima collaborazione tra Intelligent Systems e Koei Tecmo è ufficialmente programmato per il prossimo 17 settembre 2026, attestandosi fin da ora come uno dei pesi massimi assoluti della stagione autunnale dell’attuale generazione di console. Il debutto sulla nuova Switch 2 porta con sé alcune importanti e discusse novità per quanto riguarda le politiche di prezzo, che continua a procedere di pari passo con l’epocale scenario di transizione per il mercato dei supporti fisici. La versione digitale sarà disponibile su eShop al prezzo ormai standard per le grandi produzioni tripla A di 69,99 euro, mentre l’edizione fisica richiederà un esborso superiore di 10 euro. Si tratta di un divario di prezzo che riflette i costi crescenti legati alla produzione delle nuove cartucce ad alta densità.

L’adozione delle memorie Flash NAND di nuova generazione, più veloci e capienti, si è resa purtroppo necessaria per consentire il caricamento quasi immediato di texture in altissima risoluzione e modelli poligonali complessi, azzerando di fatto i tempi morti tra le fasi gestionali e i combattimenti. È una scelta commerciale risolutiva che abbiamo visto applicata sin da quando Nintendo ha lanciato sul mercato la sua ultima console, e che potrebbe orientare una fetta decisamente consistente di pubblico verso l’acquisto della controparte digitale, sebbene il fascino intramontabile del collezionismo rimanga immutato grazie a una splendida e ispirata copertina ufficiale che ci ha già conquistati. Per i giocatori più esigenti, nonché feticisti dei materiali a corredo del supporto fisico, è stata inoltre annunciata una ricca e lussuosa edizione da collezione, denominata Dagdan Collection, che sarà disponibile lo stesso giorno del lancio al prezzo ufficiale di 109,99 euro. La ricchezza dei contenuti inclusi in questa confezione speciale giustifica l’investimento per chiunque consideri questa saga un culto insostituibile.

I fortunati collezionisti che riusciranno ad accaparrarsi questa tiratura limitata troveranno al suo interno un corposo artbook cartaceo contenente i primi splendidi studi sui personaggi e sulle spettacolari arene imperiali, una selezione della colonna sonora su supporto audio ottico e delle cartoline speciali da collezione dedicate ai quattro condottieri. Le prenotazioni ufficiali per tutte le versioni annunciate apriranno nel corso delle prossime settimane, sia attraverso i principali rivenditori fisici autorizzati sia sul negozio online ufficiale della casa madre: inutile aggiungere che la competizione nei negozi si preannuncia feroce e spietata, considerando il sovraffollamento di uscite di grandissimo rilievo previste per lo stesso identico mese, ma la forza commerciale di questo storico brand e il richiamo irresistibile dell’ennesima esclusiva per Switch 2 promettono di catalizzare l’attenzione di tutto il pubblico dei cultori dei giochi di ruolo tattici. Il conto alla rovescia per l’inizio del Torneo è ufficialmente iniziato, e l’attesa fino a settembre si preannuncia senz’altro logorante.

Xenoblade Chronicles Genesis è diventato, praticamente di diritto, il titolo che attendo maggiormente nel 2027. Presentato durante l’ultimo Nintendo Direct, con un trailer breve ma piuttosto esplicativo, sotto certi aspetti, il nuovo capitolo dell’amatissima saga targata Monolith Soft è pronto a infiammare i cuori dei possessori di Nintendo Switch 2. 

Com’era prevedibile, infatti, il nuovo capitolo della serie sarà un’esclusiva per la nuova console, che potrebbe essere una delle potenziali killer app di un 2027 che, onestamente, si prevede a dir poco rovente, per Nintendo, e in generale per tutto il settore videoludico. Contestualmente all’arrivo di questo nuovo capitolo che, a detta di Nintendo, segna “un nuovo inizio per la saga”, tema su cui si è tornato più volte, i ragazzi di Monolith hanno anche annunciato l’arrivo della trilogia su Switch 2, con una nuova veste tecnica e grafica. 

Nintendo ha dimostrato, una volta per tutte, di credere tantissimo in Monolith e nel suo lavoro. La scelta di portare sul mercato sia la trilogia completa sia un capitolo che, sembra, voler “resettare” completamente tutto quello che sappiamo dell’universo di gioco e narrativo, è un modo perfetto per onorare il passato a lanciarsi, a capofitto, verso il futuro. Un futuro che sembra decisamente radioso, pieno di idee e di potenziali “rivoluzioni”. Xenoblade Chronicles Genesis sembra essere proprio l’alfiere di questo cambiamento. Sarà così?

Xenoblade Chronicles Genesis: l’alba di un nuovo mondo

Xenoblade Chornicles Genesis è un titolo, potenzialmente, in profonda “rottura” con il passato della serie. Il trailer mostrato durante il Nintendo Direct ha evidenziato una fortissima carica identitaria, fortemente in contrasto con quanto visto nella trilogia precedente. Il primo, grosso, snodo, sembra essere la trama, la storia e, in generale, la gestione del mondo di gioco in cui si svolgono gli avvenimenti. Nei capitoli precedenti, forse, in parte, a eccezion fatta per Xenoblade Chronicles X, che già rappresentava un unicum per diversi aspetti, i giocatori erano abituati a vivere il mondo in maniera molto autonoma, individuale, quasi in solitaria. 

Xenoblade Chronicles Genesis, invece, sembra fare un pesante passo in una direzione molto diversa, in cui si respirano, a pieni polmoni, derive più “collettive”, tipiche di altri grandi nomi di lusso, come la serie Fire Emblem, in primis. In questa nuova avventura, infatti, il protagonista non sembra essere il solito “solo contro tutti”, immerso in una natura sterminata e quasi soverchiante, Proprio rimanendo in tema Fire Emblem, il nuovo capitolo della saga di Monolith sembra condividere con Fire EmblemThree Houses, uno dei capitoli più amati della serie, anche alcune soluzioni estetiche e, potenzialmente, ludiche. 

La nuova esclusiva Nintendo Switch 2 sembrerebbe avere come una delle location principali la misteriosa e affascinante Accademia di Leukos, che ricorda molto quella del sopracitato Three Houses, anche per soluzioni estetiche e cromatiche. La struttura in questione sembra essere destinata a ricucirsi un ruolo primario all’interno della nuova avventura e, potenzialmente, potrebbe rappresentare una sorta di “hub”, in stile Xeno X, da cui partire, prima di esplorare quello che, come sempre, sembrerebbe essere un mondo di gioco ancora una volta gigantesco e potenzialmente sconfinato. 

Più oscuro, più maturo e più fantasy 

L’Accademia di Leukos è legata a quello che è il cuore “magico” della nuova storia. Non avendo idea sui collegamenti con gli altri capitoli della serie, possiamo ipotizzare che, nel caso in cui si tratti di un qualcosa di completamente slegato da Bionis, Mechanis, Alrest e, in generale, tutti i mondi protagonisti del passato della serie, l’epicentro del potere magico, culturale e, perché no, anche politico, sembra essere proprio l’Accademia. Quello che appare evidente, in tal senso, sono anche i dettami della storia, che appare, se vogliamo, più “politica” e meno fantasy, con, potenzialmente, una presenza più assidua di forze “umane” in gioco piuttosto che nemici “divini” da scacciare dal proprio pianeta. 

Il centro di tutto sembra essere l’Anima, un potere magico, sovrannaturale, che solo alcuni “eletti” sembrano in grado di poter manipolare, sfruttare e usare. Ovviamente, sono proprio gli alunni dell’Accademia, e tutti quelli che ruotano intorno alla sfarzosa struttura (con qualche eccezione, ovviamente) a poter sfruttare questo potere, tra cui quella che sembra la protagonista. Anche analizzando il design di quest’ultima, si possono toccare, quasi con mano, i pesanti punti di rottura con il passato della serie, anche a livello tematico, che sembra aver intrapreso un netto cambio di rotta proprio, in generale, sul piano della struttura del fantasy adottato per creare la storia. 

Xenoblade Chronicles Genesis si mostra nettamente in rottura con il passato della serie, almeno a livello estetico e strutturale. Il mondo di gioco, ma in generale tutta l’estetica e la concezione dell’opera, sembra essere cucito ad hoc su un’ideologia di fondo molto più sul fantasy di stampo tradizionale, abbandonando quasi del tutto quell’ibrido tra il fantasy e il futuristico che da sempre ha contraddistinto il DNA della serie. Chiaramente, non mi sento di escludere a prescindere, basandomi su questo singolo trailer, la presenza di qualsiasi tipologia di influenza più tradizionale, ma allo stato attuale delle cose, sembrerebbe essere quella la strada intrapresa. 

Un gioco con tanta… Anima

Del resto, la stessa protagonista sembra essere catalogabile come un’Elfa. Non sappiamo ancora quanto sia diverse e complessa la composizione morfologica e demografica del nuovo titolo, ma quello che mi risulta chiaro, sin da subito, è che Monolith sembra essere decisa a prendersi un bel po’ di spanne di distacco da quanto visto in passato. A tal proposito, mi ha colpito anche la totale, almeno per ora, assenza di mezzi di trasporto meccanici, appannaggio di soluzioni molto più romantiche, come alcuni uccelli che sembrano, magari spinti anche dagli ottimi risultati del buon Antonelli in F1, lanciare la sfida ai Chocobo come mezzi di trasporto “a quattro zampe” più veloci e maestosi dell’universo videoludico. 

Scherzi a parte, la deriva fantasy abbracciata da Monolith è davvero cristallina. Il discorso fatto sui “mezzi di trasporto” è molto importante, anche perché rappresenta una piccola novità rispetto ai capitoli precedenti della serie. Pur potendo sempre vantare un mondo di gioco smisurato, a tratti quasi scoraggiante per la sua estensione, la serie Xenoblade ha sempre “rifiutato” la presenza di mezzi di trasporto, lasciando al giocatore il piacere, ma anche il dispiacere, di spostarsi o con trasporti veloci o, semplicemente, sfruttando i propri fiammeggianti piedi. Questo, chiaramente, se si esclude Xenoblade Chronicles X che, ancora una volta, rappresentava già, qualcosa di molto diverso rispetto agli altri capitoli “numerati”.

Questo elemento non è assolutamente banale. Anzi. Ciò, onestamente, e da quel poco che abbiamo visto potrei anche averci preso, sembra suggerire la presenza di un mondo di gioco incredibilmente vasto, gigantesco, anche rispetto al passato della serie. Questo, chiaramente, suggerirebbe l’introduzione di un qualcosa di necessario per muoversi da un po all’altro con maggior velocità e praticità, anche considerando la natura apparentemente più “lineare” dell’opera, almeno sul piano visivo e delle soluzioni strutturali e narrative.

Verso l’infinito e oltre?

Mi viene da pensare, in tal senso, alla scena in cui la protagonista svetta sul mondo di gioco in groppa a un vero e proprio drago, il simbolo del fantasy più puro, una scena che va un po’ a confermare tutto quello che ho ipotizzato e sarebbe davvero incredibile se i miei ragionamenti trovassero riscontro in via definitiva. Quel che è certo, è che siamo di fronte a un qualcosa di veramente gigantesco, soprattutto a livello di ambizioni. Pur con poco materiale in possesso, il trailer ha posto l’accento su diversi aspetti che puntano in questa direzione, senza edulcorazioni e senza filtri. 

L’impatto crescente del fattore fantasy ne è uno degli elementi più importanti e centrali, così come l’apertura a un’esplorazione apparentemente più verticale e totale sembra essere un altro punto di snodo veramente importante con il passato della serie. Tutto questo, senza contare un altro, importante ma forse meno centrale fattore, legato proprio, in senso generale, a tutto l’ecosistema Xenoblade e a Nintendo. L’arrivo nativo per la nuova ammiraglia della compagnia di Kyoto, che vanta mezzi e possibilità decisamente più ambiziose, potrebbe sposarsi con quelle, proprio del nuovo capitolo della serie. 

Xenoblade Chronicles Genesis appare decisamente più generoso sul piano tecnico e, per quanto il design estetico potrebbe dividere l’opinione pubblica, è chiaro che rappresenta un passo avanti in termini generazionali importanti. Quello che mi chiedo, però, dando per buona la volontà di espandere a dismisura il fattore esplorazione, cosa potrebbero fare i ragazzi di Monolith con in mano una macchina performante come Switch 2, un vero e proprio gioiello alieno, paragonato alle architetture su cui finora la compagnia ha sviluppato le proprie idee. È chiaro, tempi diversi, prodotti diversi ma, se tanto mi da tanto, potremmo vederne veramente delle belle.

Xenoblade Chronicles Genesis è un progetto ambizioso e, rimanendo in tema, colossale. Il nuovo progetto di Monolith, ancora tutto da scoprire ed esplorare, si piazza come uno dei turning point più complessi e ambiziosi della serie e, in generale, del pacchetto delle esclusive Nintendo. Monolith ha parlato di “nuovo inizio” e ogni cosa sembra confermare, esplicitamente o meno, che la direzione intrapresa sembra proprio quella.  Il cambio di rotta sembra essere netto, sotto diversi aspetti, e non vedo l’ora, sinceramente, di scoprire quanto la voglia di staccarsi dal passato possa incidere, e in che modo, sul futuro di una delle serie a cui sono più sinceramente legato. Se devo essere onesto, apprezzo molto la deriva più fantasy del gioco, e adoro la presenza di tante creature “magiche”, mai così presenti come ora, ma è veramente presto per fare congetture. Attendiamo, impazienti, nuovi dettagli.

C’è un momento, guardando il trailer di annuncio di Terminal War, in cui ci si rende conto che questo gioco non ha nessuna intenzione di farvi stare comodi. Niente HUD, niente respawn rapidi, niente corsa sfrenata verso la prossima kill. Quello che Albatross Interactive mostra è qualcosa di più lento, più denso, più pericoloso. E in un panorama videoludico dominato da sparatutto frenetici e battle royale sempre più simili tra loro, questo approccio lo rende interessante.

Terminal War ha fatto la sua prima apparizione pubblica ufficiale durante il Future Games Show, l’evento che ogni anno raccoglie alcune delle produzioni indipendenti più interessanti in arrivo. Il titolo è sviluppato da Albatross Interactive, uno studio indipendente che si autofinanzia senza il supporto di alcun publisher. Un dettaglio non da poco, considerando l’ambizione del progetto.

Terminal War: fantasma di The Last of Us Online

È impossibile parlare di Terminal War senza nominare l’elefante nella stanza: The Last of Us Factions, e il suo successore mai nato, The Last of Us Online. Naughty Dog aveva lavorato per anni a un multiplayer standalone ambizioso, salvo poi cancellarlo in silenzio nel 2023, lasciando un vuoto enorme nella comunità di giocatori che aveva amato il multiplayer del primo capitolo.

Albatross Interactive non ha mai nascosto da dove viene l’ispirazione. Lo studio ha esplicitamente dichiarato, con una certa franchezza sui propri canali social, di aver deciso di costruire “la propria versione” di quella esperienza. E le somiglianze sono evidenti: terza persona, contesto post-bellico, risorse limitate, combattimento deliberato, attenzione al melee. Ma sarebbe riduttivo liquidare Terminal War come una semplice imitazione.

La messa e il setting sono profondamente diversi. Terminal War è un conflitto tra fazioni umane, senza infetti, senza una narrativa survival horror. È più vicino a uno scenario di guerra civile, con tutte le sfumature etiche e strategiche che questo comporta. L’atmosfera che emerge dal trailer è quella di un conflitto stanco e brutale.

Terminal War: un’America distrutta

La premessa narrativa di Terminal War poggia su una timeline alternativa: la Terza Guerra Mondiale è scoppiata, si è conclusa, e ha lasciato gli Stati Uniti irriconoscibili. Siamo nella fine degli anni ’90, ma non quelli che conosiamo. Le città sono in macerie, le infrastrutture sono crollate, le risorse scarseggiano. Il paese è diviso, senza un governo centrale capace di mantenere l’ordine, e tre fazioni si contendono il controllo del territorio con ogni mezzo disponibile.

Queste tre fazioni — Federal, Free States e Rebellion — rappresentano visioni diverse di come ricostruire (o controllare) ciò che resta della nazione. Gli sviluppatori hanno tenuto a precisare che nessuno di questi gruppi è ispirato a partiti politici o ideologie reali: sono il prodotto di quella timeline alternativa e degli eventi che hanno portato al collasso degli Stati Uniti. Ogni fazione ha obiettivi, identità e stile propri. La scelta di quale abbracciare non sarà neutrale.

Combattimento: ogni proiettile conta

Il cuore del gameplay di Terminal War è il combattimento tattico in terza persona, e la filosofia che lo guida sembra essere una sola: pensa prima di sparare. Le munizioni sono limitate. Le risorse si raccolgono sul campo. Gli errori costano caro.

Non si tratta dello sparatutto in cui ci si lancia a capofitto nella mischia fidandosi dei tempi di rigenerazione della salute. Qui ogni ingaggio richiede lettura della mappa, scelta delle coperture, coordinazione con i compagni di squadra. Il rischio di rimanere senza munizioni in mezzo allo scontro è reale, e quella consapevolezza cambia radicalmente il modo in cui ci si approccia a ogni confronto.

Il trailer ha messo in evidenza anche il sistema di combattimento corpo a corpo, che sembra avere un peso specifico notevole nell’economia del gameplay. Le animazioni dei takedown mostrate sono rapide, viscerali e convincenti. Le partite si svolgono in modalità 4 contro 4, con i giocatori che si sfidano per il controllo di zone contestate di ciò che resta degli Stati Uniti. Ogni mappa rappresenta una diversa “regione” del paese in disfacimento — città dimenticate, quartieri abbandonati, aree un tempo industriali ora ridotte a scenari di guerra.

Un progetto indipendente, costruito dal basso

Albatross Interactive è uno studio americano, interamente auto-finanziato. Nessun publisher, nessun fondo esterno, nessuna rete di sicurezza. La leadership creativa e tecnica attuale si è formata nel 2024, riorganizzando un progetto che aveva già avuto una prima fase di sviluppo negli anni precedenti.

Lo studio è stato trasparente riguardo alla propria strategia: prima di aggiungere modalità, sistemi di progressione o nuovi contenuti, vogliono costruire una fondazione solida. Il lancio iniziale punterà a un’esperienza 4v4 rifinita, con mappe multiple, animazioni convincenti e un gameplay equilibrato. L’espansione verrà — nuove mappe, armi, modalità — ma solo dopo che il nucleo del gioco sarà robusto. È un approccio che suona sicuramente anacronistico nell’era dei live service e dei battle pass, ma che sembra già risuonare con chi da anni aspettava esattamente questo tipo di esperienza.

Terminal War è atteso in Early Access su PC (Steam) nel 2026, con successiva uscita su PS5 e Xbox Series X/S. È possibile aggiungerlo alla wishlist su Steam ora.

Terminal War è un gioco che si rivolge a una nicchia precisa: chi ha voglia di uno shooter tattico in terza persona dove la sopravvivenza dipende più dalla testa che dai riflessi. Non è un gioco per tutti, e sembra che Albatross Interactive lo sappia benissimo — e lo rivendichi come un punto di forza. Il rischio di un simile approccio è che l’Early Access arrivi troppo presto, con contenuti ancora acerbi, e che la community si disperda prima che il gioco raggiunga la sua forma definitiva. Ma il talento tecnico mostrato nel trailer è innegabile per uno studio indie auto-finanziato, e l’idea alla base è abbastanza forte da meritare attenzione. Che riesca o meno a colmare il vuoto lasciato da The Last of Us Online, Terminal War ha già dimostrato di avere qualcosa da dire. In un mercato affollato di sparatutto che si assomigliano tutti, questo è già un mezzo miracolo.

Ci sono pochi videogiochi capaci di generare lo stesso livello di attesa, speculazione e analisi maniacale che accompagna ogni nuova apparizione di Kingdom Hearts IV. Per quattro lunghi anni, dopo l’annuncio iniziale del 2022, Square Enix aveva mantenuto un silenzio quasi assoluto sul progetto. Screenshot sporadici, qualche messaggio rivolto alla community e pochissime informazioni concrete avevano alimentato teorie e aspettative, ma senza offrire un quadro chiaro di ciò che il nuovo capitolo della saga avrebbe realmente rappresentato. La situazione è finalmente cambiata durante il Nintendo Direct e gli eventi collegati alla Summer Game Fest season a giugno 2026, quando Kingdom Hearts 4 è tornato a mostrarsi con un nuovo trailer e diverse sequenze in-game che hanno permesso di osservare più da vicino la nuova direzione intrapresa dal team guidato da Tetsuya Nomura. Square Enix ha inoltre confermato che il gioco arriverà contemporaneamente su PlayStation 5, Xbox Series X|S, PC e Nintendo Switch 2, segnando uno dei lanci multipiattaforma più importanti nella storia della serie.

Kingdom Hearts 4: Quadratum non è soltanto una nuova città

Al di là dell’inevitabile entusiasmo generato dal ritorno di Sora, il materiale mostrato rivela un aspetto ancora più interessante: Kingdom Hearts 4 sembra intenzionato a ridefinire profondamente l’identità della saga senza rinunciare a ciò che l’ha resa unica negli ultimi vent’anni. Fin dal reveal originale del 2022, Quadratum era apparsa come la più grande anomalia mai introdotta nell’universo di Kingdom Hearts. Mentre la serie ha sempre alternato mondi Disney, ambientazioni fantasy e universi fortemente stilizzati, Quadratum si presenta come qualcosa di radicalmente diverso. È una città moderna, realistica, densamente urbanizzata e sorprendentemente vicina alla nostra realtà.

Le nuove immagini mostrate nel 2026 rafforzano ulteriormente questa impressione. Grattacieli, incroci trafficati, insegne luminose, appartamenti contemporanei e infrastrutture urbane dominano la scena. In alcuni momenti sembra quasi di osservare una reinterpretazione fantastica di Tokyo piuttosto che un capitolo di Kingdom Hearts. Questa scelta non rappresenta semplicemente un cambio estetico: Quadratum sembra incarnare il concetto di “unreality”, la realtà alternativa introdotta nel finale di Kingdom Hearts III e approfondita in Melody of Memory. Non è soltanto un luogo fisico, ma una dimensione che esiste al di fuori delle regole tradizionali dell’universo conosciuto da Sora. Se i mondi Disney hanno sempre rappresentato finestre verso universi differenti, Quadratum appare invece come un mondo che mette in discussione la natura stessa della realtà.

Un Sora più adulto e una nuova saga

Uno degli elementi più evidenti del trailer riguarda naturalmente il protagonista: il design di Sora continua il percorso iniziato con Kingdom Hearts III, ma compie un ulteriore passo verso una rappresentazione più matura. Il personaggio appare fisicamente più adulto, meno caricaturale e molto più integrato nel contesto realistico di Quadratum. Non si tratta però soltanto di una questione estetica; l’impressione è che Kingdom Hearts 4 voglia accompagnare la crescita del proprio pubblico storico. Molti giocatori che hanno scoperto la serie nei primi anni Duemila oggi hanno superato i trent’anni. Il nuovo tono visivo sembra riflettere questa evoluzione generazionale.

Pur mantenendo il fascino fiabesco tipico della saga, il gioco appare decisamente meno infantile rispetto ai capitoli precedenti. Dal punto di vista narrativo, Kingdom Hearts 4 rappresenta l’inizio ufficiale del cosiddetto Lost Master Arc, la nuova grande saga che raccoglie l’eredità della lunghissima Dark Seeker Saga conclusa con la sconfitta di Xehanort. Questa transizione è probabilmente l’aspetto più delicato dell’intero progetto: per quasi vent’anni la serie ha costruito la propria identità attorno al conflitto tra luce e oscurità, ai piani di Xehanort e ai numerosi misteri collegati alle Keyblade. Ora Square Enix deve riuscire a creare un nuovo centro narrativo altrettanto coinvolgente. Le sequenze mostrate nel trailer suggeriscono che il fulcro della storia potrebbe ruotare attorno ai Maestri Perduti, alle origini dell’universo di Kingdom Hearts e alla natura stessa di Quadratum. È una prospettiva affascinante perché consente finalmente alla saga di guardare avanti invece di continuare a espandere il passato.

Strelizia torna a fare capolino, con un nuovo combat system

Tra i personaggi che sembrano destinati a occupare una posizione fondamentale nella nuova storia spicca Strelitzia. Già apparsa nel trailer originale, la misteriosa ragazza torna anche nelle nuove immagini e appare sempre più legata al destino di Sora. La sua presenza continua a essere uno dei più grandi interrogativi dell’intero franchise: per chi ha seguito gli eventi di Kingdom Hearts Union χ, Strelitzia rappresenta una figura importantissima, collegata ai misteri più profondi dell’universo narrativo creato da Nomura. La sua inclusione nel cast principale suggerisce la volontà di unificare finalmente le diverse ramificazioni della lore costruita negli ultimi anni. Il sistema di combattimento evolve ancora: se c’è un elemento che Kingdom Hearts ha perfezionato progressivamente nel corso della sua storia, è il combattimento. Le nuove sequenze di gameplay mostrano un sistema che conserva l’immediatezza spettacolare di Kingdom Hearts III, ma introduce numerose variazioni. Sora continua naturalmente a utilizzare il Keyblade come arma principale, ma il trailer lascia intravedere nuove trasformazioni, attacchi contestuali e una mobilità ancora superiore rispetto al passato. Particolarmente interessante appare l’integrazione dell’ambiente urbano all’interno dei combattimenti: in alcune scene, il protagonista sfrutta edifici, strutture e superfici verticali come parte integrante delle proprie combo, suggerendo un sistema molto più dinamico e tridimensionale. L’obiettivo sembra essere quello di trasformare Quadratum stessa in un elemento attivo del gameplay.

Uno degli aspetti più promettenti riguarda proprio la gestione dello spazio. Kingdom Hearts III aveva già introdotto una mobilità impressionante, ma il contesto urbano di Quadratum permette agli sviluppatori di spingersi molto oltre. Le immagini mostrano Sora correre sulle pareti, lanciarsi tra edifici e utilizzare nuove tecniche di movimento che ricordano quasi alcune produzioni action contemporanee open-world. Questa evoluzione potrebbe avere conseguenze enormi sia sull’esplorazione sia sui combattimenti. Per la prima volta nella serie, la città sembra progettata come un gigantesco parco giochi verticale. Inoltre, nuovi Heartless e nuove minacce ci attendono: il materiale mostrato conferma inoltre la presenza di creature completamente inedite. I nuovi Heartless appaiono più umanoidi e inquietanti rispetto alle incarnazioni classiche della serie. Alcuni sembrano addirittura riflettere elementi della stessa estetica di Quadratum, suggerendo una connessione diretta tra il mondo e le sue manifestazioni oscure.  Questo dettaglio potrebbe avere importanti implicazioni narrative. Se gli Heartless tradizionali erano il prodotto dell’oscurità presente nei cuori, le nuove creature potrebbero rappresentare una diversa forma di corruzione legata alla natura particolare di Quadratum.

Kingdom Hears 4: la verticalità cambia tutto

Uno degli aspetti più discussi della presentazione riguarda ciò che non è stato mostrato. Square Enix non ha ancora rivelato alcun mondo Disney. È una scelta sorprendente, considerando che la collaborazione con Disney rappresenta da sempre uno dei pilastri fondamentali della serie. Per quali motivi? La prima è che gli sviluppatori vogliano mantenere il massimo riserbo sulle nuove ambientazioni fino a una presentazione dedicata. La seconda è che Kingdom Hearts 4 voglia iniziare la propria storia concentrandosi maggiormente sui personaggi originali e sulla nuova mitologia. Intanto Topolino, Paperino e Pippo non sono stati dimenticati: fortunatamente il trailer conferma il ritorno di alcuni dei personaggi più iconici della saga. I tre sopracitati compaiono nuovamente all’interno delle sequenze mostrate, suggerendo che la loro ricerca di Sora continuerà a rappresentare una parte importante della trama.

Questo elemento garantisce continuità con il finale di Kingdom Hearts III e rassicura i fan che temevano un eccessivo distacco dalla formula tradizionale. La sensazione generale è che Kingdom Hearts 4 voglia innovare senza cancellare il passato, tranne che per l’analisi tecnica: il salto generazionale è evidente. Dal punto di vista tecnologico, il nuovo trailer rappresenta probabilmente il materiale più impressionante mai mostrato dalla serie. Quadratum appare incredibilmente dettagliata: la qualità dell’illuminazione, la densità degli ambienti, la complessità dei modelli poligonali e la gestione delle animazioni facciali indicano un salto generazionale significativo rispetto a Kingdom Hearts III. Particolarmente notevole è il modo in cui il motore grafico gestisce le superfici urbane, i riflessi e gli effetti atmosferici. La città appare viva, credibile e sorprendentemente realistica. Anche le animazioni di Sora risultano più naturali e meno stilizzate rispetto al passato, contribuendo a rafforzare il nuovo tono dell’esperienza.

La genesi della sopravvivenza post-apocalittica digitale trovò una delle sue declinazioni più uniche e memorabili nell’ormai lontano 2013, quando il primo State of Decay fece il suo debutto sul mercato. L’approccio, quasi rivoluzionario per l’epoca, non era imperniato soltanto sull’abbattimento di orde di non morti, ma ci imponeva di gestire le risorse, fortificare gli avamposti e, soprattutto, fare i conti con la morte permanente dei membri della nostra comunità. L’idea che ogni singolo superstite potesse svanire per sempre ha rimescolato le carte di un genere invero piuttosto stantio, e così quello che poteva essere un semplice gioco d’azione divenne una continua e logorante ballata di decisioni morali e strategiche, dove l’attaccamento emotivo ai personaggi diventava il nostro peggior nemico. Quel primo esperimento, pur con i suoi evidenti limiti tecnici e le sue imperfezioni congenite, riuscì a catalizzare l’attenzione di milioni di appassionati, dimostrando che c’era una fame incredibile di storie sistemiche e non guidate. Il fascino risiedeva nell’assenza di un protagonista predefinito, una scelta di design che trasformava la collettività nell’unico vero fulcro del racconto, spingendoci di conseguenza a tutelare la sussistenza del gruppo piuttosto che il destino del singolo. Ogni sortita alla ricerca di medicinali o munizioni si tramutava in una scommessa ad altissimo rischio, dove un passo falso poteva farci perdere per sempre un medico esperto o un abile costruttore, un costante senso di vulnerabilità amplificato da una gestione dei rifugi che costringeva a bilanciare il benessere degli alleati, la disponibilità di cibo e le difese perimetrali contro gli assalti notturni.

Qualche anno più tardi, l’arrivo del secondo capitolo ha consolidato la medesima formula, espandendone la portata anche grazie all’introduzione di una componente cooperativa che i fan chiedevano da tempo a gran voce. State of Decay 2 ha preso le fondamenta di gestione e sopravvivenza e le ha calate all’interno di un’ambientazione più vasta, con un’eccellente pulizia generale e un focus ancora più marcato sulla cooperazione tra sopravvissuti. Malgrado una ricezione iniziale piuttosto tiepida da parte di una fetta della critica, che lamentava una certa ripetitività e la persistenza di bug storici, il supporto post-lancio della community e degli stessi autori ha trasformato il titolo in un successo straordinario sul lungo periodo. La capacità di ascoltare il pubblico e aggiornare costantemente l’ecosistema di gioco ha cementato il franchise, che è divenuto un pilastro fondamentale dell’offerta ludica di Microsoft e ha comprovato che la narrazione emergente, quella creata dalle sfortune e dai trionfi del giocatore stesso, possiede una forza comunicativa senza pari. Nel corso degli anni, l’introduzione di espansioni corpose, nuove mappe dettagliate, modalità estreme e una revisione completa del comparto grafico e dell’illuminazione hanno dimostrato una dedizione e un amore per la propria opera riscontrabili ben di rado. Il secondo episodio ha assunto le fattezze di un cantiere a cielo aperto, un opificio dinamico dove gli sviluppatori hanno potuto testare svariate soluzioni tecnologiche e di design, accumulando un bagaglio di esperienze fondamentale per la pianificazione del futuro della saga. La community ha risposto con una fedeltà incrollabile, popolando i server per anni e continuando a generare storie di coraggio e sacrificio condivise sui social.

Oggi, guardando indietro a quel percorso, ci si rende conto di come queste produzioni abbiano tracciato una linea netta nel modo di concepire l’apocalisse zombie in formato videoludico, senza il classico eroe solitario destinato a salvare il mondo ma circondati da un manipolo di disperati il cui unico obiettivo era superare la notte successiva. Tale cambio di prospettiva ha influenzato profondamente l’intera industria, spingendo molti altri team a riconsiderare l’importanza delle dinamiche gestionali applicate all’azione pura. Il successo combinato dei primi due episodi ha generato di conseguenza aspettative mostruose, un’attesa febbrile per un terzo capitolo che avrebbe dovuto compiere il definitivo salto di qualità, trasformando un progetto quasi artigianale in una produzione tripla A a tutti gli effetti, capace di rivaleggiare con i pesi massimi del mercato globale. Da appassionati reduci delle ordalie dei primi due State of Decay, abbiamo richiesto a gran voce una vera e propria evoluzione concettuale che potesse sfruttare la potenza computazionale delle macchine moderne per simulare un mondo vivo, pulsante e tragicamente realistico. L’ambizione era quella di vedere finalmente applicate le idee rivoluzionarie delle origini a una struttura produttiva priva di compromessi materiali o economici, capace di sbalordire sia per l’impatto visivo che per la complessità delle interazioni regolari tra i personaggi, i non morti e l’ambiente circostante.

State of Decay 3: 3287 giorni dopo

Il percorso che ci ha condotti fino a questo momento è stato tutt’altro che semplice, configurandosi come una vera e propria odissea industriale che ha messo a dura prova la pazienza di tutti noi: dopo il primo, fulmineo teaser mostrato diversi anni fa, il progetto sembrava essere sprofondato in un buco nero informativo, alimentando dubbi, speculazioni e timori sul reale stato dei lavori. Un prolungato silenzio radio che ha fatto temere il peggio a una comunità legatissima al brand, lasciando spazio a voci di corridoio che parlavano di riavvii interni, cambi di direzione creativa e difficoltà nell’adattare la classica struttura di gioco alle nuove tecnologie. Dietro le quinte, il team di Undead Labs stava affrontando una transizione epocale, passando dallo status di studio indipendente di medie dimensioni a quello di sussidiaria degli Xbox Game Studios, un cambiamento che ha richiesto una profonda ristrutturazione interna, l’ampliamento dell’organico e la ridefinizione totale dei propri obiettivi qualitativi. Gestire un mutamento societario di simile portata implica una riorganizzazione dei flussi lavorativi, l’adozione di standard di sicurezza e produzione più stringenti e la necessità di interfacciarsi costantemente con i vertici di una multinazionale, dinamiche che hanno inevitabilmente rallentato le fasi di pre-produzione del titolo. Lo studio ha dovuto abbandonare i vecchi strumenti proprietari e i middleware obsoleti per abbracciare metodologie di sviluppo differenti, un processo di apprendimento e integrazione che ha richiesto tempo, investimenti e una notevole dose di resilienza da parte di tutti i dipendenti coinvolti.

Per fortuna, gli sviluppatori originali non sono rimasti soli a combattere contro la complessità di una produzione di nuova generazione, ma hanno potuto contare su alleati di primissimo piano all’interno della galassia Microsoft. Per superare le storiche incertezze sul fronte dell’ottimizzazione e dell’impatto visivo, la compagine capitanata da Philip Holt ha ricevuto il supporto diretto e massiccio di Obsidian Entertainment, in particolar modo dal team che ha portato al successo Grounded, potendo così sfruttare le loro competenze tecnologiche e i tool condivisi per rifinire l’universo di gioco. La sinergia tra questi studi ha permesso di superare ostacoli tecnici apparentemente insormontabili, cosicché la stabilità e la ricchezza visiva potessero compiere un ulteriore passo in avanti. Inoltre, l’apporto dei ragazzi canadesi di The Coalition, maestri indiscussi dell’Unreal Engine e attuali portabandiera della saga di Gears of War, è stato fondamentale per spingere il motore grafico verso vette di realismo precedentemente impensabili per il franchise. Lo sforzo collaborativo tra i diversi team di Xbox Game Studios rappresenta un esempio virtuoso di quanto la condivisione delle conoscenze interne possa elevare il valore di una singola proprietà intellettuale, poiché ha permesso a uno studio storicamente focalizzato sulle meccaniche di gioco di concentrarsi sulla propria visione creativa senza perdersi nei meandri della programmazione grafica più complessa: gli ingegneri specializzati hanno lavorato a stretto contatto con i designer per ottimizzare lo streaming degli elementi della mappa e la fisica dei corpi, assicurandosi che la complessità dei sistemi gestionali non andasse a impattare negativamente sulla fluidità generale e sulla resa visiva dei dettagli più minuti.

I primi scampoli di azione mostrati durante l’Xbox Games Showcase sono riusciti a spazzare via in un istante gli spettri degli anni passati, confermando che il tempo speso lontano dai riflettori è servito a infondere al progetto una pienezza strutturale impressionante. Ho percepito chiaramente come la traversata verso un modello processuale più ambizioso abbia preservato e rinforzato l’essenza della serie, regalandoci uno sguardo su un mondo flagellato che appare finalmente maestoso, spietato e tecnologicamente all’avanguardia. La sensazione è stata quella di trovarmi di fronte al coronamento di un lungo e silenzioso processo di maturazione, una risposta ferma e decisa a tutte le perplessità sollevate nel corso del tempo. La dimostrazione è servita a manifestare, in maniera tangibile e orgogliosa, lo stato di salute del progetto, e a illustrare con assoluta trasparenza la direzione artistica e l’eccellenza tecnica raggiunte. Come avevo segretamente auspicato, ma senza dirlo a voce troppo alta per scaramanzia, è stato un ritorno trionfale sulla scena che ha riclassificato le gerarchie delle uscite più desiderate, collocandolo peraltro di nuovo al centro del dibattito e riaccendendo l’entusiasmo di una base di utenti che non ha mai smesso di credere nelle potenzialità di questo universo narrativo.

Benvenuti a Decayland

Le sequenze in tempo reale hanno svelato in parte un’evoluzione radicale delle meccaniche di gioco: il centro di ogni cosa rimane sempre la gestione della comunità, ma questa volta ogni singolo sopravvissuto gode di una caratterizzazione psicologica e fisica incredibilmente elaborata, con animazioni contestuali che riflettono la fatica, il terrore e la determinazione. Il sistema di combattimento ravvicinato e l’uso delle armi da fuoco ostentano una fisicità devastante, dove ogni colpo inferto ha un peso specifico e le mutilazioni dei non morti influenzano direttamente la loro capacità di offendere e inseguire i superstiti. Esplorazione e scontri aperti si alternano senza soluzione di continuità evidenzia un lavoro di riscrittura totale del codice, volto a eliminare quella goffaggine che in passato spezzava parzialmente il coinvolgimento dell’utente. I movimenti dei personaggi si adattano dinamicamente alle asperità del terreno, con sforzi visibili quando camminano nel fango profondo o scalano pareti scoscese per sfuggire a un inseguimento. Le armi da fuoco, d’altro canto, possiedono un rinculo e un comportamento balistico differenziato a seconda del calibro e dello stato di manutenzione dell’equipaggiamento, un livello di realismo che impone di calibrare ogni colpo sparato per evitare di sprecare munizioni preziose o, peggio, di inceppare l’arma nel momento meno opportuno. Il corpo a corpo è stato arricchito con prese, schivate tempestive e l’utilizzo dell’ambiente circostante per eliminare gli ostili, e così gli scontri diventano coreografie brutali e disperate dove l’improvvisazione e la prontezza di riflessi ne determinano l’esito.

L’elemento che tuttavia promette di sconvolgere gli equilibri consolidati è l’introduzione di un ecosistema aperto e reattivo, dove la minaccia non è rappresentata solo dalle canoniche orde di zombie antropomorfi. La fauna selvatica infetta introduce una variabile impazzita e terrificante nel ciclo ludico della sopravvivenza, pertanto dovremo guardarci le spalle anche nelle fitte foreste che circondano gli insediamenti, oltre che lungo le strade cittadine. Le creature boschive deturpate dalla piaga agiscono con un’aggressività tale da cambiare completamente l’approccio alla caccia e al reperimento dei materiali, un’inedita minaccia biologica integrata perfettamente con l’alternanza tra giorno e notte che non influisce solo sulla visibilità, ma modifica il comportamento stesso dei nemici, rendendo le incursioni notturne dei veri e propri viaggi all’inferno dove la pianificazione minuziosa diventa l’unico spartiacque tra la vita e la morte collettiva. I predatori infetti si muovono con dinamiche di branco, traendo vantaggio dalla fitta vegetazione per aggirarci e attaccare dai punti ciechi, il che ci obbliga a un monitoraggio costante dei rumori ambientali e all’utilizzo di strumenti di rilevamento avanzati. Come ci hanno insegnato gli episodi precedenti, la notte gioca attivamente contro di noi con bruschi cali delle temperature che influenzano la resistenza dei sopravvissuti, accompagnate dalle tipologie più pericolose di mutanti che escono allo scoperto per dare la caccia a qualunque cosa si muova. L’illuminazione diventa quindi un’arma a doppio taglio: le torce e i fari dei veicoli sono indispensabili per orientarsi, ma agiscono come fari irresistibili per le creature che popolano l’oscurità, perciò è importante ragionare su costanti compromessi tra la sicurezza visiva e la necessità di muoversi nell’ombra.

La componente cooperativa, da sempre punto di forza e discussione della saga, subisce una trasformazione profonda in State of Decay 3, abbracciando una filosofia di persistenza e condivisione totale del mondo di gioco. Lungi dall’essere semplici ospiti nel mondo di un amico con limitazioni penalizzanti, adesso potremo edificare, gestire e difendere un intero territorio in perfetta sincronia, dividendoci i compiti strategici e affrontando le missioni con un livello di coordinazione tattica senza precedenti. L’interazione tra i giocatori e l’ambiente circostante ci consente una pletora di attività da svolgere in concerto, come barricare edifici in tempo reale, curare i compagni feriti sotto il fuoco nemico e pianificare imboscate sfruttando la verticalità delle nuove ambientazioni: il potenziale per dare vita a storie indimenticabili, scritte direttamente dalle azioni coordinate di un gruppo di amici uniti contro l’estinzione, è davvero incredibile. Ogni risorsa raccolta viene inserita in un inventario comunitario accessibile e gestibile da tutti i partecipanti, eliminando i conflitti sull’assegnazione del bottino e incentivando la specializzazione dei ruoli all’interno del team. Ad esempio, un amico può decidere di rimanere alla base per coordinare le difese, produrre munizioni e migliorare le strutture mediche, mentre noialtri ci avventuriamo nel territorio circostante per stabilire rotte commerciali sicure o bonificare nidi di infezione particolarmente densi. La comunicazione radio integrata e la possibilità di marcare punti di interesse sulla mappa facilitano l’esecuzione di manovre complesse, come direzionare un’orda verso una trappola esplosiva precedentemente piazzata da un compagno di squadra, un’esperienza cooperativa che promette di regalarci grandissime soddisfazioni o battibecchi altrettanto memorabili.

State of Decay: World War X

Conclusa la folgorante presentazione visiva, l’attenzione si è immediatamente spostata sui dettagli commerciali e logistici, che quest’anno contengono una sorpresa destinata a far discutere parecchio certi circoli. Il titolo è stato ufficialmente confermato per il debutto sul mercato nel corso del 2027, una finestra temporale che garantisce agli sviluppatori i mesi necessari per limare ogni singola imperfezione e consegnare un prodotto rifinito in ogni minimo dettaglio. La scelta di non affrettare l’uscita dimostra la massima serietà del publisher, intenzionato a fare di questo capitolo un successo epocale ed esente dalle problematiche tecniche che storicamente hanno piagato i primi giorni di vita dei capitoli passati. L’attesa sarà indubbiamente lunga, ma la qualità delle sequenze mostrate giustifica ampiamente ogni singolo giorno di pazienza che ci separa dal lancio ufficiale, mentre il margine di tempo esteso permetterà al team di calibrare con precisione millimetrica il bilanciamento dell’economia di gioco, l’intelligenza artificiale delle creature e la stabilità delle infrastrutture di rete, elementi cruciali per garantire un’esperienza online soddisfacente e priva di attriti fin dal primo minuto di disponibilità nei negozi. Il rinvio ideale dell’orizzonte di uscita indica inoltre una volontà politica precisa da parte dei vertici aziendali, ovvero quella di non sacrificare la qualità sull’altare delle scadenze trimestrali, permettendo all’opera di esprimere tutto il suo potenziale espressivo e tecnologico senza subire le pressioni tipiche delle produzioni frettolose.

La vera bomba mediatica dell’evento riguarda però le piattaforme di destinazione, che delinea uno scenario destinato a rompere i vecchi schemi dell’esclusività totale. Oltre alle ovvie versioni dedicate all’ecosistema Xbox Series X|S e al mondo PC, è stato infatti annunciato l’arrivo simultaneo di una versione specificamente ottimizzata per PlayStation 5, una storica apertura multipiattaforma che rappresenta una rivoluzione copernicana per la strategia commerciale di Microsoft, allargando a dismisura il bacino d’utenza potenziale e permettendo a una community globale e unita di fondersi grazie a un supporto cross-play totale fin dal primo giorno. Per gli utenti Microsoft, in ogni caso, rimane la certezza assoluta della disponibilità del gioco all’interno del catalogo Game Pass sin dai primi istanti, a conferma del valore centrale del servizio per l’utenza Xbox e PC. L’annuncio della versione per la console Sony ha colto di sorpresa molti analisti del settore, ma si inserisce in una visione strategica più ampia volta a massimizzare i ricavi delle produzioni interne attraverso la diffusione dei propri marchi storici su ogni dispositivo disponibile. È una mossa mirata a favorire anche la longevità del comparto multigiocatore, assicurando che i server rimangano popolati per anni a venire. La parità di funzionalità e l’implementazione del salvataggio condiviso permetteranno agli utenti di passare da una piattaforma all’altra senza perdere i progressi della propria comunità, un nuovo punto di riferimento per l’accessibilità e la libertà di scelta dell’utente finale.

Hellblade 2: Senua’s Saga è stato per certi versi un titolo molto divisivo. Quello che allora si pensò sarebbe stata l’ultima opera di Ninja Theory, uscita durante l’inizio della crisi di quello che chiameremo “l’Impero Spenceriano” di Xbox, prendeva quello che aveva reso il primo capitolo un gioiellino narrativo incredibilmente coinvolgente; un titolo che riuscì a parlare di temi come il trauma, il dolore per un lutto e i disturbi psicologici causati da essi nella maniera più delicata e al tempo stesso brutale possibile attraverso il medium videoludico ed estenderli in un viaggio cinematografico nel folklore celtico che però tutto aveva tranne che un gameplay d’impatto. Ebbene, a due anni dall’uscita del secondo capitolo Senua è tornata sul palco virtuale dell’Xbox Game Showcase con un nuovo capitolo dal titolo piuttosto esplicativo: non più “Hellblade”, solo “Senua“. Sarà l’inizio di un nuovo ciclo? O la fine di tutto? Cominciamo a tirare fuori le prime teorie in questa anteprima.

La Passione di Senua

La storia di Senua si colloca (al momento della scrittura di questo articolo) dopo la fine degli eventi di Hellblade 2, con Ninja Theory che afferma di trattare questo nuovo titolo sia come un sequel che come “il punto d’ingresso ideale” per i nuovi giocatori che si approcciano alla serie, segno che questo potrebbe essere l’inizio di un nuovo racconto con protagonista la guerriera celtica; non più impelagata con il tormento di una vita dilaniata dal dolore e dal sacrificio e ora bloccata all’interno di un purgatorio in cui spiriti e creature provenienti dalla mitologia celtica si frapporranno tra lei e l’immolazione verso un’apparente pace. Ma come nella religione cristiana il purgatorio è il crocevia tra il paradiso e l’inferno, né puramente buono né puramente cattivo, quello rappresentato in Senua è un purgatorio distorto e apparentemente plasmato dai ricordi della stessa guerriera. E nei ricordi, vuoi o non vuoi, ci puoi trovare di tutto: dai ricordi piacevoli, nati dalla propria felicità o da sentimenti più alti come l’amore per una persona con la quale si è stretto un forte legame, ai ricordi nati da traumi irrisolti, esperienze spiacevoli e lutti. Un mix caotico che attirerà Senua verso una discesa nella follia più nera, nonostante quest’ultima possa avere connotati brillanti come l’oro.

Durante il trailer, infatti, molte delle creature e degli scenari presenti avevano il giallo iridescente dell’oro come colore predominante, come se la stessa Senua stesse viaggiando per raggiungere “la luce in fondo al tunnel” e che la porterà a una divinità associata all’oro e alla luce, seppur nel modo più distorto e macabro possibile; come testimonia la scena di fine trailer dove la guerriera viene assorbita da una cupola d’oro fuso, con dialoghi di un’entità esterna che la intimano di lasciarsi andare e accettare ciò che verrà, prima di uscirne grazie all’incoraggiamento delle Furie, le varie sfaccettature del suo io che, come voci nella sua testa, la accompagnano dal primo capitolo. Il trailer si chiude con quello che potrebbe essere il principale antagonista del gioco, una divinità al momento sconosciuta ma che, stando agli indizi descritti poco fa, potrebbe essere legata a Belenus, il dio della luce e della guarigione e che in Senua potrebbe prendere il ruolo del “Re Giallo” che, come nell’opera maledetta di Robert W. Chambers, corromperà la guerriera portandola sempre più giù, verso il punto più basso e oscuro della follia. Ma per ora queste sono semplici speculazioni.

La dualità di Senua tra rivoluzioni e tradizioni

Ciò che possiamo definire più concreto del titolo di Ninja Theory è il nuovo approccio verso un gameplay più orientato all’azione pad alla mano che all’immersione narrativa con elementi puzzle e combattimenti 1v1. Tutte premesse che verranno mantenute, come ha specificato lo stesso studio head di Ninja Theory Dom Matthews in un’intervista con il blog ufficiale di Microsoft Xbox Wire; ma che al tempo stesso verranno ripensate in modo da accomodare un combat-system e logiche di level design in grado di dare al giocatore più controllo e azione di gioco. Non tanto un espediente per “venire incontro a tutti e non accontentare nessuno”, quanto più una rivalsa verso la parte più indigesta e criticata di Hellblade 2: l’assenza di un gameplay action complesso o migliorato rispetto al suo predecessore. Per certi utenti, il secondo capitolo è stato percepito come “uno showcase visivo”, una vetrina su ciò che l’Unreal Engine 5 poteva tirar fuori se padroneggiato da un team capace; ma comunque incatenato a una bidimensionalità pad alla mano incapace di far fare allo studio il classico “salto di qualità” che sembra star per arrivare con questo capitolo.

Durante il trailer abbiamo avuto modo di assistere non solo a brevi momenti di gameplay stealth, con Senua intenta a pedinare delle unità nemiche di soppiatto per poi eliminarle senza farsi notare, intervallati da scontri più violenti e caotici, che finalmente esulano dal semplice 1v1, che rimarrà, ma probabilmente concentrato in momenti più importanti come le Boss Fight; e che resteranno coerenti con la formula alla base dei precedenti capitoli, improntata verso una gestione più tattica, aggiungendo al classico contrattacco con parry anche una gestione degli elementi ambientali su schermo e l’uso della verticalità come ulteriore arma da aggiungere al mix con attacchi dalla distanza. E parlando di armi, in Senua la guerriera celtica potrà finalmente variare il suo arsenale impugnando una seconda arma trafugabile dalle carcasse dei nemici e utilizzarla in congiunta con la sua spada.

Senua: la chiusura di un cerchio per Ninja Theory

Ciò che traspare dalle parole di Dom Matthews è una certa serenità, come se la stessa Ninja Theory avesse concluso un percorso di maturazione e guarigione, con Senua che rappresenta la vera luce in fondo a un tunnel nero e oscuro. Bisogna specificare, infatti, come questo sarà il primo titolo in oltre 10 anni dove verrà impiegata tutta la forza lavoro di Ninja Theory al suo massimo potenziale, una cosa che non accadeva dal lontano 2013, ovvero da DmC: Devil May Cry.

Dopo l’apparente flop del reboot in salsa occidentale nato da un periodo di CAPCOM piuttosto burrascoso e in conflitto sia con la propria identità che con il proprio pubblico, e che finì per coinvolgere lo studio inglese in un fuoco incrociato e in una PR Nightmare che, anche solo a rievocarla brevemente, mi fa venire i brividi, in stile Flashback del Vietnam, Hellblade: Senua’s Sacrifice rappresentò il primo passo verso una rinascita; un progetto minore nato dalla pura sperimentazione che riuscì a recuperare i cocci rotti dalla collaborazione con CAPCOM e rimetterli insieme per creare qualcosa di nuovo. Ora, con Senua, lo studio è pronto a riaffermarsi come uno dei principali player di rilevanza nel mondo dei videogiochi action.

In definitiva, Senua si presenta come un progetto dal potenziale enorme, sospeso tra la volontà di dare continuità all’identità narrativa costruita da Ninja Theory e il desiderio di compiere quel salto evolutivo sul piano del gameplay che in molti avevano richiesto a gran voce dopo Hellblade 2. Tra suggestioni mitologiche, simbolismi legati al tema della follia e un impianto action che sembra finalmente voler spingere di più sull’acceleratore, il nuovo capitolo ha tutte le carte in regola per rappresentare non solo una nuova tappa nel viaggio della guerriera celtica, ma anche un momento cruciale per il futuro stesso dello studio inglese. Resta ora da capire se queste premesse riusciranno a tradursi in un’esperienza davvero capace di unire visione autoriale, intensità emotiva e solidità ludica, ma una cosa è certa: per Senua e per Ninja Theory, questa non sembra affatto una semplice continuazione, bensì l’inizio di qualcosa di molto più importante.